Actualidad 03 mar de 2025
por REDACCIÓN AI
Imagen vía La Oficina
Sueños guardados en granos de maíz
Una exposición de Edgar Calel
Acompañamiento curatorial de Agustín Pérez Rubio
La Oficina; del 22 de febrero al 26 de abril de 2025
La exposición Sueños guardados en granos de maíz del artista maya-kaqchikel Edgar Calel (Guatemala, 1987) es una inmersión profunda en la cosmovisión de las comunidades indígenas de Guatemala. Calel, quien rechaza la etiqueta occidental de "artista" para definirse como un practicante del Naoj (conocimiento, sabiduría y comprensión), propone un diálogo entre el pasado ancestral y el presente colonial. Su obra no solo cuestiona las estructuras hegemónicas del arte, sino que también invita a reflexionar sobre la intraducibilidad de las experiencias culturales y la resistencia de las comunidades indígenas frente a la opresión. En esta muestra, Calel utiliza materiales como el papel amate, la tierra y el fuego para crear piezas que funcionan como rituales de sanación y ofrendas a los ancestros, desafiando las narrativas coloniales y ofreciendo una visión alternativa del mundo.
La galería La Oficina acoge esta exposición, que incluye instalaciones, dibujos y performances que interpelan al espectador desde múltiples dimensiones sensoriales. Calel no solo presenta obras, sino que también realiza rituales en el espacio expositivo, como la instalación de una roca colgada en un columpio junto a plantas medicinales, que purifica el ambiente y conecta con la tierra. Además, la muestra incluye referencias a códices prehispánicos y al Popol Vuh, reinterpretados desde una perspectiva contemporánea. Sueños guardados en granos de maíz es una invitación a repensar nuestra relación con la naturaleza, la historia y las culturas marginadas, ofreciendo un espacio de sanación y resistencia a través del arte.
Chile: amnesia de la verdad
Una exposición de Carlos Arias
Acompañamiento curatorial de Cuauhtémoc Medina
Fundación Marso; del 6 de marzo al 30 de abril de 2025
La Fundación Marso inaugura su sede en Madrid con una poderosa exposición del artista Carlos Arias (Chile, 1964) curada por Cuauhtémoc Medina. Esta muestra, que anteriormente se presentó en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile como parte del programa conmemorativo de los 50 años del golpe de Estado de 1973, reúne 22 bordados que funcionan como un diario visual de la memoria y la resistencia. Arias, exiliado en México durante la dictadura chilena, utiliza el bordado —una práctica tradicionalmente asociada a lo femenino y lo doméstico— para cuestionar las jerarquías del arte y plasmar los traumas colectivos e individuales derivados de la violencia política. La exposición también incluye una pintura de 1990, que da título a la muestra, donde el artista representa huesos y fragmentos frente a la cordillera, simbolizando la fractura social y cultural de su país.
Los bordados de Arias son crónicas íntimas y políticas que entrelazan lo personal con lo histórico. A través de hilos y agujas, el artista fija nombres, fechas y eventos que marcaron su vida y la de Chile, creando obras abiertas que se actualizan con el tiempo. Esta técnica lenta y meditativa le permite reflexionar sobre la pérdida, el exilio y la identidad, mientras desafía las convenciones del arte occidental. La exposición no solo es un acto de memoria, sino también una crítica a las estructuras de poder y género, invitando al espectador a repensar las narrativas oficiales y a reconocer la importancia de las prácticas artesanales en la construcción de la historia.
Mambear: visiones de la coca. Alimento, medicina, sacralidad y resistencia
Exposición colectiva: 4 Direcciones, Asociación AGROARTE y Anyi Ballesteros, Alejandro Osses, Colectivo Jaguares del Yuraparí — Bladimir Rivera Macuna, Escuela de Comunicación Indígena Ka+ Jana Uai - Francy Silva y Nelly Kuiru (Moniyango), Ginger Blonde y Relámpago, Laura Huertas Millán, María Alejandra Torres, Marly Cáceres Uncacia y No Más Metáforas.
Acompañamiento curatorial por el Grupo de Artes Plásticas y Visuales
Centro Cultural Gabriel García Márquez; del 10 de marzo al 4 de junio de 2025
La exposición Mambear: visiones de la coca. Alimento, medicina, sacralidad y resistencia es una exploración profunda y multifacética de la hoja de coca, una planta ancestral que ha sido estigmatizada y criminalizada, pero que para los pueblos originarios de América Latina representa un símbolo de identidad, resistencia y conexión espiritual. A través de obras de artistas y realizadores audiovisuales, esta muestra desentraña los múltiples significados de la coca: como alimento sagrado, medicina tradicional y elemento central en rituales y cosmovisiones indígenas. La exposición cuestiona las narrativas hegemónicas que han demonizado esta planta y propone una mirada decolonial que reivindica su importancia cultural y política.
