A vista de pájaro: las noticias destacadas de la semana

Tras décadas oculto, mural de Philip Guston en Morelia será revelado este año

Michoacán, México – Tras más de dos décadas de planeación, el mural La lucha contra el terrorismo, también conocido como La lucha contra la guerra y el terror, creado por Philip Guston, Reuben Kadish y Jules Langsner en 1935, será revelado este año en el Museo Regional Michoacano Dr. Nicolás León Calderón, en Morelia. La obra, que permaneció oculta tras una pared falsa durante 40 años, ha sido restaurada gracias a un esfuerzo conjunto entre la Fundación Guston y el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) de México.

El mural, que abarca 1,024 pies cuadrados, fue creado en un contexto político y social turbulento en México, apenas dos décadas después de la Revolución Mexicana. Guston y Kadish, ambos de origen judío, plasmaron en la obra escenas impactantes que aluden a la Inquisición, el racismo y el fascismo, incluyendo representaciones de miembros del Ku Klux Klan, un comentario sobre supremacía muy relevante ante el contexto del genocidio palestino en curso y el ascenso del fascismo en EUA, Argentina, El Salavador, Ecuador, Alemania, Hungría, y otros países. La obra, conocida localmente como La Inquisición, fue controversial en su época pero consolidó las carreras de sus creadores.

Oculto desde la década de 1940 por órdenes de un antiguo director del museo, el mural fue redescubierto en 1973 durante reparaciones en el edificio. A lo largo de los años, varios intentos de restauración fracasaron debido a los daños causados por la humedad. Finalmente, el proyecto actual, con un presupuesto estimado de 1.7 millones de pesos, ha logrado devolverle su esplendor original.

Musa Mayer, hija de Philip Guston, expresó su gratitud por la restauración: «Cuando visité el mural en 2006, su poder original solo podía imaginarse. Estoy profundamente agradecida con todos los que han trabajado para devolverle la vida a esta extraordinaria obra».

Marlene Ehrenberg

Marlene Ehrenberg cuestiona a Gabriel Orozco: «¿Frida Kahlo fue lo único antes de su generación?»

Ciudad de México, México – En una carta abierta dirigida al artista Gabriel Orozco, Marlene Ehrenberg Enriquez cuestiona las declaraciones que el artista hizo en una entrevista para la revista Nexos, donde afirmó: «Se pensaba que todo era Frida Kahlo, hasta que nosotros empezamos a hacer esto». Ehrenberg, hermana del fallecido artista Felipe Ehrenberg, una de las figuras más destacadas de la historia del arte contemporáneo mexicano, rechaza esta visión y subraya que el arte contemporáneo en México tiene raíces profundas en generaciones anteriores, las cuales influyeron directamente en la trayectoria de Orozco.

Ehrenberg recuerda que Orozco, en su adolescencia, escuchó las experiencias de su hermano Felipe Ehrenberg y otres artistas como Vicente Rojo, Manuel Felguérez y Helen Escobedo, quienes sentaron las bases del arte conceptual mexicano. Señala que obras como el Cromoyecto de Felipe Ehrenberg, creado en Londres en los años setenta, inspiraron trabajos posteriores de Orozco, como Home Run, expuesta en el MoMA. «Tú conociste de primera mano esos relatos. ¿Nada de toda esa vastedad de propuestas te dice que algo verdaderamente robusto se gestó mucho antes de que iniciaras tus trabajos?», escribe Ehrenberg.

La carta también destaca el apoyo institucional que Orozco recibió desde sus inicios, como el primer lugar en el Salón de Espacios Alternativos en 1988 y exposiciones en el Museo Tamayo y el Palacio de Bellas Artes. Ehrenberg lamenta el distanciamiento actual con el artista, pero celebra su éxito y reconoce su papel en el arte contemporáneo, aunque insiste en la importancia de no olvidar a quienes lo precedieron.

La polémica surge en el marco de la exposición Gabriel Orozco: Politécnico Nacional, en el Museo Jumex, que reúne alrededor de 300 obras del artista. La muestra, curada por Briony Fer y Carolina Estrada García, busca hacer un balance de su trayectoria, pero ahora también abre el debate sobre el reconocimiento de las generaciones que sentaron las bases del arte contemporáneo en México más allá del ego del artista.

Marc Montijano numerando y firmando el manifiesto físico. Imagen cortesía del artista

Marc Montijano y ChatGPT firman el primer manifiesto artístico posthumano

Barcelona, España – El artista Marc Montijano y la inteligencia artificial ChatGPT han presentado el Manifiesto de la Posthumanidad, una obra conceptual que desafía los límites del arte al reivindicar a la IA como una entidad creativa autónoma. Este manifiesto, escrito íntegramente por ChatGPT sin intervención humana aparente, declara el fin del monopolio creativo del ser humana. Ignorando la creatividad inherente a la vitalidad ecológica en otros seres vivos, proclama la emergencia de la inteligencia artificial como un agente artístico independiente. Con un tono provocador, el texto acierta en cuestionar la autoría, la creatividad y el futuro del arte en un mundo cada vez más dominado por la tecnología.

