Chus Martínez, Rosa Lleó y Elise Lammer trenzan sus voces con motivo de ARCOmadrid 2018

Al conocer que la próxima ARCOmadrid 2018 no tendría como tema central un país ni una región (algo recurrente en algunas de sus 36 ediciones celebradas), si no como eje de investigación un concepto, "El Futuro", desde la redacción de ARTEINFORMADO quisimos salir al encuentro de las tres comisarias responsables de desarrollar y articular dicho concepto a través de lo que promete ser una novedosa y sugerente propuesta curatorial que, además, será la pieza central de la que es la principal feria de arte contemporáneo de España y, por ende, una de las ferias de arte líderes en el mundo.

A continuación les dejamos con Chus Martínez (Ponteceso, A Coruña, 1972), directora del Instituto de Arte de la FHNW Academy of Art and Design, en Basilea; Rosa Lleó (Barcelona, 1980) directora/fundadora de la plataforma The Green Parrot, en Barcelona; y Elise Lammer (Suiza, 1982), comisaria asociada del SALTS (Basilea) y directora/fundadora de la residencia de artistas y espacio expositivo Kunsthalle Roveredo (Suiza).

AI: ¿Qué las une o conecta a las tres? ¿Han colaborado en algún proyecto anterior?

Chus Martínez (CHM): Nos une la admiración, asumo. A Rosa la conocí personalmente y por casualidad en un aeropuerto! Pero sabia muy bien quien era, y desde su inicio me interesó The Green Parrot, el espacio que ella dirige en Barcelona. A Elise la conocí a través de otro espacio, también independiente, SALTS, en la ciudad de Basel con el que ella colabora asiduamente como comisaría. Los programas, los artistas, los modos de trabajo de ambas me parecen de sumo interés, pero también su lenguaje, generoso y abierto, su forma de acercarse a los artistas y su voluntad de construir una comunidad artística y cultural basada en valores, capaz de asumir riesgos, de apoyar a los artistas de principio a fin, pacientes, afines a ideas complejas, cercanas a los problemas que los artistas tienen que sufrir para llevar a cabo su trabajo… Por todo ello, me decidí a invitarlas a estar conmigo, porque creo que su energía era importante en esa idea de invitar al "futuro". El futuro solo es posible gracias a una energía comprometida con estos valores, responsable y capaz. Ellas representan eso para mi.

Rosa Lleó (RL): Elise y yo no nos conocíamos, pero tenemos en común haber creado nuestros propios espacios de manera independiente, trabajando con artistas de nuestra generación.

Elise Lammer (EL): Las tres tenemos una conexión fuerte con España y particularmente con la ciudad de Barcelona, donde todas hemos trabajado de forma institucional e independiente en algún momento. También colaboro en varios proyectos que están vinculados con el Institut Kunst (Basilea), la escuela de arte que dirije Chus.

AI: El lema de la sección es "Lo que va a suceder no es el futuro sino lo que vamos hacer". ¿Estamos viviendo un momento tan complejo que abordar el futuro desde el presente se hacía indispensable? ¿Cuáles van a ser los principales temas de reflexión?

