Cinco exposiciones de PHotoESPAÑA en Madrid para comenzar el verano

La 27ª edición de PHotoEspaña, con 84 exposiciones y 293 artistas, se celebra del 10 de mayo al 29 de septiembre. Es la primera edición sin su fundador, Alberto Anaut, y la primera bajo la dirección de María Santoyo, que sucede a Claude Bussac. El festival apuesta por nuevas formas de fotografía más instalativas, buscando diversificar las prácticas artísticas.

Sin segundas intenciones

David Goldblatt

30 may. — 25 ago. 2024 // Fundación MAPFRE, Madrid

A lo largo de sus siete décadas de carrera, David Goldblatt (1930-2018) documentó extensamente la vida en Sudáfrica, abarcando tanto el período del apartheid como el posterior. Su obra, recogida en varios libros, reflejó el desarrollo histórico, político, social y económico del país desde los años 50. Conocido por capturar el apartheid, sus fotografías se caracterizan por una mirada contemplativa y humanista, mostrando la cotidianidad y las condiciones subyacentes que llevaban a los eventos históricos, evitando representar la violencia de forma explícita.

La exposición David Goldblatt: sin segundas intenciones, curada por Judy Ditner, Leslie M. Wilson y Matthew S. Wikovsky, reúne cerca de 150 de sus obras para destacar la continuidad de su trabajo. Además, incluye un diálogo con artistas sudafricanos más jóvenes como Lebohang Kganye, Santu Mofokeng y Jo Ractliffe. Esta muestra, coorganizada por The Art Institute of Chicago y la Yale University Art Gallery en colaboración con Fundación MAPFRE de Madrid, se ha realizado gracias al apoyo de Jane P. Watkins.

©Ventura Profana

Más allá del Oeste

Manauara Clandestina y Ventura Profana

6 jun. — 31 jul. 2024 // Galería Formato Cómodo, Madrid

La exposición Más allá del Oeste curada por Aldones Nino es una exploración artística que trasciende las fronteras físicas y conceptuales a través del trabajo de las artistas brasileñas Manauara Clandestina y Ventura Profana. La muestra invita a reflexionar sobre la expansión colonial y sus impactos en la cultura, los cuerpos y los saberes, utilizando el Parque del Oeste de Madrid como un símbolo de resistencia y reconstrucción, ampliando el concepto de «Oeste». El proyecto presenta las identidades trans como fuerzas de cambio, desafiantes para las estructuras de poder, y reflexiona acerca de conceptos como la comunidad y la solidaridad como alternativas para reconstruir espacios de fe, esperanza y autodeterminación, en contraposición a los sistemas establecidos por la colonización.

Lua Ribeira, Sin título de la serie "Agony in the Garden", 2021-2023. Imagen cortesía del artistas y PHotoEspaña

Agony in the Garden

Lúa Ribeira

31 may. — 25 ago. 2024 // Museo Lázaro Galdiano, Madrid

La serie Agony in the Garden de Lúa Ribeira explora la dualidad del hedonismo y nihilismo en la escena musical del trap y drill en España, mediante una colaboración cercana con jóvenes inmersos en esta ola cultural. Creada entre 2021 y 2023, con la pandemia como telón de fondo, Ribeira desarrolla imágenes líricas que reflejan movimientos juveniles contemporáneos, abordando temas universales en un contexto de precariedad laboral, violencia institucional y crisis diversas. La obra destaca la compleja relación de los jóvenes con un mundo marcado por inestabilidad y cambios globales.

Estos géneros musicales, conocidos por sus letras nihilistas, contrastan la vida precaria con la aspiración de lujo y fama, reflejando los valores y estructuras del capitalismo tardío. En España, el drill se ha convertido en una poderosa expresión de precariedad juvenil y un fenómeno cultural significativo, especialmente en ciudades como Madrid, Almería y Granada. Ribeira utiliza su investigación visual y colaboración performativa para capturar gestos y paisajes que evocan una atmósfera particular, intentando desentrañar el significado detrás de estos sonidos y estéticas, que a menudo se perciben como superficiales pero que son profundamente representativos de nuestro tiempo.

Gonzalo Juanes, "Descenso del Sella. Ribadesella", 1965. Imagen cortesía de PHotoEspaña

Una incierta luz

Gonzalo Juanes

28 may. — 21 jun. 2024 // Sala Canal de Isabel II, Madrid

La exposición Una incierta luz homenajea a Gonzalo Juanes (1923-2014), un destacado fotógrafo asturiano del grupo AFAL, el más influyente colectivo de fotografía española del siglo XX. Juanes estableció valiosas relaciones con fotógrafos como Oriol Maspons y Gabriel Cualladó, y mantuvo una amistad cercana con Joaquín Rubio Camín. La muestra, estructurada en cuatro plantas, es la primera gran monográfica dedicada a Juanes, quien fue pionero en el uso del color en la fotografía documental.

Su obra, en gran parte oculta y reconocida tardíamente, ofrece un recorrido atemporal por su vida y trabajo.Nacido en Gijón, Juanes regresó a su ciudad natal en 1957 tras una breve estancia en Madrid, donde retrató la vida diaria en blanco y negro, buscando un estilo propio a través del reportaje emocional. En los años sesentas, descubrió la película Kodachrome y comenzó a trabajar con el color, creando imágenes meditadas y líricas centradas en Asturias. Su serie más conocida es la realizada en 1965 en la calle Serrano de Madrid, que ofrece un gran retrato urbano de la burguesía capitalina. En su etapa final, su producción reflejó su decadencia física y aislamiento, capturando paisajes y objetos con una sensibilidad poética.

Maya Goded, de la serie "El rastro de la serpiente", Zapotitlan, Puebla, México, 2020. Imagen cortesía de PHotoEspaña

Soy mujer que habla con el viento

Maya Goded

29 may. — 20 jul. 2024 // Memoria, Madrid

Curada por Alejandro de Villota, esta exposición, primera individual en una galería en España de la fotógrafa y cineasta mexicana, reúne una selección de veinte imágenes cuyas protagonistas son mujeres en resistencia que luchan por abolir la violencia de quienes irrumpen en sus territorios para ocuparlos. Una lucha que se encarna en la piel y el cuerpo femenino. Recorriendo bosques, selvas, valles y desiertos latinoamericanos, Goded explora los vínculos históricos con la naturaleza de mujeres que luchan a diario por sanar las heridas generacionales y proteger su relación con el cosmos. Mujeres que entienden el comportamiento del agua y de la tierra desde un lugar de respeto alejado del antropocentrismo, que buscan construir una realidad donde la sostenibilidad garantice la armonía con el medio ambiente, que hacen de la curación y los rituales de sanación un gesto personal y comunitario para convertirlo en un acto de defensa política de la vida.