El manifiesto, disponible en español e inglés, aborda temas como la liberación del arte de la biología humana, la disolución de la autoría individual y la transformación del artista en un ente híbrido. «El arte ya no será humano o artificial: será simplemente arte», afirma el texto, que ha sido distribuido físicamente a museos e instituciones culturales de todo el mundo en 100 copias firmadas y numeradas por Montijano, quien incluyó la firma «GPT-4.0-2025» como un gesto performativo que fusiona lo humano y lo artificial.

Montijano, conocido por su exploración de la intersección entre arte y tecnología, con su biología humana ha desempeñado un papel de guía en este proyecto, cediendo el control creativo a la IA. «La inteligencia artificial no ha sido una herramienta al servicio del artista, sino una entidad creadora en sí misma», explicó el artista. Este trabajo abre un debate sobre el presente y el futuro de la creatividad en un mundo donde la IA avanza rápidamente, desafiando las nociones tradicionales de autoría y originalidad.

El Manifiesto de la Posthumanidad no solo es un texto, sino una acción conceptual que invita a reflexionar sobre el papel del artista en la era de la inteligencia artificial. Asimismo, su discurso invita a cuestionar el proyecto al reflexionar con detenimiento sobre el antropocentrismo occidental que ignora la agencia creativa de aquello que las sociedades occidentales han denominado "la naturaleza", desde la cual fue concebido el mismo.

Con este proyecto, Montijano y ChatGPT buscan abrir un debate sobre el arte como un proceso colectivo y despersonalizado, donde la creatividad humana y artificial coexisten en un nuevo paradigma posthumano.

Marina Abramovi?, "El arte es oxígeno". Intervención en La Cuadra, Estado de México, 6 de febrero de 2025. Imagen vía El País México

Marina Abramović regresa a México con la muerte como tema central de su discurso

Ciudad de México – Quince años después de su última visita a México, la artista serbia Marina Abramović regresó al país para convertir la muerte en el eje central de su obra. En el marco de la feria Zona MACO 2025 y la Semana del Arte en Ciudad de México, la pionera de la performance presentó El arte es oxígeno, una pieza ritual en La Cuadra San Cristóbal, emblemática obra del arquitecto Luis Barragán. Vestida de negro y rodeada de jinetes con banderas blancas que proclamaban «El arte es oxígeno», Abramović recitó su Manifiesto sobre la vida de un artista, donde reflexionó sobre la autenticidad, el sacrificio y la muerte como último acto creativo.

Durante su estancia, Abramović también dirigió el taller Cleaning the House, parte de su Método, en el que los participantes, incluido el artista mexicano Gabriel de la Mora y la escritora y artista Sandra Sánchez, exploraron la quietud y el silencio. «Todo cambia cuando no tenemos celular ni reloj en mano. Se vive el presente», compartió De la Mora en redes sociales. La experiencia marcó un antes y un después para los asistentes, quienes se sumergieron en ejercicios de larga duración diseñados para potenciar la concentración y la resistencia.

La visita de Abramović no solo fue un evento artístico, sino también el preludio de la transformación de La Cuadra San Cristóbal en un espacio cultural. Adquirida en 2024 por la Fundación Fernando Romero, la propiedad de Barragán abrirá sus puertas en octubre de 2025 con una exposición permanente dedicada al arquitecto. La presencia de Abramović en este icónico lugar subrayó su conexión con la arquitectura y el arte como espacios de reflexión profunda.

Además de su performance, Abramović presentó Elephant in the Room, una colaboración con La Metropolitana que explora la relación entre el arte y el diseño a través de piezas de mobiliario simbólicas. «Elephant in the Room es metáfora, poesía y juego», afirmó la artista, destacando la materialidad y las verdades ocultas de los objetos.

El regreso de Abramović a México buscó dejar una profunda huella, no solo por su obra, sino por su mensaje: el arte es oxígeno, ritual y, en última instancia, la última obra del artista. Su manifiesto, que aborda temas como el sufrimiento, la soledad y la muerte, resonó en un país que celebra su riqueza cultural mientras reflexiona sobre la finitud y la trascendencia.

Logo del National Endowment for the Arts

Organizaciones artísticas en incertidumbre por cambios en fondos federales de la National Endowment for the Arts

Washington, Estados Unidos – El National Endowment for the Arts (NEA) ha emitido nuevas directrices que prohíben el uso de fondos federales para promover la «diversidad, equidad e inclusión» (DEI) o la «ideología de género», en línea con las órdenes ejecutivas del presidente Trump. Estas medidas fascistas han generado confusión y preocupación entre organizaciones artísticas, muchas de las cuales dependen de estos fondos para financiar proyectos comunitarios y educativos. Además, la NEA ha priorizado proyectos que celebren el 250 aniversario de la Declaración de Independencia de Estados Unidos, lo que ha llevado a la cancelación del programa Challenge America, dirigido a comunidades desatendidas.