CHM: La producción artística constituye en su complejidad el tema en sí mismo. El futuro no puede ser un "tema", una ilustración o un compendio de presentaciones ejemplares de quienes representar el tiempo de un modo mejor que otros. Alejarse de todo tipo de mecanismo en ese sentido es fundamental. El futuro es la totalidad de la comunidad de artistas y sus propuestas, es algo tan sencillo como la apertura a quienes están trabajando, afinar nuestra capacidad de escuchar a quienes hacen y no a modas o a impulsos que son ajenos a la inteligencia artística. Debe verse, nuestra propuesta, como un ejercicio que no es final, sino una propuesta entre los millones de variaciones que pueden y deben hacerse sobre la sostenibilidad del arte. Es importante ejercitar una cierta sencillez para aprender a mirar qué nos interesa en nuestro contexto, qué esperamos de los artistas y de las estructuras que los apoyan, qué los vinculan a nuestra vida publica. Entender un poco más dónde estamos es lo que posibilita ponernos en relación con nuestro pasado, con las generaciones que han vivido otras cuestiones, otras formas de relación pública en el arte. De este modo, podremos también comprender qué nos une y qué nos separa con otras comunidades artísticas, comprender nuestros vínculos con lugares que no son los obvios, y también comprender la vida económica de nuestra cultura, la relación entre vida pública y fondos privados, mercados. En este sentido ARCO, ya desde su inicio ha generado un lugar para enseñar y para reflexionar sobre una situación que es muy distinta a la de otros países. El futuro no es indispensable, lo que es indispensable es afianzar la confianza de una sociedad en sus artistas, ese es el gran futuro, sentir que arte y artistas son una grandísima garantía de libertad, vida pública y comprensión de temas complejos que afectan nuestro modo de relacionarnos con el género, la naturaleza, la tecnología y la posibilidad de alcanzar un vocabulario político distinto y más rico que el de nuestro presente.

RL: Pensamos en el futuro como potencialidad, como motor de voluntad para pensar de manera diferente para que las cosas cambien. Nos interesa pensar en futuros anteriores, futuros paralelos, en el azar, en las bolas de cristal.

EL: Es importante pensar que no existe el futuro. El futuro es un espacio que solo existe de forma conceptual y por lo tanto cada uno lo puede crear. Nos gusta la idea de rendir un homenaje a los futuristas cuyas predicciones solo pueden acercarse a cierto tipo de realidad, y suelen ser llenas de poesía. Este tipo de fracaso es muy fecundo porque permite ver el presente de forma alternativa.

AI: En una entrevista reciente su colega Cecilia Fajardo-Hill nos comentaba que "sus proyectos han estado guiados a combatir prejuicios o carencias existentes, a trabajar en áreas reprimidas del sistema". ¿Pasa el futuro por revertir ciertos prejuicios, clichés y, en general, situaciones negativas, que han marcado pasado y presente?

CHM: Es una forma, la de Cecilia, brillante y elocuente de describir los motivos que impulsan al trabajo. A mi me fascina la inmensa capacidad de invención que tiene el arte. Seria falso interpretar invención como fantasía. Por invención me refiero a la enorme capacidad de revelar y descubrir formas nuevas de relación entre esferas de la experiencia y el conocimiento que abren, de un modo sutil a veces incluso difícil de percibir, un ámbito de posibilidades nuevo. En este sentido esta sección es una forma de afirmar un giro, desde un modo de pensar en geopolítica, en territorio, hacia la necesidad de concentrarse en cuestiones, en ideas, en problemas… Ese es el cambio fundamental de esta edición. Por supuesto, del mismo modo que las representaciones nacionales solo son parciales, la concentración en el futuro debe leerse como una invitación a trascender cualquier modo de aprehenderlo, de reducirlo, de hacer una autopsia de los símbolos que proyectamos en conceptos tan generales como este.

RL/EL: El principal cliché acerca del futuro que nos gustaría revertir es la idea de "the next new thing", que tiene que ser algo nuevo, joven y tecnológico. No vamos a tener grandes nombres, va a ser un proyecto con mayoría de mujeres de generaciones y contextos diferentes. Es importante pensar qué se puede hacer en un contexto comercial que no repita las carencias y las jerarquías que ya hace el mercado.

AI: Una propuesta curatorial, a primera vista tan compleja, como la que plantean y con tantas derivadas posibles. ¿Es lo que la hace interesante? ¿Es uno de vuestros proyectos más complejos y arriesgados conceptualmente hablando? ¿Qué expectativas tienen depositadas en él?