Las obras reunidas, que incluyen instalaciones, videos y proyectos documentales, abordan temas como la lucha por la despenalización de la coca, su papel en la resistencia indígena y su relación con la tierra y el territorio. La exposición no solo es una ventana a la riqueza cultural de la Amazonía, sino también una invitación a reflexionar sobre las políticas globales de drogas y la necesidad de reconocer y respetar los saberes ancestrales.
At-Tāriq
Una exposición de Tarek Atoui
Acompañamiento curatorial de Daniela Zyman
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza; del 18 de febrero al 18 de mayo de 2025
El artista y compositor libanés Tarek Atoui (Beirut, 1980) presenta At-Tāriq, una exposición inmersiva que invita a explorar las tradiciones musicales rurales del norte de África y del mundo árabe. El título, que significa "el que viene de la noche" o "la estrella de la mañana", evoca un viaje sonoro a través de las rutas subsaharianas de peregrinaje y comercio. En esta primera entrega del proyecto, Atoui se centra en la Tamazgha, los territorios del norte de África habitados por el pueblo amazigh o bereber, conocidos por su rica herencia musical, artística y artesanal. Tras dos años de investigación y colaboración con músicos y artesanos de la región del Atlas marroquí, el artista ha creado un espacio de "hospitalidad poética" inspirado en el majlis, el lugar tradicional de acogida en las culturas árabes.
La música es el corazón de At-Tāriq, convirtiéndose en un acto de hospitalidad que conecta lo tradicional con lo contemporáneo. La instalación sonora de Atoui combina texturas, materiales y sonidos para crear un ambiente que resuena con las afinidades nómadas y las experiencias compartidas. Los visitantes son invitados a habitar este espacio liminal, donde lo familiar y lo desconocido se entrelazan, revelando la profunda conexión entre las prácticas musicales ancestrales y las expresiones artísticas modernas. Esta exposición no solo celebra la diversidad cultural, sino que también cuestiona las fronteras entre el arte, la música y la vida cotidiana.
Mashita a Rye Ehewe
Una exposición de Annalee Davis y Sheroanawe Hakihiiwe
Acompañamiento curatorial por Adriana A. Leanza
Galería Nueva hospedando a la Galería Airas Wang de Lafée (Girona); del 3 al 7 de marzo de 2025
La Galería Airas Wang de Lafée (AWL) presenta Mashita a Rye Ehewe, una exposición dual de los artistas Annalee Davis (Barbados, 1963) y Sheroanawe Hakihiiwe (Venezuela, 1971) curada por Adriana A. Leanza. El título, que proviene del vocabulario yanomami, significa "tierra buena para sembrar" y sirve como punto de partida para explorar la fertilidad de la tierra como entidad viva y sagrada. A través de dibujos, collages y obras en papel hecho a mano, la exposición aborda las complejas relaciones entre la tierra, la memoria y las historias coloniales, reflexionando sobre el impacto de las economías extractivistas y el desplazamiento en el medio ambiente y el patrimonio cultural.
Annalee Davis examina los paisajes transformados por la economía colonial de las plantaciones de caña de azúcar. Sus obras, creadas sobre páginas de libros de contabilidad de plantaciones, trazan conexiones entre la explotación de la tierra y su agotamiento, proponiendo actos de reparación y sanación. Por su parte, Sheroanawe Hakihiiwe, artista yanomami, preserva y renueva la cosmología de su pueblo a través de dibujos que celebran la interdependencia entre los seres humanos y el bosque. Juntos, los artistas tejen un diálogo poético sobre la resistencia, la memoria y la restauración, utilizando el color rojo como símbolo de resiliencia y renovación.
El paraíso del diablo: La Vorágine y el Genocidio del Caucho
Organizada por el Archivo Arkhé y el Ministerio de las Culturas de Colombia
Archivo Arkhé, Calle del Doctor Fourquet 18; del 4 de marzo al 30 de abril de 2025
El Archivo Arkhé y el Ministerio de las Culturas de Colombia presentan El paraíso del diablo: La Vorágine y el Genocidio del Caucho, una exposición que revisa uno de los capítulos más oscuros de la historia de la Amazonia: el genocidio de comunidades indígenas entre 1879 y 1920, perpetrado en el contexto de la explotación del caucho, un insumo clave para la Revolución Industrial. A través de obras de arte, fotografías y documentos históricos, la muestra reconstruye este periodo de barbarie, en el que miles de indígenas fueron esclavizados y asesinados en nombre del progreso y la modernidad. La exposición coincide con el centenario de la publicación de La Vorágine (1924), la icónica novela del escritor colombiano José Eustasio Rivera, que retrata este escenario de violencia y despojo.
