A vista de pájaro: las noticias destacadas de la semana

La Asociación Argentina de Críticos de Arte se pronuncia en defensa de la educación pública

Buenos Aires, Argentina – La Asociación Argentina de Críticos de Arte ha emitido un contundente comunicado a través de sus redes sociales en el que expresa su profunda preocupación por el veto presidencial que afecta la financiación de las universidades nacionales y los organismos científicos del país. En este contexto, la asociación destaca la importancia histórica de la educación pública gratuita y de calidad como herramientas fundamentales para la construcción democrática de la sociedad argentina. El comunicado critica las múltiples formas de agresión que han sufrido los trabajadores de estas instituciones, quienes, a lo largo de las décadas, han logrado reconocimiento internacional y han mantenido altos estándares en la educación y la investigación.

Los críticos de arte enfatizan que la desfinanciación de las universidades no solo pone en peligro la calidad educativa, sino que también atenta contra el desarrollo cultural y científico del país. Subrayan que estos sectores son esenciales para la identidad nacional y el progreso social. Además, la asociación manifiesta su solidaridad con docentes, no docentes y estudiantes, quienes han estado a la vanguardia en la defensa de la educación pública frente a las políticas de ajuste implementadas por el gobierno de Javier Milei.

Este pronunciamiento se da en un contexto de movilizaciones masivas en Argentina, donde miles de estudiantes han salido a las calles para exigir un aumento en el presupuesto universitario  tras el veto del presidente Javier Milei a una ley que actualizaba los fondos universitarios según la inflación, que en septiembre alcanzó el 209% interanual. Este descontento se ha intensificado con la toma de más de 60 facultades, evidenciando una creciente lucha estudiantil.

La asociación de críticos se une a estas voces, argumentando que el bienestar educativo y cultural debe ser priorizado, y que el ataque a estas instituciones es un ataque a la misma estructura de la sociedad. Con ello, la comunidad artística, al igual que los estudiantes, reconoce la necesidad de defender la educación como un derecho inalienable y fundamental.

Daniel Garza Usabiaga

Daniel Garza Usabiaga es nombrado nuevo director del Museo del Palacio de Bellas Artes

Ciudad de México, México – El día de hoy, la secretaria de Cultura de México, Claudia Curiel de Icaza, acompañada por la directora del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), Alejandra de la Paz Nájera, presentó a los nuevos responsables de las Coordinaciones Nacionales y Compañías artísticas del INBAL, incluyendo al curador Daniel Garza Usabiaga como director del icónico Museo del Palacio de Bellas Artes, una de las instituciones culturales más importantes del país.

Garza Usabiaga, nacido en la Ciudad de México en 1975, es Doctor en Historia y Teoría del Arte por la Universidad de Essex en Reino Unido y realizó una residencia postdoctoral en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM. Su labor académica incluye docencia en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM y tutoría en el Programa de Postgraduados del Centro de Estudios Críticos 17, lo que evidencia su profundo compromiso con la formación de nuevas generaciones de artistas y teóricos.

Como curador, Garza Usabiaga ha estado detrás de importantes exposiciones en el Museo del Palacio de Bellas Artes, el Museo Amparo y el Museo Universitario del Chopo. También ha trabajado en colaboración con instituciones internacionales como el Getty Research Institute, el Museo de Arte Moderno de Varsovia y el Philadelphia Museum of Art, destacándose por su enfoque crítico y diverso. Además, su obra escrita ha sido publicada en revistas de arte reconocidas como Apposite, Papers of Surrealism, The British Journal of Photography, y la revista mexicana La Tempestad, en la cual es miembro del consejo editorial.

Su papel en el INBAL no solo fortalecerá la misión del Palacio de Bellas Artes a partir de su profundo conocimiento sobre la historia del arte moderno y contemporáneo, sino que también contribuirá a los proyectos de la Secretaría de Cultura orientados a «una visión decolonial y diversa, que incluya la diversidad de lenguas, culturas y simbolismos de México», de acuerdo a Curiel de Icaza. Actualmente, Garza Usabiaga es beneficiario del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2021-2024, lo que reafirma su posición como uno de los referentes culturales más destacados en México y su compromiso con la promoción de prácticas artísticas inclusivas y de alcance nacional e internacional.

Mapa de Palestina, tomada de la plataforma interactiva "A Cartography of Genocide: A spatial analysis of the Israeli military’s conduct in Gaza since October 2023". Imagen vía Forensic Architecture

Forensic Architecture expone patrones de violencia en Gaza con plataforma interactiva y reporte de 827 páginas

Londres, Inglaterra – Forensic Architecture (FA), agencia de investigación con sede en la Universidad de Goldsmiths, Londres, lanzó la plataforma interactiva A Cartography of Genocide: A spatial analysis of the Israeli military’s conduct in Gaza since October 2023, un reporte de 827 páginas que, junto a la plataforma interactiva, examina los patrones de ataques en Gaza desde el inicio de la ofensiva en octubre de 2023, revelando una destrucción sistemática de infraestructura civil y desplazamientos masivos de la población palestina hacia áreas luego atacadas.

