A vista de pájaro: las noticias destacadas de la semana

Por órdenes de la administración Trump cancelan exposición sobre arte y afrodiáspora tras retiro de fondos 

Washington, D.C., Estados Unidos – El Museo de Arte de las Américas ha cancelado una exposición dedicada a artistas afrolatines, caribeñes y afroestadounnidenses después de que la administración del presidente Donald Trump retirara los fondos destinados al evento, alegando que se trataba de un programa de Diversidad, Equidad e Inclusión (DEI). La muestra, titulada Before The Americas y curada por Cheryl D. Edwards, llevaba cuatro años en preparación y estaba programada para inaugurarse el 21 de marzo. Incluiría 40 obras que exploraban temas como la migración, los desafíos coloniales y la interconexión de la diáspora africana en las Américas, con piezas de artistas como Alonzo Davis, fundador de una de las primeras galerías de arte contemporáneo propiedad de afroestadounidenses en EE.UU., y la escultora mexicano-estadounidense Elizabeth Catlett.

Según Edwards, el 10 de febrero, el liderazgo del museo le informó que la administración Trump había etiquetado la exposición como un «evento y programa DEI» y había retirado los fondos asignados previamente por la administración Biden. «Esto no es un problema de recaudación de fondos», declaró Edwards al medio Hyperallergic. «Es un problema de silenciamiento de voces y visualidades relacionadas con el programa DEI… y de discriminación basada en racialización, casta y clase». A pesar de que Edwards ofreció recaudar fondos a través de donantes privados, el museo rechazó la propuesta, argumentando que el problemano era financiero. Según The Washington Post, la cancelación se produce en medio de una serie de órdenes ejecutivas de la administración Trump que buscan eliminar programas federales relacionados con la DEI, lo que ha generado un clima de incertidumbre en instituciones culturales y educativas.

El Museo de Arte de las Américas, que alberga una colección de más de 2,000 obras relacionadas con el arte latinoamericano y caribeño, es parte de la Organización de los Estados Americanos (OEA), un organismo diplomático enfocado en derechos humanos, democracia, seguridad y desarrollo en el hemisferio occidental. Estados Unidos es uno de los 34 países miembros de la organización. Sin embargo, la administración Trump no ha nombrado aún un nuevo jefe para la Misión de EE.UU. ante la OEA, y el secretario de Estado, Marco Rubio, ha emitido directrices que priorizan la eliminación de enfoques en «causas políticas y culturales divisivas» tanto en el país como en el extranjero. Esta postura ha sido criticada por artistas y curadores, quienes ven en la cancelación de Before The Americas un ataque directo a la libertad artística y a la representación de comunidades históricamente marginadas.

La cancelación de la exposición ha generado fuertes críticas por parte de la comunidad artística. Michelle Talibah, una de las artistas cuya obra formaría parte de la muestra, calificó la decisión como un «despido abrupto» de la misión del museo de promover el intercambio cultural y un «afrenta impactante” a la integridad de la institución y de la OEA. Por su parte, Claudia “Aziza” Gibson-Hunter, otra artista participante, señaló que la censura de la exposición representa un «acto cultural vicioso» que perpetúa siglos de borradura de las contribuciones de las personas afrodescendientes.

Edwards, quien conectaba la exposición con el Plan de Acción de la OEA para la Década de los Afrodescendientes en las Américas (2016-2025), expresó su esperanza de llevar la muestra a otro espacio más adelante este año. Mientras tanto, la cancelación ha levantado preocupaciones más amplias sobre la libertad artística y la opresión sistemática de voces marginadas. «La diversidad, la equidad y la inclusión no son amenazas», declaró un artista anónimo a Hyperallergic. «Son valores fundamentales que enriquecen, reconocen y abrazan la realidad de que vivimos en una sociedad compuesta por muchas personas diferentes». Hasta el momento, ni la OEA, ni la Misión de EE.UU. ante la OEA, ni el Museo de Arte de las Américas han respondido a las solicitudes de comentarios sobre el caso.

Saodat Ismailova, "Two Horizons", 2017. Instalación de vídeo HD de dos canales, 24 min., color, 4.1 surround. Imagen cortesía del artista y Festival TONO

TONO 2025: Un festival que fusiona arte, música y performance en México  

Ciudad de México, México – Del 25 de marzo al 6 de abril de 2025, el Festival TONO regresa a Ciudad de México y Puebla con una programación multidisciplinaria que incluye instalaciones de video, performances, proyecciones y eventos musicales. Este año, el festival se llevará a cabo en destacados recintos culturales como el Museo Anahuacalli, Ex Teresa Arte Actual, Laboratorio Arte Alameda, Casa del Lago UNAM, Museo Universitario del Chopo y Museo Amparo, además de presentar programación nocturna fuera de estos espacios.  

La edición 2025 de TONO destaca por sus colaboraciones internacionales, como la curaduría de Sophie Cavoulacos, del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), quien presentará un programa de cortometrajes que exploran colectivos artísticos neoyorquinos de los años 80. Además, el festival contará con la participación del artista contemporáneo Valentin Noujaïm y una selección de videos de artistas de TONO en la galería H BOX del Centro de Arte Moderno Gulbenkian en Lisboa.  

