Actualidad 24 abr de 2025
POR REDACCIÓN AI
Edgar Kanayko?, "Ca?mera arco, imagem flecha", 2019. Imagen cortesía de Instituto Inhotim
Esta es la información localizada «a vista de pájaro» por nuestra redacción, misma que ponemos a su disposición.
Fotografía, territorio y cosmovisiones: Inhotim presenta obras fotográficas y audiovisuales de artistas indígenas de América del Sur
Minas Gerais, Brasil – El Instituto Inhotim presenta a partir del 26 de abril de 2025 una nueva exposición en la Galería Claudia Andujar, que ahora lleva el nombre adicional de Maxita Yano ("casa de tierra" en lengua Yanomami). La muestra, que celebra el décimo aniversario del espacio, reúne obras de 22 artistas indígenas de América del Sur, incluyendo nombres como Denilson Baniwa, Graciela Guarani y Elvira Espejo Ayca. La exposición busca profundizar en diálogos sobre la existencia indígena, abordando temas como el activismo, la representación fotográfica y las alianzas entre pueblos originarios.
La curaduría, a cargo de Beatriz Lemos, propone un encuentro entre el legado de Claudia Andujar —fotógrafa suiza-brasileña reconocida por su defensa de los Yanomami— y las creaciones de artistas indígenas contemporáneos. La muestra está organizada en núcleos temáticos que exploran la espiritualidad, el territorio, la vida cotidiana y la resistencia. Destacan obras como Hilando y Bordando de David Díaz Gonzáles, que retrata la identidad Shipibo-Konibo, y Xe Ñe’e de Graciela Guarani, un testimonio visual de la lucha Guarani Kaiowá en Mato Grosso do Sul.
La exposición también incluye una sala documental dedicada a la trayectoria de Andujar, con archivos del Centro de Documentación Indígena y el Instituto Socioambiental. Además, la Hutukara Asociación Yanomami participa en la curaduría de una sección, presentando dibujos y videos que reflejan la mirada Yanomami sobre su propia cultura. Proyectos especiales, como el panel kené de Olinda Silvano y la cartografía urbana de Denilson Baniwa, enriquecen la experiencia con perspectivas sobre memoria y resistencia.
Acompañando la muestra, Inhotim ha organizado un programa público con charlas, performances e «imágenes sonoras» dirigidas por Renata Tupinambá, que conectan el arte con las luchas territoriales actuales. La exposición, patrocinada por Vale y con apoyo de embajadas como la de Colombia y Perú, refuerza el compromiso de Inhotim con la diversidad cultural y la justicia social. Una oportunidad para reflexionar sobre el poder del arte como herramienta de transformación y diálogo intercultural.
Más información en inhotim.org.br.
Ho Tzu Nyen dirigirá la 16ª Bienal de Gwangju con un enfoque en la transformación artística y el cambio democrático
Gwangju, Coreo del Sur – El artista y curador singapurense Ho Tzu Nyen ha sido nombrado director artístico de la 16ª edición de la Bienal de Gwangju, que se inaugurará en septiembre de 2026. Reconocido por su trabajo en cine, instalaciones y performances, Ho es una figura clave en el arte contemporáneo asiático, con proyectos como The Critical Dictionary of Southeast Asia, donde explora narrativas históricas y culturales de la región. Su enfoque curatorial promete resonar con el legado de Gwangju como símbolo de transformación social y democracia.
En un comunicado, Ho destacó que esta edición reunirá «energías, propuestas y prácticas» que lo han inspirado durante dos décadas, buscando conectar el poder transformador del arte con la historia de lucha de la ciudad surcoreana. «No se tratará de transmitir un mensaje único, sino de generar propuestas de cambio compartidas por todos», afirmó. La Fundación de la Bienal de Gwangju resaltó que su visión abordará "las crisis entrelazadas de nuestro tiempo» a través de prácticas artísticas colectivas.
Ho tiene una trayectoria internacional que incluye representar a Singapur en la Bienal de Venecia (2011) y participar en eventos como la Trienal de Aichi (2019) y la Bienal de Sharjah (2019). Como curador, coorganizó la 7ª Bienal de Arte Asiático en Taiwán, The Strangers from Beyond the Mountain and the Sea, donde ya exploraba diálogos interculturales. Su nombramiento sigue a la edición anterior de la Bienal de Gwangju, dirigida por el francés Nicolas Bourriaud bajo el tema Pansori – A Soundscape of the 21st Century.
El presidente de la fundación, Lee Sang-Gap, destacó que Ho, «sintonizado con la diversidad cultural de Asia», ofrecerá una perspectiva renovada al evento. Por su parte, el artista expresó su emoción por regresar a Gwangju, esta vez como director, y adelantó que la bienal será un espacio para preguntas abiertas más que para respuestas cerradas. Con su llegada, se espera una edición que desafíe los límites del arte y su papel en tiempos de incertidumbre global.