La plataforma y el informe permiten un análisis espacial y temporal detallado que visibiliza la magnitud de los daños a civiles en Gaza. Utilizando miles de puntos de datos, la herramienta permite identificar tendencias y relaciones entre ataques a infraestructura esencial, como hospitales, y la invasión terrestre. Los hallazgos de FA apuntan a que estos actos de violencia no son aleatorios, sino parte de una campaña organizada.

Desde su fundación en la Universidad de Goldsmiths, Londres, FA se ha convertido en un referente académico que impulsa nuevas formas de investigación y colaboración internacional en derechos humanos. En 2024, la agencia fue reconocida por el Consejo Europeo de Investigación como un «avance científico», subrayando el impacto global de sus métodos. La agencia es reconocida mundialmente por innovar en el análisis de violencia de estado, combinando arquitectura, derecho y periodismo.

El trabajo de Forensic Architecture también ha ganado visibilidad en espacios de arte y derechos humanos, con exposiciones recientes en instituciones destacadas como el Stedelijk Museum en Ámsterdam, el Martin-Gropius-Bau en Berlín y el Museum of Contemporary Art en Toronto, por mencionar algunas. La misión de FA de explorar la violencia de estado y corporativa se traduce en un análisis interdisciplinario que cruza áreas como la arquitectura, el derecho y la estética, aplicando nuevas metodologías para visibilizar y mapear la violencia hacia civiles en contextos de conflicto.

Accede al reporte aquí.

A la izq. Julian Charrière (Fotografía por Nora Heinisch) a la der. Cecilia Vicuña (Imagen cortesía de la artista y Lehmann Maupin). Montaje vía MOCA

MOCA otorga el primer Premio Eric y Wendy Schmidt de Medio Ambiente y Arte a Julian Charrière y Cecilia Vicuña

Los Angeles, California – El Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA) ha anunciado a los ganadores de la primera edición del Premio Eric y Wendy Schmidt de Medio Ambiente y Arte: Julian Charrière y Cecilia Vicuña. Ambxs artistas recibirán un premio de 100,000 dólares y apoyo institucional del museo para desarrollar proyectos comisionados que aborden las intersecciones críticas entre el arte, el cambio climático y la justicia ambiental. Este premio, establecido por los filántropos Eric y Wendy Schmidt, se otorgará bienalmente a artistas cuyo trabajo resalte preocupaciones ambientales urgentes y fomente soluciones creativas que involucren a las comunidades.

Charrière, originario de Suiza y radicado en Berlín, es conocido por su práctica interdisciplinaria que abarca el cine, la fotografía y la escultura, a menudo inspirada en investigaciones de campo en lugares remotos. Su proyecto en MOCA se centrará en la fragilidad y resiliencia de los sistemas de agua del planeta, creando una instalación inmersiva que combinará arte y ciencia. Por su parte, Vicuña, artista chilena con una trayectoria de seis décadas, utilizará su proyecto para crear un Quipu de Encuentros, que activará sistemas de conocimiento indígena andino para abordar la lucha por los derechos al agua, facilitando el intercambio de ideas entre comunidades de Chile y Los Ángeles.

La decisión de premiar a ambos artistas, inicialmente pensado para un solo ganador, fue tomada por un jurado de cinco miembros tras intensas deliberaciones, subrayando la importancia de sus enfoques complementarios ante los desafíos ambientales. «El premio Schmidt es un testimonio del poder del arte para provocar diálogo y generar acción sobre los problemas más críticos de nuestro tiempo», declaró Johanna Burton, directora de MOCA. Los trabajos comisionados de Charrière y Vicuña se presentarán en el museo en 2026, marcando un hito en el compromiso de MOCA con las conversaciones ambientales a través del arte contemporáneo.

Eric y Wendy Schmidt expresaron su entusiasmo al reconocer a estos dos artistas, destacando que «la ciencia puede explicar nuestro entorno, pero solo el arte puede iluminarlo». Con el objetivo de promover el bienestar ecológico y la justicia ambiental, el premio se otorgará cada dos años hasta 2030, brindando recursos adicionales para que los ganadores desarrollen y presenten nuevas obras que reflejen su compromiso con estos temas. La inclusión de un asesor con experiencia en ciencia climática o justicia ambiental es una parte fundamental del desarrollo de los proyectos, reafirmando la interconexión entre el arte, la ciencia y la comunidad en la lucha por un futuro sostenible.