Entre las propuestas artísticas destacan nuevas instalaciones de Korakrit Arunanondchai, Alex Gvojic, Jota Mombaça y Daniel Steegmann Mangrané, así como performances en vivo de Eartheater, Freeka Tet y Bárbara Sánchez-Kane. El festival también presentará una conferencia-espectáculo de Adam Linder, apoyada por Dance Reflections de Van Cleef & Arpels, y una colaboración musical con el artista Alberto Bustamante.  

Varias exposiciones se extenderán más allá de las fechas del festival, como ¿Cómo se escribe muerte al sur? de Carolina Fusilier y Paloma Contreras Lomas en el Museo Anahuacalli, y Abismo entre dos montañas de Saodat Ismailova en el Museo Amparo. Estas muestras buscan profundizar en temas como la identidad, la memoria y la relación entre arte y territorio.  

Fundado por la curadora Sam Ozer, TONO se consolida como un espacio para el arte basado en el tiempo, promoviendo prácticas interdisciplinarias y conectando a artistas con públicos diversos. Con su enfoque experimental y colaborativo, el festival sigue siendo un referente para el arte contemporáneo en México y el mundo.

El libro «Momentum: Arte y Ecología en América Latina» editado por el Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros y el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Imagen vía MoMA

El Instituto Cisneros presenta el libro Momentum: Arte y Ecología en América Latina  

Nueva York, Estados Unidos – El Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros, del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), lanzó su primera publicación académica, Momentum: Art & Ecology in Contemporary Latin America, un libro que explora cómo los artistas latinoamericanos abordan temas ecológicos. La presentación del libro incluyó intervenciones de destacadas figuras como la escritora Graciela Speranza, el artista indígena Denilson Baniwa y la creadora Naomi Rincón Gallardo, además de contribuciones en video de artistas como Ursula Biemann y Regina José Galindo.  

Momentum investiga la relación entre el arte y el medioambiente en América Latina, abordando temas como las disputas territoriales, los legados coloniales y las visiones de futuro. La publicación no solo destaca a artistas contemporáneos, sino que también rescata el trabajo pionero de figuras como Cecilia Vicuña y Juan Downey, junto con textos de antropólogos, activistas indígenas y sociólogos que enriquecen el debate ecológico desde múltiples perspectivas.  

Editado por Inés Katzenstein, María del Carmen Carrión y Madeline Murphy Turner, el libro es el resultado de cuatro años de investigación, conferencias y seminarios organizados por el Instituto Cisneros. Con contribuciones de expertos como Julieta González y Camila Marambio, Momentum se divide en cuatro secciones que combinan artículos inéditos con textos clásicos traducidos al inglés, ofreciendo una mirada profunda y diversa sobre la ecología en el arte latinoamericano.  

La edición en inglés estará disponible este verano en Estados Unidos, mientras que en 2025 se publicará una versión en español distribuida por la editorial argentina Caja Negra. Según Katzenstein, el proyecto surgió durante la pandemia, cuando el creciente interés de los artistas por la crisis climática llevó al Instituto a profundizar en estas temáticas.  

El libro subraya el papel del arte como herramienta para imaginar nuevas formas de vida y futuros alternativos frente a la crisis ambiental. Katzenstein destaca que, más allá de ofrecer soluciones científicas, los artistas proponen modelos de pensamiento que invitan a repensar nuestra relación con el planeta, demostrando cómo el arte puede contribuir de manera significativa a los debates globales sobre la sostenibilidad y el medioambiente.

Inauguración del Museo de Arte Transfemenino, CDMX, 2025. Imagen cortesía del MAT

Inaugura el Museo de Arte Transfemenino en la Ciudad de México 

Ciudad de México, México – El Museo de Arte Transfemenino (MAT) abrió sus puertas en la colonia Doctores de la Ciudad de México, consolidándose como un espacio pionero para la visibilización y producción artística de mujeres trans en Latinoamérica. Fundado por la artista Rojo Génesis en 2022, el MAT surge como respuesta a la necesidad de rescatar y reivindicar las prácticas artístico-culturales de mujeres trans, desde el contexto de la Guerra Sucia en México hasta la actualidad, desafiando la explotación simbólica de sus identidades en el arte y la cultura.  

El proyecto inició en Ciudad Juárez, donde Rojo Génesis y la artista Deborah Álvarez comenzaron a cuestionar el lugar de las mujeres trans en el arte, no solo como objetos de representación, sino como creadoras. Esto dio origen en 2023 a Plasticidades Encarnadas, una exposición que reunió a catorce artistas trans y que itineró por espacios como Pandeo en CDMX y el Centro de Arte Bernardo Quintana en Querétaro.  

La inauguración del espacio físico del MAT, el pasado 7 de febrero, coincidió con la Semana del Arte en la Ciudad de México y rindió homenaje a la artista Viviana Rocco, fallecida en 2016. La exposición inaugural, CUINAS, presentó el trabajo de once artistas históricas y contemporáneas, como Terry Holiday, Sofía Moreno y Sativa Sexactiva, quien realizó un performance en la inauguración.  