Escuela de Arte de Chicago enfrenta acusaciones de censura y represalias por activismo pro-Palestina
Chicago, Estados Unidos – La Escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC) se encuentra en el centro de una serie de protestas por presuntas represalias contra estudiantes y profesores vinculados al activismo pro-Palestino. El caso más destacado es el de Kelly Xi, profesora adjunta puesta en licencia administrativa y luego despedida en diciembre de 2023 tras facilitar una lista de correos para que estudiantes apoyaran una huelga docente. Xi, quien también había colaborado con una exposición estudiantil crítica con la política de la escuela hacia Palestina, denuncia que su despido fue una represalia por su activismo. La Asociación Americana de Profesores Universitarios (AAUP) investiga posibles violaciones a la libertad académica.
Esta política de silenciemiento y censura se remonta a mayo de 2024, cuando la policía arrestó a 68 manifestantes —en su mayoría estudiantes— durante un campamento en los jardines del Instituto de Arte de Chicago que exigía desinvertir de empresas vinculadas a Israel, específicamente aquellas empresas pertenecientes al empresario A. Steven Crown, inversior en la industria militar que sustenta el genocidio palestino. La exhibición La escuela como función del imperio, organizada meses después por estudiantes en la galería SITE, profundizó las tensiones. La administración intentó censurar obras como Say Their Names —una instalación con los nombres de palestinos fallecidos en Gaza—, y un libro infantil antisionista ilustrado por Nicole Eisenman, alegando riesgos de "acoso". La abogada Rima Kapitan intervino, acusando a la escuela de discriminación por asociación.
La situación se agravó con las negociaciones del sindicato de profesores no titulares (75% de la planta docente), que rechazó una cláusula propuesta por SAIC para no renovar contratos por «conducta dañina para la reputación de la escuela». «Es un intento de silenciar el activismo», denunció Anders Lindfall del sindicato AICWU. Mientras, estudiantes internacionales involucrados en las protestas reportaron despidos injustificados de trabajos en el campus, lo que atribuyen a represalias.
Con la AAUP evaluando sanciones y el caso de Xi como emblema, este caso refleja un debate nacional sobre libertad académica y activismo en universidades en tensión con el gobierno fascista de Trump. «SAIC tiene un historial de arte político, pero ahora castiga a quienes lo practican», señaló Mary Patten para ArtNews, profesora de la escuela, quien recuerda un emblemático caso de libertad de expresión en 1989 cuando el alumno Dread Scott exhibió una obra que invitaba a pisar la bandera estadounidense, mismo que llegó hasta la Corte Suprema. Hoy, la comunidad artística cuestiona si la escuela ha traicionado ese legado.
La administración niega las acusaciones, insistiendo en que cumple con las políticas antidiscriminación evidenciando con ese argumento la tergiversación del significado de 'antisemitismo' con el fin de criminalizar la solidaridad con Palestina. Mientras tanto, en un clima donde el gobierno federal ha amenazado con retirar fondos a universidades que permitan protestas, estudiantes y docentes exigen transparencia en las inversiones institucionales y protecciones para la disidencia.
Barcelona celebra la tercera edición de The Collector is Present con diálogos entre coleccionismo y creación artística
Barcelona, España – Del 8 al 11 de mayo, Barcelona se convierte en el epicentro del coleccionismo contemporáneo con la tercera edición de The Collector is Present, un evento organizado por el Barcelona Gallery Weekend. Este año, 16 galerías de Barcelona, L'Hospitalet y Santa Margarida i els Monjos abren sus puertas con una programación gratuita que explora la relación entre coleccionistas, artistas y galerías. La iniciativa, que precede a la 11ª edición del Barcelona Gallery Weekend (18-21 de septiembre), busca democratizar el acceso al arte y reflexionar sobre el papel del coleccionismo en el ecosistema cultural.
Entre las actividades destacadas figuran exposiciones co-curadas por coleccionistas, como 2005-2025: Joaquín Díez-Cascón & ADN Galería, que celebra dos décadas de colaboración con obras de artistas como Abdelkader Benchamma y Pep Vidal, o Cielito lindo en Chiquita Room, donde Cristina Arribas exhibe su colección de postales centradas en el cielo. Además, Pigment Gallery presenta Retratarse, un diálogo entre fotografía y autorretrato con obras de Patricio Reig y la participación de coleccionistas como Carmen y Lluís Bassat.
El programa incluye encuentros íntimos, como la conversación entre el galerista Carles Taché y Julio Vaquero (Fundació Sorigué) sobre coleccionismo institucional versus privado, o el Digital Art Show en House of Chappaz, donde Tales Tommasini explora el arte digital junto al coleccionista Manuel Lomas. También sobresale la visita guiada por Jorge Vidal a la exposición de Marria Pratts en Mayoral, y el Speed Art Talk en Suburbia Contemporary, donde el público podrá interactuar con la coleccionista Agnes Scheltema y la artista Greta Alfaro.
Con esta edición, The Collector is Present reafirma su compromiso con el diálogo en torno al arte, invitando al público a descubrir las historias detrás de las colecciones privadas. El evento, apoyado por instituciones como la Generalitat de Catalunya y Fundació "la Caixa", refuerza el tejido cultural barcelonés y anticipa una nueva edición del Barcelona Gallery Weekend en septiembre, consolidando a la ciudad como un referente internacional del arte contemporáneo.