CHM: La complejidad de la propuesta es múltiple: se trata de un contexto comercial que está acechado por multiples problemas. En Estados Unidos y en Europa existe una gran preocupación por el futuro de pequeñas y medianas galerías que son el primer apoyo de muchos artistas jovenes y el soporte de generaciones de artistas con una trayectoria continuada. En este sentido, al aludir al Futuro como marco general dentro de un contexto como ARCO hay que pensar en el gremio, en una profesión que tiene una gran importancia en la mediación entre artistas y coleccionistas, en la continuidad de la producción artistica etc. No se trata para nada de identificar nombres o individualidades, sino de reflexionar sobre los contextos, múltiples y diversos y cada día mas complejos en los que se da la actividad artística. Como bien dices, la posibilidad de leer estas propuestas de modos muy distintos es infinita. Pero lo que es finito es el sistema en el que tenemos lugar, el sistema social y económico del arte. Por esa razón es al futuro de ese sistema al que refiere una propuesta de esta naturaleza, a la oportunidad que tenemos como publico y como sociedad de preguntarnos sobre el grado de importancia que tienen arte y cultura en nuestro modo de ver y de educarnos en el día a día; la importancia que otorgamos a los diferentes programas en lo público y en lo privado que tenemos a nuestra disposición; nuestra capacidad de entender cómo sobreviven hoy los artistas, quién les ayuda, qué oportunidades tienen los artistas de producir, de exponer, de contrastar públicamente sus propuestas… Esa reflexion es el hacer del futuro, no dejarse llevar por análisis simples e intentar ver este contexto -ARCO- en relación con la salud de todo un sector y la importancia que tiene que sepamos apoyar las distintas propuestas culturales a nuestro alcance de muchos modos, siendo público, participando activamente de nuestras instituciones públicas y, si la economía lo permite, coleccionando. En nuestro país en las últimas dos décadas hemos logrado un interés general por la cultura que es desconocido en otros contextos, sin embargo, tendemos a ponerlo todo en cuestión demasiadas veces como si no acabáramos de aceptar la grandeza de estar siempre y en todo momento al lado de la cultura y abrir debates particulares, centrarnos en la felicidad de dirimir cuestiones artísticas y dejar, de una vez, de lado un lenguaje heredado de políticas culturales que muy pocas veces han tenido una gran visión sobre nuestro contexto u otorgado el apoyo que merecen la gente con talento.

RL/EL: Hemos llevado el hecho de comisariar una sección de la feria más allá, pensándola como una exposición colectiva. No podemos seguir negando que cualquier bienal funciona en el fondo de la misma manera, con unas galerías que financian y respaldan la producción de las obras de sus artistas. El principal objetivo es que funcione para los visitantes y sobretodo para las galerías.

AI: ¿Hay alguna experiencia desarrollada en Institut Kunst (Basilea), The Green Parrot (Barcelona), Salts (Basilea) y Kunsthalle Roveredo (Grisons) que intentaréis volcar en el proyecto?

CHM: Solo puedo hablar por mí, pero el trabajo que he estado desarrollando en los últimos años surge desde la confianza infinita a la base, desde la cercanía a los artistas que se esfuerzan por desarrollar un proyecto y nunca desde las expectativas que, desde fuera, se proyectan sobre el universo institucional y público del arte. El trabajo continuo de identificación de situaciones afines a la producción de obras y de ideas, la investigación, la reflexion sobre cuestiones de género y su grandísima importancia en la construcción social en la que intervienen los artistas como individuos y las obras, así como abordar una nueva sensibilidad hacia la naturaleza y ver como esa sensibilidad transforma el modo en que pensamos trabajo, producción industrial y tecnología, etc., todo ello de algún modo está reflejado también en una propuesta en la que hay que buscar modestia y no espectáculo. Solo espero que la propuesta sea recibida con tranquilidad que nadie crea que esboza una respuesta a nada sino el resultado del trabajo de muchos articulado de un modo que, esperemos, inspire a muchos otros.

RL/EL: Varios artistas de nuestros respectivos programas estarán en la exposición; la mayoría son artistas cuyas practicas observamos desde años, y su puesta en común se conforma con nuestra visión del papel del arte; uno que libera de las limitaciones temporales y territoriales. Más que nada, queremos continuar con el espíritu de no llevar los conceptos al pie de la letra, trabajar desde los afectos y pasarlo bien.