El MAT se distingue por su enfoque comunitario y crítico, priorizando la participación de mujeres trans marginadas y cuestionando la fetichización de la identidad trans en el arte. Con un equipo liderado por Rojo Génesis, Sofía Moreno y Antonella Rubens, el museo opera de manera independiente, ofreciendo exposiciones, programas públicos y proyectos de investigación.  

Este espacio no solo resguarda la memoria trans, sino que también se erige como una plataforma de resistencia y legitimación artística, marcando un hito en la historia del arte contemporáneo y la lucha por la visibilidad trans en la región.

Conoce más sobre el proyecto a través del ensayo publicado por Rojo Génesis en Arteinformado.

Agnes Essonti Luque

Agnes Essonti Luque gana el premio Tomorrows/Today en la Investec Cape Town Art Fair 

Capetown, Sudáfrica – La artista camerunesa radicada en Barcelona, Agnes Essonti Luque, fue galardonada con el premio Tomorrows/Today en la edición 2024 de la Investec Cape Town Art Fair, uno de los reconocimientos más prestigiosos de Sudáfrica para artistas emergentes y subrepresentados. El premio destaca el prometedor recorrido artístico de Essonti Luque, representada por The Over (Barcelona), y celebra la naturaleza cautivadora de su obra actual, así como su potencial para dejar una huella duradera en el futuro del arte.  

El jurado internacional, compuesto por Wim Pijbes (historiador del arte, Países Bajos), Azu Nwagbogu (curador, Nigeria) y Gabriel Virgilio Luciani (curador, Estados Unidos), seleccionó a Essonti Luque entre doce finalistas. Nwagbogu destacó que su obra «encarna un sentido de comunidad, elementos vernáculos y experimentales, así como una diversidad de formas y medios», lo que permitió al jurado visualizarla como un trabajo cohesionado. Además, resaltó cómo la artista aborda la importancia cultural y artística de la comida, un tema poco explorado en el arte contemporáneo.  

A través de la fotografía, el video, el ensamblaje y la performance, Essonti Luque explora el ámbito doméstico, centrándose en la cocina y los rituales relacionados con la preparación y el consumo de alimentos. Esta línea de trabajo se vincula con su participación en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2023, consolidando su enfoque interdisciplinario y su interés por las prácticas cotidianas.  

El premio, curado por tercera vez por la española Dra. Mariella Franzoni, busca amplificar las voces y temas emergentes entre los artistas del mañana. Según Franzoni, «observar lo que hacen los artistas emergentes hoy nos ofrece una visión de las prácticas, temas y modos de trabajo que definirán la escena artística del futuro».  

Además del reconocimiento, Essonti Luque recibió un premio en efectivo de R80,000, patrocinado por Fiera Milano Exhibitions Africa. Con este galardón, se une a una lista de ganadores destacados, como Boemo Diale (2024), Talia Ramkilawan (2023) y Michaela Younge (2022), consolidándose como una de las voces más prometedoras del arte contemporáneo.

Imagen vía Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA)

El MACA acoge la mayor exposición de Kara Walker en España 

Alicante, España – El Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA) inaugura este viernes, 28 de febrero, la mayor exposición de la artista estadounidense Kara Walker realizada hasta la fecha en España. Titulada Kara Walker. Burning Village, la muestra curada por Rosa Castells recorre cuatro décadas de la trayectoria de una de las figuras más destacadas del arte contemporáneo internacional, conocida por su exploración crítica de temas como la raza, la identidad, el poder y el deseo, siempre vinculados a sistemas de opresión y subyugación.  

La exposición reúne 44 piezas, entre dibujos, grabados, esculturas, libros de artista y un video reciente, procedentes de la colección de Michael Jenkins y Javier Romero, donada al MACA en 2021, junto con obras depositadas en 2024 desde Nueva York. Destacan series como Testimony (2004), inspirada en su primera película, y An Unpeopled Land in Uncharted Waters (2010), que reflexionan sobre la trata transatlántica de esclavos y su legado de violencia.  

Entre las obras expuestas se encuentran I’ll Be a Monkey’s Uncle (1996), que introduce su icónico uso de siluetas recortadas, y Exodus of Confederates from Atlanta (2005), una pieza que combina litografía y serigrafía para reinterpretar imágenes históricas. También se exhiben esculturas como The Katastwóf Karavan y Burning African Village Play Set (2006), que subvierten las tradiciones artísticas para cuestionar las relaciones de poder.  

Kara Walker (Stockton, California, 1969) es reconocida por su capacidad para combinar belleza formal con una mirada lúcida y subversiva sobre la historia y los estereotipos raciales y de género. Su obra, presente en museos como el MoMA de Nueva York y la Tate Modern de Londres, desafía las narrativas tradicionales y propone nuevas formas de entender el pasado y el presente.  

La exposición, que podrá visitarse hasta el 7 de septiembre, no solo consolida al MACA como un referente cultural, sino que también sitúa a Alicante en el mapa internacional del arte contemporáneo. Con esta muestra, el museo reafirma su compromiso con la difusión de artistas que abordan temas urgentes y transformadores desde una perspectiva crítica y necesaria.