Más información en el website de Barcelona Gallery Weekend.
Agustina Ferreyra se une a la galería OMR de la Ciudad de México como directora
Ciudad de México, México – La reconocida galería OMR de la Ciudad de México anunció este miércoles la incorporación de Agustina Ferreyra, destacada galerista y curadora, como nueva directora. Ferreyra, quien fundó su propio espacio en San Juan, Puerto Rico, en 2013 antes de trasladarlo a la capital mexicana, ha centrado su carrera en impulsar el trabajo de artistas jóvenes y emergentes de América Latina. Su llegada a OMR marca un nuevo capítulo en su trayectoria, consolidando su influencia en la escena artística regional. Paralelamente, Ferreyra anunció el cierre de su galería homónima el 30 de abril, tras más de una década de operaciones. «Desde el principio, me propuse trabajar con artistas en los que creía, sin comprometer mi visión de presentar obra que abordara preocupaciones y temas que me atraviesan a diario», escribió en Instagram. A través de su galería, organizó y curó más de 90 exposiciones y presentanciones, tanto en San Juan como en la Ciudad de México.
Ferreyra ya había colaborado con OMR durante la Semana del Arte de la Ciudad de México en febrero 2025, cuando coorganizó Bodega, un proyecto expositivo en las instalaciones de almacenamiento de la galería en Colonia Doctores. Allí presentó una muestra individual de le artista argentine Ad Minoliti, reafirmando su compromiso con prácticas artísticas contemporáneas de Latinoamérica. En su nuevo rol, Ferreyra estará a cargo de Bodega como directora artística. En un comunicado, Ferreyra expresó su entusiasmo por esta nueva etapa: «Estoy emocionada de pensar en Bodega como un lugar para la experimentación, donde los procesos puedan compartirse y donde podamos fortalecer la comunidad artística». También destacó la oportunidad de expandir sus intereses curatoriales dentro de una institución con la trayectoria de OMR.
La incorporación de Ferreyra a OMR refleja la dinámica evolución de la escena artística mexicana, donde las colaboraciones y los proyectos experimentales ganan cada vez más relevancia ante las nuevas generaciones de artistas. Con su liderazgo, la galería reforzará su compromiso con el arte emergente y las prácticas contemporáneas, consolidando su posición como una de las galerías más influyentes de la región. Este movimiento también subraya el creciente intercambio cultural entre Puerto Rico y México, enriqueciendo el panorama artístico latinoamericano.
Picasso: Tête-à-tête revela obras inéditas y diálogos íntimos en Nueva York
Nueva York, Estados Unidos – La Galería Gagosian de Nueva York presenta Picasso: Tête-à-tête, una exposición excepcional que reúne más de cincuenta obras de Pablo Picasso, muchas nunca antes exhibidas y procedentes en su mayoría de la colección personal de su hija, Paloma Picasso. La muestra, abierta desde el 18 de abril hasta el 3 de julio, incluye pinturas, esculturas y dibujos creados entre 1896 y 1972, destacando una decena de piezas que permanecieron décadas en el estudio del artista. Entre las joyas expuestas figuran las entrañables «muñecas Paloma», confeccionadas por Picasso para su hija cuando era niña.
Organizada en colaboración con Paloma Picasso, la exposición rompe con la cronología tradicional para adoptar un enfoque dialógico, inspirado en la propia metodología del artista. Las obras se disponen en tres salas sin rótulos explicativos, invitando al espectador a descubrir conexiones entre periodos y estilos diversos, desde el clasicismo de Olga (1923) hasta el cubismo de Jacqueline (1962). «Es un homenaje a cómo mi padre quería que se vieran sus obras: en conversación», afirmó Paloma Picasso. Larry Gagosian, por su parte, destacó que esta muestra cierra con broche de oro la etapa de su galería en 980 Madison Avenue.
La exposición no solo revela al Picasso íntimo y familiar, sino también al artista provocador. Junto a las tiernas muñecas y retratos de Paloma, se exhiben obras como El beso, donde la sensualidad se torna violencia, o autorretratos junto a modelos en actitudes ambiguas. Esta dualidad refleja la multiplicidad de un genio que, como él mismo declaró en 1963, «nunca tuvo estilo porque nunca se quedó en un lugar». La muestra incluye además bustos en bronce, bodegones cubistas y piezas procedentes de colecciones privadas, algunas ausentes del mercado artístico desde hace medio siglo.
Acompañando la exposición, Gagosian publicará un catálogo ilustrado con una conversación entre Paloma Picasso y el artista Peter Doig, así como un texto histórico sobre la muestra de 1932 en París, donde Picasso experimentó por primera vez con este formato disruptivo. Con Tête-à-tête, Nueva York acoge un diálogo póstumo con el maestro malagueño, ofreciendo nuevas pistas para descifrar su legado inagotable.
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Premio. 14 abr de 2025 - 12 may de 2025 / Madrid, España
Exposición. 24 abr de 2025 - 31 may de 2025 / Max Estrella / Madrid, España
Formación. 08 may de 2025 - 17 may de 2025 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
