A vista de pájaro: las noticias destacadas de la semana

Anuncian la primera Bienal de Gaza como respuesta desde el arte en tiempos de guerra

Cisjordania, Palestina – Un grupo de más de 50 artistas de Gaza anunció la creación de la Bienal de Gaza, un evento que buscará contar la narrativa palestina y dar voz a los creadores de la región en medio de los ataques continuos de Israel. Liderada por la joven artista Tasneem Shatat, de 26 años, la bienal pretende ser un espacio de resistencia cultural y una plataforma para mostrar al mundo la fuerza creativa que emerge incluso en las condiciones más adversas.

Este evento nace como una «afirmación de la vida artística”, en respuesta a los intentos de despojar de su humanidad a los habitantes de Gaza. Es el resultado de un diálogo entre artistas que se cuestionaron sobre cómo crear arte en medio de la guerra y el hambre.

El proyecto es impulsado por el Museo de Arte Al Risan, una institución sin sede física fundada en Cisjordania ocupada en 2021, que ha realizado más de una docena de exposiciones locales e internacionales. Con el objetivo de recaudar $90,000 USD, la bienal busca no solo apoyar las prácticas artísticas en Gaza, sino también cubrir las necesidades básicas de los artistas, quienes enfrentan escasez de materiales y riesgo de hambruna. Algunes de elles han recurrido a pigmentos improvisados a partir de vegetales y especias para continuar creando.

Entre las obras destacadas está Hope on the Road (2024), de Mustafa Muhanna, una serie producida junto a niños de la ciudad de Gaza. La pieza sobrevivió a un bombardeo en octubre, cuando un fragmento de piedra atravesó el techo del vehículo intervenido. Para Shatat, el arte es una forma de terapia y resistencia: «Quiero que el mundo escuche y vea a estos artistas», declaró.

En un contexto donde la Bienal de Venecia no cuenta con un pabellón dedicado a Palestina, el anuncio de la Bienal de Gaza cobra especial relevancia. Con una narrativa profundamente arraigada en la lucha por la supervivencia y la justicia, este evento busca no solo destacar el talento local, sino también invitar a las instituciones culturales globales a ser valientes y cuestionar las estructuras de poder que perpetúan estas crisis.

Puedes apoyar esta iniciativa haciendo una donación a su campaña de recaudación.

Pabellón de Senegal, Arsenale. Fotografía por Ugo Carmeni. Imagen cortesía de la Fundación Bienal de Venecia

La 60ª Bienal de Venecia cierra con la segunda mayor asistencia en su historia

Venecia, Italia – La Bienal de Venecia 2024 concluyó con 699,304 visitantes durante sus siete meses de duración, consolidándose como la segunda edición más concurrida en sus 129 años de historia. Bajo el título Stranieri Ovunque - Foreigners Everywhere, la exposición, comisariada por Adriano Pedrosa, destacó la visibilidad de artistas del 'Sur Global', indígenas, queer y autodidactas. Aunque la cifra quedó por debajo de los más de 800,000 asistentes en 2022, marcó un aumento significativo frente a los casi 600,000 registrados en 2019.

El público joven tuvo un papel destacado: el 30% de los asistentes tenía menos de 26 años, mientras que el 59% provenía del extranjero. Además, se registró un aumento del 67% en programas de accesibilidad para personas con discapacidades mentales, situaciones de adicción, migrantes y personas sin hogar. También crecieron las actividades educativas, con más de 1,800 grupos escolares y un aumento del 150 % en la participación en visitas guiadas.

La Bienal también fortaleció su presencia digital, con 61.5 millones de visualizaciones en Instagram y 16.6 millones en X (anteriormente Twitter), superando ampliamente las cifras de 2022. Pedrosa expresó su deseo de que esta edición continúe resonando: «Espero que el legado de Foreigners Everywhere amplíe la recepción y visibilidad de artistas marginalizades, transformando nuestra comprensión del arte contemporáneo».

Mientras se espera la designación del curador para 2026, Pietrangelo Buttafuoco, presidente de la Bienal, subrayó el poder del arte para conectar perspectivas culturales: «Todes somos extranjeres en el cruce de mundos y la experiencia de la existencia». Este espíritu global y diverso marcó un hito para la Bienal, reafirmando su relevancia como plataforma artística internacional.

El artista vasco Ibon Aranberri sostiene el Premio Fundación MACBA en la plaza frente al museo en Barcelona. Imagen cortesía de Fundación MACBA

Ibon Aranberri gana la primera edición del Premio Fundación MACBA

Barcelona, España – El artista vasco Ibon Aranberri ha sido reconocido con el primer Premio Fundación MACBA, un galardón que celebra la innovación y el discurso crítico del arte contemporáneo en España y Portugal. Dotado con 80.000 euros, el premio destaca a Aranberri por sus exposiciones Vista Parcial en el Museo Reina Sofía (2023) y Entresaka en Artium Museoa (2024), donde explora la relación entre memoria, paisaje y política.

El jurado, compuesto por figuras como Elvira Dyangani Ose (directora del MACBA), Manuel Borja-Villel (asesor de Cultura de la Generalitat), Manuel Segade (director del Museo Reina Sofía), Adam Szymczyk (exdirector de Documenta 14), Angela Molina (crítica de arte), Abdellah Karroum (exdirector del Mathaf en Catar) y Ainhoa Grandes (presidenta de la Fundación MACBA), valoró la capacidad de Aranberri para transformar espacios expositivos en territorios de imaginación social. Además, subrayaron la integridad estética de su obra, profundamente conectada con la tradición formalista vasca y caracterizada por un equilibrio entre investigación histórica y crítica social.