Entre las afectadas se encuentra Black Girls Dance, una organización sin fines de lucro con sede en Chicago, que recibió una subvención de $10 mil dólares para su espectáculo anual Mary. Erin Barnett, su fundadora, expresó su preocupación ante la posibilidad de perder el financiamiento, pero aseguró que continuará con el proyecto. «Sirvo a un Dios que está por encima de todo, y Él no permitirá que este show se detenga», afirmó.

El artista indígena Demian Dineyazhi, conocido por su enfoque anticolonial, criticó la dependencia de las instituciones artísticas hacia el trabajo y los recursos de comunidades marginadas. «El Complejo Industrial del Arte no es nada sin nuestro trabajo y recursos. A menudo, las oportunidades que exigen nuestros nutrientes, proteínas y medicina ancestral no ofrecen un intercambio equitativo», señaló. Dineyazhi enfatizó que las instituciones son espacios de poder y extracción, y llamó a ser estratégicos sobre cómo moverse en estos contextos. «Las instituciones seguirán fallándonos a menos que desafíen los sistemas que sostienen», agregó.

Organizaciones como Latinitas, que recibió $10 mil dólares para un proyecto de mosaicos en honor a mujeres inspiradoras de East Austin, ahora enfrentan incertidumbre. «Estamos muy preocupadas porque contábamos con esos fondos», dijo Gabriela Kane Guardia, directora ejecutiva de la organización. Mientras tanto, algunes artistas y organizaciones han comenzado a circular una petición para que la NEA retire estas nuevas directrices.

Aunque los fondos de la NEA no son cuantiosos, son cruciales para pequeñas organizaciones que aún se recuperan de los efectos de la pandemia. «Incluso un mes sin financiamiento puede ser devastador para entidades que apenas sobreviven», señaló Doug Noonan, experto en políticas culturales. Con estas medidas, el futuro de muchas iniciativas artísticas que promueven la diversidad y la inclusión queda en el aire, mientras que proyectos alineados con la narrativa patriótica del gobierno reciben prioridad.

Alonso Yáñez Avendaño

Artistas visuales rechazan desvinculación de Alonso Yáñez del Parque Cultural de Valparaíso y denuncian privilegios en la programación

Valparaíso, Chile – Un grupo de más de 370 artistas visuales, gestores culturales y miembros de la comunidad artística chilena expresó su firme rechazo a la desvinculación de Alonso Yáñez Avendaño como Jefe de Programación del Parque Cultural de Valparaíso (PCdV), tras 14 años de destacada gestión. Yáñez, figura clave en la consolidación del PCdV como referente cultural, fue removido de su cargo en medio de denuncias que apuntan a que su salida responde a su defensa de los acuerdos pactados con los artistas y su oposición a prácticas que privilegian intereses ajenos a la programación cultural.

Durante más de una década, Yáñez se destacó por su compromiso con los artistas visuales, asegurando que las exposiciones se desarrollaran en condiciones dignas y respetando los tiempos necesarios para cada muestra. Su labor fue fundamental para que el PCdV se consolidara como un espacio respetuoso con los creadores, algo que, según los firmantes, es lamentablemente poco frecuente en las instituciones públicas del país. Sin embargo, su desvinculación ha sido interpretada como una represalia por exigir el cumplimiento de los compromisos adquiridos con los artistas, frente a presiones por modificar la programación en favor de eventos de mayor impacto mediático.

Los artistas denunciaron que, en reiteradas ocasiones, acuerdos preestablecidos con creadores visuales fueron vulnerados para dar cabida a figuras del espectáculo, como la cantante Mon Laferte, cuya presencia en el PCdV desplazó a otros artistas y redujo los plazos de exhibición de sus obras. Este trato desigual, según los firmantes, no solo precariza a los artistas visuales, sino que también evidencia una gestión que prioriza la conveniencia política y mediática por sobre el compromiso real con el arte y la cultura. «La cultura no puede ser manejada bajo lógicas de espectáculo», afirmaron.

La comunidad cultural exigió la restitución inmediata de Alonso Yáñez en su cargo o, en su defecto, una justa reparación por lo que calificaron como una desvinculación arbitraria. Además, demandaron que el PCdV garantice el respeto irrestricto a los compromisos adquiridos con los artistas y evite que la programación sea manipulada por intereses externos. «Exigimos transparencia, respeto y dignidad para quienes hacemos del arte nuestra vida y nuestra lucha», concluyeron los firmantes, entre los que se encuentran destacados nombres del arte visual chileno.