Regina José Galindo, "El cielo llora tanto que debería ser mujer", 1999. Registro de performance. Imagen cortesía de la artista

Museo de Bellas Artes de Bilbao y Artium Museoa presentan la decimoquinta edición de La mirada feminista

Bilbao, España – El Museo de Bellas Artes de Bilbao, junto con el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco-Artium Museoa y el Departamento de Empleo, Cohesión Social e Igualdad de la Diputación Foral de Bizkaia, dará inicio a la decimoquinta edición del curso La mirada feminista. Perspectivas en las producciones artísticas y las teorías del arte. Este evento, dirigido por el curador de arte Xabier Arakistain y la catedrática de antropología social Lourdes Méndez, se llevará a cabo los días 16 y 17 de noviembre de 2024 en el Bizkaia Aretoa UPV/EHU, con matrícula gratuita y acceso para el público general a partir del 24 de octubre.

El curso reúne a destacados profesionales de diversas disciplinas y nacionalidades, quienes ofrecerán un análisis crítico sobre la representación y el papel de las artistas en el panorama contemporáneo del arte. Desde una perspectiva feminista, se explorará cómo la diferencia de sexo estructura las relaciones sociales, el lenguaje y las dinámicas institucionales del arte, desvelando las desigualdades que aún persisten en este ámbito. Esta iniciativa busca abordar la intersección entre género, etnia y clase, proporcionando una comprensión más profunda de los factores que influyen en la producción y evaluación artística.

El programa del curso comenzará el sábado 16 de noviembre con una recepción y entrega de materiales, seguida de una serie de ponencias. La primera, titulada El arte no tiene sexo; quienes lo producen y evalúan, sí, será impartida por Lourdes Méndez. Posteriormente, la artista Pilar Albarracín presentará Se busca, 1968-2024, mientras que la ensayista Jennifer Higgie abordará The Other Side: A Story of Women, Art and the Spirit World. La jornada concluirá con Catherine de Zegher, quien reflexionará sobre Inside the Visible Revisited: Women’s Work Is Never Done, y la artista Regina José Galindo, que cerrará el día con El cielo llora tanto que debería ser mujer.

Esta edición de La mirada feminista representa una oportunidad única para profundizar en las realidades que enfrentan las artistas y cómo su trabajo puede ser un reflejo de la lucha por la igualdad de género en el arte. A través de diálogos enriquecedores y reflexiones críticas, el curso promete ser un espacio de aprendizaje y transformación en la búsqueda de una mayor visibilidad e inclusión de las voces femeninas en el campo artístico.

Conoce todo el programa aquí.

Gabriel Chaile junto a su obra "La Malinche", 2019. Imagen cortesía de Tabakalera

El argentino Gabriel Chaile presenta en Tabakalera su primera exposición individual en España

Madrid, España – Tabakalera, el centro internacional de cultura contemporánea de San Sebastián, alberga hasta el 2 de febrero de 2025 la primera gran exposición individual del destacado artista argentino Gabriel Chaile, titulada Contemplando es como fuimos cambiando. Esta muestra reúne tanto las obras más recientes de Chaile como piezas fundamentales de su carrera, que destacan su capacidad para crear esculturas monumentales a partir de materiales sencillos, con un enfoque en las culturas originarias y una reflexión sobre la identidad y la descolonización de la memoria.

Las impresionantes esculturas de Chaile, exhibidas en la sala principal de Tabakalera, funcionan como testigos del tiempo, narrando historias personales y colectivas a través de sus formas y materiales. En el centenario de Eduardo Chillida, la exposición establece un diálogo simbólico entre ambos artistas, quienes, a pesar de sus contextos diferentes, exploran la relación entre forma, espacio y memoria. Las obras de Chaile invitan al espectador a una profunda contemplación, resaltando el poder transformador de la materia y conectando el pasado con el futuro.

Gabriel Chaile, quien vive y trabaja entre Buenos Aires y Lisboa, ha sido reconocido internacionalmente por su enfoque como «comunicador de imágenes» y «antropólogo visual». Su trabajo, que incluye el uso de adobe y otros materiales naturales, pone en evidencia la resistencia cultural y la memoria colectiva. Entre sus proyectos más destacados se incluye su participación en la Bienal de Venecia 2022, donde sus esculturas de adobe fueron aclamadas por su capacidad de articular narrativas complejas mediante formas simples. En la exposición de Tabakalera, Chaile presenta una decena de piezas que dialogan entre sí, uniendo lo ancestral con lo contemporáneo.

La colaboración es un pilar en la práctica artística de Chaile, quien trabaja de manera colectiva en su estudio de Lisboa, un espacio que promueve el intercambio de ideas. En este contexto, el artista portugués Tomás Bargão Henriques presenta una obra inédita para la exposición, utilizando materiales como plástico y metal para reflejar su proceso creativo y la experiencia compartida en un lugar de encuentro en Lisboa. Además, la muestra cuenta con un programa de actividades que incluye visitas guiadas y talleres de arte para familias, con el objetivo de acercar al público a las obras de Chaile y fomentar la reflexión sobre la memoria y la identidad cultural.