La selección de Satoru Yamada: 10 artistas elegidos desde la contemporaneidad y el riesgo

El crítico y comisario japonés residente en Madrid, Satoru Yamada (1970)  es uno de los profesionales invitados por ARTEINFORMADO, a propuesta de la Asociación Española de Críticos de Arte AECA), de la que es miembro, para seleccionar “10 artistas a seguir” con la única condición de ser españoles o residentes en España. Aquí tiene las razones de su selección:

Como crítico interesado en el arte español actual, es para mí un placer compartir y discutir mis ideas con los lectores. Por otra parte, quisiera aclarar que todos los nombres aquí mencionados han sido seleccionados entre distintos artistas que conozco directamente y cuyas obras he podido apreciar en vivo. Ello implica que, aunque tengo buenas referencias de otros artistas, si no he estado físicamente ante sus obras he preferido no incluir su información. En segundo lugar, he privilegiado a los artistas jóvenes para propiciar la difusión de sus nombres y sus obras. Por todo ello, aunque mi selección pudiera parecer imperfecta a algunos lectores, quisiera pedirles que la reciban simplemente como una propuesta ante la cual reflexionar.

¿Qué es el arte? Acudamos al punto de partida: “Las cosas más bellas y mejores en el mundo, no pueden verse ni tocarse pero se sienten en el corazón.” Lo dice Hellen Keller. El arte tiene que transmitir algo al corazón de los espectadores. Aunque la pieza sea estéticamente bonita, si no entrega nada no funciona como una obra. Algunos críticos opinan que el arte tiene que ser poema. Otros proclaman que el arte tiene que tener misterio. En realidad, creo que en el fondo todos tratan de expresar lo mismo: que la obra tiene que producir un efecto mágico. Sin este poder para disparar la imaginación del espectador no hay obra de arte. 

En consecuencia, me preocupa que algunos artistas olviden esta condición inherente a su oficio, y busquen únicamente adaptarse al estilo en boga. Cada vez que aparece un artista interesante, muchos jóvenes pretenden seguir su estilo fanáticamente. Ciertos pintores me aseguraron que Internet les afectaba totalmente. En el mundo actual, en cuanto surge un nuevo estilo que llama la atención, el nombre de su autor se difunde inmediatamente. Casi inconscientemente muchos pintores se dedican a imitarlo, sin pensar en que hay una diferencia fundamental entre obtener resultados rápidos a costa de copiar el estilo ajeno e ir lenta y arduamente elaborando un lenguaje propio.

Por ejemplo, admiro a Antonio López por el poder que tienen sus cuadros de generar un aire místico entre la obra y el espectador. Muchos pintores siguen su estilo para ser como él, pero como es imposible transformarse en Antonio Lopéz, la mayoría devienen en meros copistas. Últimamente observo este fenómeno alrededor de las obras de Justin Mortimer y Alex Kanevsky. Aunque la técnica siempre se ha aprendido a partir del trabajo de los maestros, cada artista debe tener cuidado para ir descubriendo el camino que únicamente a él le corresponde. Debería investigar todo y experimentar todo, partiendo de ideas y conceptos personales. Sin prisa, con dificultad. Sólo así puede desarrollar un lenguaje que él sienta como suyo y los demás reconozcan.

Otro aspecto fundamental para mí es que la obra esté dotada de contemporaneidad. Tiene que estar situada en la época actual. Aunque sea difícil expresar esta idea, lo intentaré: aquello que transmite la obra de arte tiene que estar en resonancia con las exigencias del mundo y del tiempo en el que aparece.