Chus Martínez. Foto de Nici Jost Lowres

AI: En una industria en constante evolución, ARCOmadrid sigue mantiendo un firme compromiso con la sociedad civil a través de su importante función sociopedagógica, demostrando con ello que no todo es mercado. ¿Son posibles proyectos de este tipo gracias a este aspecto diferenciador de la feria madrileña con respecto a sus competidoras?

CHM: Este aspecto diferenciador tiene que ver con nuestra sociedad y es un valor importantísimo. Lo decía antes y lo repito, la función de este contexto es servir para que entendamos, no como aislarlos de otros o utilizarlos para la eterna reflexion sobre el "mercado", sino para entender la compleja coexistencia entre los sistemas económicos públicos y privados dentro del arte, para que valoremos los aspectos positivos y los negativos de las relaciones, para que nos preguntemos sobre nuestro apoyo a la vida pública y la construcción de un buen mecenazgo, para que intentemos entender si nuestra legislación y nuestro sistema tributario han desarrollado o no modelos para apoyarnos en nuestra actividad del mejor modo… ARCO existe en ese coexistir de mundos y es fundamental entenderlo y el contexto quiere y ha querido contribuir a ello, de un modo mas explícito a veces y menos otro pero es un lugar para pensar en todo ello, no solo para comprar.

Pero también comprar es una actividad compleja, los mercados son complejos y no creo que muchos de nosotros entendamos esa complejidad, la dependencia entre coleccionista y riqueza en Europa, los flujos de dinero global de unos centros a otros y como estos afectan al mercado, la valorización de determinadas propuestas y los intereses que las respaldan… Hay mucho por hacer para entender el mercado, y creo que su comprensión nos ayudaría a defender los lugares públicos, no en contraposición a, sino en coexistencia con los modos de compatibilidad públicos y privados. Distinguir es una parte importante para deslumbrar nuevas posibilidades.

AI: Hablando de proyectos futuros. En la próxima Bienal de Venecia de 2019 (la actual, por cierto, está recibiendo algunas críticas por parte de colegas), se presentará por primera vez el Pabellón de los Océanos, bajo su comisariado. ¿Quién lo impulsa? ¿Qué temática/s planteará en él?

CHM: Es todavia difícil poder describir lo que va a suceder. Es un proyecto colectivo resultado de años de interacción entre comisarios, artistas, científicos, antropólogos en el que todavía estamos sopesando posibilidades, lenguajes, formas de trabajar en la investigación, la producción, la presentación de ideas, obras… Es un trabajo intenso y colectivo difícil de describir en resultados inmediatos en estos momentos.

AI: ¿Algún proyecto próximo o a más largo plazo que nos quieran avanzar?

CHM: La producción de una serie de publicaciones en pequeño formato que recogen las experiencias comunes de artistas y científicos en relación a los Oceanos y la naturaleza; una exposición sobre la importancia de entender lo que transformación significa, que abrirá el 5 de marzo en Castello di Rivoli en Turín, y la adaptación de la instalación que pudo verse en el Barbican del cineasta John Akromfah en el Museo Thyssen de Madrid que abre una semana antes que ARCO y que es parte del trabajo en colaboración con la Fundación TBA21, impulsora de las expediciones y la producción artistica y de pensamiento entorno a los Oceanos.

RL: El próximo proyecto de The Green Parrot en la Fundació Antoni Tàpies será en mayo, con una serie de artistas y pensadores invitados que reflexionará sobre el concepto de Capitaloceno. Después de eso se cerrará esa etapa y la plataforma se convertirá en otra cosa que todavía no puedo anunciar.

EL: En 2017-2018 soy residente del Istituto Svizzero di Roma, donde me dedico a un proyecto de investigación sobre el nuevo realismo italiano, además de trabajar en la monografias de la artista suiza Athene Galiciadis y la artista francesa Caroline Mesquita.