La muestra no solo es un acto de memoria histórica, sino también una reflexión crítica sobre las consecuencias del extractivismo y la explotación de los recursos naturales en América Latina. Con el apoyo del Centro Amazónico de Antropología y Aplicación Práctica de Perú y el Ayuntamiento de Madrid, El paraíso del diablo invita al público a confrontar las huellas de este genocidio y a reconocer la resistencia de las comunidades indígenas frente a la opresión. Una exposición necesaria que combina arte, historia y denuncia social, ofreciendo una mirada profunda sobre un pasado que sigue resonando en el presente.
Colectivo Ayllu: Proteja nuestros secretos
Formato Cómodo; del 18 de enero al 18 de marzo de 2025
El Colectivo Ayllu, un grupo artístico-político integrado por migrantes, racializades y disidentes sexuales de excolonias españolas en América Latina y el Caribe, presenta Proteja nuestros secretos, una exposición que entrelaza memoria ancestral, resistencia y crítica al colonialismo. Inspirades en el concepto andino del ayllu —una red de familias unidas por territorio y comunidad—, el colectivo cuestiona la blanquitud, la cisheterosexualidad y las estructuras de poder coloniales a través de obras que combinan rituales, performance, instalación y arte textil. La muestra, acompañada de un texto escrito por la curadora Andrea Pacheco, despliega cinco piezas clave que confrontan la violencia histórica y celebran la resiliencia de cuerpos marginalizados.
Esta es la segunda exposición individual del colectivo en Madrid tras Devuélvannos el oro (2018) en Matadero. Entre las obras destacan Existió un tiempo anterior a que tuviéramos cuerpo (2023), una reflexión sobre la deshumanización colonial; Perrear el dolor (2020), una serie de litografías que visibilizan la bestialización de cuerpos no blancos; y Protección Nefanda (2024), una instalación que recupera archivos ancestrales mediante rituales sincréticos. El video Nuestro juramento (2022) y las alas-pancartas No esperaban que sobreviviéramos II (2023) —usadas en manifestaciones del Orgullo Crítico— completan esta propuesta que fusiona arte y activismo. Con participaciones en la Bienal de São Paulo, Sydney y Kochi-Muziris, el Colectivo Ayllu redefine el arte como herramienta de liberación, interrumpiendo la linealidad del tiempo occidental y reclamando un futuro colectivo desde la diáspora.
Ría
Una exposición de Jorge Satorre
Acompañamiento curatorial de Latitudes (Max Andrews y Mariana Cánepa Luna)
Museo Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M); del 1 de febrero al 31 de agosto de 2025
El Museo Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) presenta Ría, la primera exposición monográfica dedicada al artista mexicano Jorge Satorre (México, 1979) en España. Comisariada por Latitudes, la muestra recorre más de una década de trabajo (2013-2025) en la que Satorre ha explorado la historia no cartografiada y los relatos “menores” a través de una práctica que combina dibujo, escultura y procesos artesanales. Su obra, que surge de un interés inicial por la ilustración editorial, se ha expandido hacia una investigación profunda sobre la transformación de materiales y la relación entre lo íntimo y lo industrial, lo funcional y lo subversivo.
Ría refleja un proceso de introspección en el que Satorre cuestiona la escala de la experiencia personal frente a contextos culturales, políticos y sociales más amplios. La exposición incluye obras que oscilan entre lo específico y lo general, lo cercano y lo distante, explorando cómo las historias individuales se entrelazan con narrativas colectivas. Con motivo de la muestra, se publicará la primera monografía del artista, que incluirá ensayos de Daniel Garza Usabiaga y Sean Lynch, así como una conversación entre Satorre y les curadores.
¿Cuántos ángeles caben en la punta de un alfiler?