Entre los finalistas se encuentran el colectivo Cabello/Carceller, por su enfoque interdisciplinar sobre género y representación; Sandra Gamarra, por su exploración de narrativas decoloniales en Pinacoteca Migrante; y David Bestué, quien destaca por su innovadora materialidad escultórica. Cada uno de ellos recibirá 10.000 euros como reconocimiento a su labor artística.

Con esta primera edición, la Fundación MACBA inaugura un premio bienal que busca posicionarse como un referente del arte contemporáneo en la península ibérica, visibilizando a artistas que redefinen los límites del arte en el contexto actual.

Carrie Mae Weems, "Missing Link", 2003. De la serie "From The Lousiana Project", parte de la colección del CAAC. Imagen vía el CAAC

Pensamiento Surbterráneo: Un ciclo de arte y pensamiento que revisita lo popular desde una nueva perspectiva

Andalucía, España – El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) inaugurará el 3 y 4 de diciembre de 2024 el ciclo Pensamiento Surbterráneo. Lo popular desde el sur, del revés y boca abajo, un ambicioso proyecto comisariado por Pedro G. Romero y BNV Producciones. El ciclo, que se extiende hasta junio de 2025 y recorrerá varias ciudades andaluzas, arranca con el primer capítulo titulado "Los condenados de la tierra", en referencia al influyente libro de Franz Fanon. En este capítulo se exploran las nociones de lo popular a través de conferencias, exposiciones y proyecciones, y se interroga sobre cómo la cultura popular es gestionada y representada desde las luchas sociales y políticas contemporáneas.

El programa comienza con dos conferencias clave. La primera, a cargo de Fred Moten, lleva por título El fin de la obra de arte, y aborda la relación entre arte, política y el final de las categorías tradicionales en la producción artística. La segunda conferencia, presentada por Tania Sarufa Adam, se titula La negritud en la cultura popular y los archivos negros, donde la autora profundiza en la influencia de la negritud en las formas culturales contemporáneas y los procesos de archivo y memoria. Estas ponencias estarán acompañadas de una exposición curada por Pedro G. Romero, que incluirá trabajos de artistas como Ana Mendieta, Nan Goldin, Adrian Piper y Miguel Trujillo, entre otros. La muestra explora temas como la identidad, el cuerpo y la memoria a través de una mirada crítica hacia lo popular.

Además de las conferencias y la exposición, el primer capítulo incluirá una pieza de danza de Yinka Esi Graves y la proyección de Ganja & Hess (1973), una película experimental de Bill Gunn que examina la identidad afroamericana a través de una historia surrealista de vampiros, religión y deseo. Esta película, aclamada por su originalidad y estilo visual, ofrece un enfoque radical sobre la cultura popular, la negritud y las luchas existenciales de los personajes afroamericanos en los Estados Unidos.

Pensamiento Surbterráneo se extenderá en los próximos meses a otros espacios como el C3A de Córdoba, el Teatro Central de Sevilla y el Centro Federico García Lorca de Granada, llevando esta reflexión crítica sobre lo popular a diferentes puntos de la región. La entrada será libre hasta completar aforo, ofreciendo una oportunidad única para reflexionar sobre las dinámicas culturales, sociales y políticas que definen lo popular hoy en día.

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Beatriz Gonzalez frente de su obra "Auras anónimas". Fotografía por Juan Barbero. Imagen cortesía de Casas Riegner, Bogotá

Beatriz González recibe reconocimiento internacional por su obra Auras Anónimas

Shangai, China – La artista colombiana Beatriz González ha sido galardonada con el Regional Grant Award en el International Award for Public Art 2024, en la categoría de América Latina. Este reconocimiento, otorgado por el International Institute of Public Art de la Universidad de Shanghái, premia proyectos de arte público que transforman espacios y generan impacto social. La obra de González, Auras Anónimas, fue destacada como un ejemplo excepcional de resignificación de la memoria histórica y reconciliación en Colombia.

Concebida en 2009, Auras Anónimas es una intervención artística que transformó los columbarios del Cementerio Central de Bogotá en un espacio de memoria colectiva. La obra consistió en instalar 8.958 serigrafías de siluetas simbólicas sobre lápidas de los columbarios, basadas en imágenes documentales de la violencia en el país. Este proyecto logró preservar estos edificios históricos, declarados Patrimonio Nacional en 2019, y los convirtió en un lugar de reflexión y resistencia frente al olvido.

«Cada muerto que pasó por acá tiene su aura, y por eso decidí que la obra se titule Auras Anónimas», explicó González. Su obra no solo resignifica el duelo colectivo, sino que también establece un diálogo entre arte, memoria y justicia social, convirtiéndose en un símbolo de sanación para las comunidades afectadas por el conflicto armado.

El jurado del premio internacional destacó el impacto cultural, social y artístico de la intervención, subrayando su capacidad para transformar un espacio olvidado en un monumento vivo a las víctimas. Con este reconocimiento, Beatriz González se consolida como una figura pionera en el arte público y una voz fundamental en la construcción de memoria en contextos de violencia.