“Un artista intenta que la gente se acerque a las cosas, ya que el arte tiene que ver con el hecho de compartir; no se puede ser un artista si no se quiere compartir una experiencia, un pensamiento.” Es David Hockney quien lo prescribe. Hay gente que piensa que para provocar emoción en la mente de los espectadores el artista debe ser una criatura sublime, apartada de los demás. Sin embargo, si bien es cierto que requiere un gran esfuerzo convertirse en artista, ello no significa que éste deba ser un ente solitario para poder crear. Todo lo contrario. Estoy convencido de que el artista tiene que vivir en sociedad. Tiene que tener sentido común. Tiene que compartir el sentimiento o el pensamiento con los demás. Si no les conoce, aunque piense que ha hecho un gran trabajo, su obra resultará complaciente. Por mucho que esté dotado de un talento peculiar, no le conviene alejarse de quienes viven a su alrededor, sino procurar el contacto y la comunicación con ellos. Este acercamiento al público, a mi juicio, es el que puede dar contemporaneidad a sus obras y finalmente dotarlas de vida eterna.

¿Cómo puede un artista expresar la contemporaneidad en el mundo actual fragmentado e internacional? Vaya a donde vaya, la realidad es multicultural, debido a factores tales como la emigración/inmigración, la televisión y, sobre todo, gracias al intercambio global de información por Internet. En estos momentos, la cultura española ya no pertenece sólo a los españoles, y la cultura española actual no está compuesta únicamente de elementos tradicionales, aunque pueda percibirse un hilo básico de pensamiento español en el fondo. 

Desde el punto de vista técnico, han aumentado las posibilidades expresivas, permitiendo a muchos pintores explorar nuevas tecnologías y materiales innovadores. Sin embargo, la manera de introducir la contemporaneidad no depende de las técnicas a la hora de realizar la obra. 

Después de hablar con numerosos artistas, opino que el autor debe catalizar sus referencias a través de un lenguaje propio que permita a los espectadores identificar al pintor, situarse ante su obra, dedicarse a entenderla y recibirla.

Teniendo en cuenta sus caracteres diferentes, he seleccionado a 10 artistas: Javier Vázquez, Albano Hernández, Victoria Iranzo, Virginia Bersabé, Antonio Barahona, Lucas Brox, Gerard Castellvi Gasco, Jordi Díaz Alamá, Albert Pinya y Gregorio Peño. Todos ellos están luchando por adquirir un lenguaje personal, articulado en torno a conceptos e ideas tras una investigación profunda. Antonio Barahona empezó copiando el arte de Antonio Lopéz, pero se ha independizado, encontrando el arte que quiere hacer realmente. A Virginia Bersabé, a pesar de su juventud, no le interesa seguir el estilo de moda. Lucas Brox busca la belleza en la imagen morbosa. Albert Pinya intenta recuperar la visión artística de su adolescencia, cuando pintaba no para vender, sino para expresar su visión del mundo. Victoria Iranzo o Albano Hernández han cambiado varias veces de estética, pero ambos persiguen un rumbo hondo. Gregorio Peño no para de estudiar el arte y actualmente está aprendiendo en Asia la cerámica oriental. Javier Vázquez sublima el arte urbano en su propio lenguaje. Jordi Díaz Alamá ha flexibilizado su rigor académico y sus obras se van acercando paulatinamente a la abstracción. Después de hablar con Gerard Castellvi Gasco, aunque acaba de empezar su carrera de pintor, estoy convencido de que sus obras tienen la vocación de transmitir. Si el lector quiere profundizar más en alguno de estos artistas, podrá encontrar, en la ficha de cada uno de ellos, el texto que he escrito después de visitar cada uno de sus estudios. 

Como he mencionado, no conozco a todos los artistas jóvenes y seguramente he dejado fuera a muchos buenos artistas, a quienes pido disculpas de antemano. Mi selección es una opción.

Por último, me atrevo a señalar que falla algo en el sistema español de instituciones, galerías, medios de comunicación y coleccionistas para que los artistas emergentes alcancen verdaderamente la superficie del mundo de arte. Haría falta que todos arriesgaran más para descubrir a los artistas nuevos porque, como muestran los creadores aquí reunidos, España es un país lleno de talentos.