Una exposición de Bárbara Sánchez-Kane
Acompañamiento curatorial de José Esparza Chong-Cuy
Collegium (Iglesia de San Martín, Arévalo); del 4 de marzo al 7 de septiembre de 2025
Collegium presenta ¿Cuántos ángeles caben en la punta de un alfiler?, la primera exposición individual de la artista mexicana Bárbara Sánchez-Kane (México, 1987) en España. Con obras de nueva producción, la muestra explora cómo estructuras como la religión y el mercado influyen en la construcción de la identidad y el cuerpo. Presentada en la icónica Iglesia de San Martín, la exposición dialoga con la historia y la carga simbólica del lugar, cuestionando con ironía los mecanismos de adoctrinamiento y su relación con el consumo y el capitalismo.
Sánchez-Kane utiliza la moda como herramienta crítica, creando esculturas y prendas que evocan uniformes, armaduras y figuras sagradas. Materiales como cinturones de cuero, bronce, sacos de boxeo y astas de bandera se transforman en símbolos de resistencia, desafiando las jerarquías tradicionales y proponiendo nuevas formas de autonomía. La exposición, inspirada en el libro Nuevo catecismo para indios remisos de Carlos Monsiváis, plantea un paralelismo entre religión y moda, dos sistemas que regulan comportamientos y deseos, invitando al espectador a reflexionar sobre las estructuras que moldean nuestros cuerpos y hábitos.
Hello Everyone
Una exposición de Laia Estruch
Acompañamiento curatorial de Latitudes (Max Andrews y Mariana Cánepa Luna)
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; del 26 de febrero al 1 de septiembre de 2025
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta Hello Everyone, una gran instalación que reúne más de una década de trabajo de Laia Estruch (Barcelona, 1981). Esta exposición, que funciona como una retrospectiva y un archivo transitable, incluye esculturas, sonidos, imágenes en movimiento, obra gráfica y partituras visuales producidas desde 2011 hasta la actualidad. La voz humana es el eje central de la práctica de Estruch, quien utiliza las cuerdas vocales como herramientas para proyectar una sonoridad que va más allá de la interpretación, creando un diálogo íntimo entre el sonido, el cuerpo y el espacio.
Uno de los desafíos de la muestra es la encarnación de las obras en ausencia de la artista, ya que solo en ocasiones específicas las piezas serán activadas por ella. Aunque la experiencia de la obra de Estruch está intrínsecamente ligada a la corporalidad de la artista, sus colaboradoras y el público, Hello Everyone propone una modalidad de archivo-almacén que permite explorar los ensayos y activaciones realizados a lo largo de su carrera. Esta exposición es una invitación a sumergirse en un universo sonoro y escultórico que desafía las convenciones del arte contemporáneo.
Opera to a Black Venus. ¿Qué nos diría mañana el fondo del océano si hoy se vaciara de agua?
Una exposición de Grada Kilomba
Acompañamiento curatorial de Manuel Borja-Villel
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; del 20 de noviembre al 31 de marzo de 2025
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta Opera to a Black Venus, la exposición individual más completa dedicada a la artista portuguesa Grada Kilomba (Lisboa, 1968) en España. Kilomba, conocida por su enfoque interdisciplinario que combina performance, video, escultura, instalación y paisajes sonoros, explora en esta muestra las narrativas coloniales y poscoloniales a través de una perspectiva poética y filosófica. Su obra, descrita como un "nuevo minimalismo poscolonial", cuestiona los sistemas dominantes de producción de conocimiento y propone un proceso de desaprendizaje de las narrativas hegemónicas.
El núcleo de la exposición es Opera to a Black Venus (2024), una videoinstalación a gran escala que presenta la primera parte de una ópera contemporánea. Kilomba imagina un escenario futurista donde el océano, convertido en un cementerio de historias de esclavitud, colonialismo y migraciones forzadas, se vacía para revelar una venus negra que se erige como oráculo de la memoria y la resiliencia. La obra, creada en colaboración con artistas locales de Lisboa, combina música, danza y poesía en una coreografía hipnótica que evoca un réquiem por las vidas perdidas en las aguas del mundo.
La exposición también incluye otras instalaciones monumentales como 18 Verses (2022), Sounds of Water (2023), Labyrinth (2024) y Compressed Time (2024), que utilizan materiales como tela, madera quemada, piedra y vidrio para crear paisajes simbólicos de resistencia y liberación. Además, se presentan obras anteriores como A World of Illusions (2017-2019) y The Desire Project (2016), que exploran mitologías griegas reinterpretadas en contextos poscoloniales y la relación entre palabra, imagen y sonido.
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Actualidad 26 feb de 2025
Premio. 27 ene de 2025 - 10 mar de 2025 / Vitoria-Gasteiz, Álava, España
Exposición. 26 feb de 2025 - 01 sep de 2025 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España