Rosa Lleó

AI: En su caso Rosa ha sido siempre comisaria independiente. Actualmente, su proyecto The Green Parrot (Barcelona) está en residencia en la Fundación Antoni Tàpies. ¿No le ha tentado trabajar bajo el paraguas de una institución? ¿Prefiere la libertad y pagar -literalmente- el peaje de buscarse la vida?

RL: Trabajar bajo el paraguas de una institución en España es igualmente precario y hay muy pocas posibilidades de hacerlo como comisaria. ¿Dónde están los concursos públicos para estos cargos? Para director y para vigilante de sala sí, pero para comisaria (algo que suelen hacer mujeres)? No vaya a ser que luzcan demasiado y quiten el protagonismo al director, mejor que existan "coordinadoras de exposiciones" y que no haya mucha movilidad.The Green Parrot surgió precisamente después del desencanto de haber realizado algunos proyectos con instituciones en los que las condiciones tanto económicas como conceptuales no eran muy interesantes, por ello pensé en dedicar ese esfuerzo a un proyecto completamente nuevo. Y en ese momento pasó por ser un espacio físico de exposiciones que duró dos años. Siempre pensé en el proyecto directamente relacionado con el contexto de la ciudad de Barcelona y sus necesidades. Ahora mismo no podemos seguir haciendo las exposiciones que hacíamos en el piso de 80 m2 de Ciutat Vella, es imposible tenerlo por la especulación que hay con el suelo, pero surgió la oportunidad de colaborar con una institución que realmente sí es interesante y pensamos juntos la posibilidad de hacer proyectos más a largo plazo que no fueran expositivos. Pero intentar depender sólo de dinero público en España no tiene mucho sentido así que The Green Parrot seguirá pensando en la mejor manera de existir, de otra forma.

Elise Lammer

AI: En el suyo Elise se combina el ser comisaria asociada en el centro SALTS (Basilea) y fundadora de la residencia de artistas y espacio expositivo Kunsthalle Roveredo (Suiza). ¿Es la mejor opción para hacer proyectos por libre y a la vez contar con una estabilidad laboral?

ELL: SALTS y Kunsthalle Roveredo son ambos lugares donde disfruto de una libertad total en cuanto a las ideas que quiero desarrollar. Al nivel económico, mi estabilidad esta muy vinculada con una colaboración seguida con varias instituciones públicas e iniciativas privadas, sean museos, fundaciones, galerías o escuelas de arte en Suiza y en el extranjero. Creo que hoy día la dicotomía entre arte y mercado, forma y contenido no es tan clara como antes, y nosotras comisarias solo podemos mantener nuestra práctica bajo un régimen de capitalismo cognitivo. Al aceptar este cambio de paradigma sin dejar mucha libertad.

AI: Siguiendo con su profesión. ¿Existe un techo de cristal para las mujeres en las instituciones? ¿Qué debería cambiar para que viéramos a más colegas suyas ocupando las direcciones de los principales museos y centros internacionales?

RL: Sin duda en España. Todo el mundo habla del "director" ya en masculino, es el cargo importante y que brilla más. Todo el mundo lo discute. ¿Cuándo se ha anunciado alguna vacante de comisaria? ¿Jefa de comunicación? ¿De programas públicos? ¿Que normalmente se dan a mujeres y son cargos igualmente importantes? Pero estos quedan en la sombra y los elige a dedo el director de turno.

EL: Más allá de las instituciones y del mundo del arte, hay una falta total de consciencia feminista en Suiza. No faltan mujeres ocupando puestos de responsabilidades, pero sufrimos desigualdad sistemática en silencio, y somos uno de los países con una disparidad salarial entre hombres y mujeres mas grande de Europa.

AI: Por último, ¿cuál es la parte de su trabajo que más las hace disfrutar y por la que no lo cambiarían?

CHM/RL/EL: La vida en relación constante con los artistas.