Texto del comisario
Descripción de la Exposición
Baró anuncia su nueva exposición colectiva, WE KILLED THE BUNNY! - una muestra delirante curada por el venezolano Rolando J. Carmona.
La muestra reúne a un grupo de importantes artistas de diferentes nacionalidades y contextos que, entre ciencia ficción, dibujos e instalaciones, dejan huellas de un mundo híbrido. Los artistas presentes son Assume Vivid Astro Focus (AVAF), Arturo Herrera, Adrián Villar Rojas, Claes Oldenburg, Daniel Arsham, Erwin Olaf, Amparo Sard, Fernando Renes, Anita Molinero, AES+F y Albert Pinya.
Se exhiben alrededor de 20 piezas, que abordan temas actuales del arte contemporáneo, como el arte abstracto, la crítica cultural, el estudio de las formas y el material. Las obras presentes tienen diferentes lenguajes; pintura, escultura, instalación y site specific.
ASSUME VIVID ASTRO FOCUS (AVAF) Trabaja en una amplia gama de medios, incluidas instalaciones, pintura, dibujo, video, escultura, neón y papel tapiz. A menudo se enfrenta a códigos culturales arraigados, cuestiones políticas y de género a través del abuso de colores y formas. Con una trayectoria de dos décadas, AVAF se ha dado a conocer por sus instalaciones inmersivas y sensorialmente cargadas que conjugan la interacción cromática y formal de manera única. La proliferación de colores siempre ha sido un rasgo característico de su obra, como una poderosa forma de comunicación convergente.
Para la exposición, el colectivo presenta una instalación inédita además de dos pinturas y una escultura.
ARTURO HERRERA (nacido en 1959) es un artista visual venezolano con reputación internacional, conocido por la fusión que hace de dibujos animados y collage. Se mudó a Berlín en 2003 para una residencia a través del Servicio Alemán de Intercambio Académico y permaneció hasta 2014. Utilizando fragmentos de imágenes tomadas de la cultura popular, Arturo Herrera crea collages, esculturas de fieltro y murales que se encuentran en la frontera cambiante entre la legibilidad y la abstracción. Tiene preferencia por la serigrafía, que compara con el dibujo por su espontaneidad y apertura a la variación entre impresiones. Al reelaborar con frecuencia material descartado, como libros o historietas, Herrera se enorgullece de dar a los artefactos una vida nueva y "diferente" en la que "ser postergados".
La obra expuesta en la galería es un site specific, ya expuesto en el MOMA en la muestra Cómic Abstracción de 2007.
ADRIÁN VILLA ROJAS (1980, Rosario, Argentina) ha desarrollado su práctica creando experiencias y entornos inmersivos que parecen hallarse en un estado de viaje perpetuo en el tiempo-espacio. Evolucionando a lo largo de los años hacia el diseño de sistemas mutantes, orgánico-inorgánicos, basados en la topografía, invita a los espectadores a transformarse en exploradores de un impredecible microcosmos donde el futuro, el pasado y versiones alternativas de nuestro propio presente interactúan como una totalidad en cambio permanente.
La obra que presenta Villa Rojas, por medio de esta construcción de mundos, plantea este interrogante: ¿qué pasaría si pudiéramos vernos y pensar sobre nosotros mismos —la humanidad— desde una perspectiva alienígena, distanciada, sin prejuicios e incluso amoral?, ¿qué pasaría si pudiéramos vernos y pensar sobre nosotros desde la orilla de nuestro propio camino, ya recorrido?
CLAES OLDENBURG (Estocolmo, 1929) Artista americano. Junto a Andy Warhol, es considerado una de las figuras más destacadas del pop art, tendencia inspirada en la cultura de masas que alcanzó su auge en la década de 1960. A los cinco años se trasladó con su familia a Chicago. En 1950 se graduó en Yale y pasó a estudiar en la Escuela de Arte del Instituto de Chicago. En 1956 se trasladó a Nueva York, donde pronto conoció a otros artistas del happening y del environment (Jim Dine, Red Grooms, Allan Kaprow y Geoge Segal, entre otros).
"Inverted Q, 1976", pieza histórica y poética del artista, forma parte de la exposición.
DANIEL ARSHAM (Ohio, 1980). Su obra está íntimamente relacionada con el espacio y abarca varias disciplinas, como la escultura, la instalación, la arquitectura o la performance. A menudo, su obra mezcla estas diferentes disciplinas. Su principal objetivo es cambiar la percepción que tenemos de los espacios que habitamos. Por eso, para él, la arquitectura es un medio artístico que debe limitarse únicamente a su aplicación funcional.
Para la exposición, el artista, representado por la galería, presenta dos piezas que nos permiten repensar la forma en que interactuamos con nuestro entorno natural y con las construcciones y los objetos.
ERWIN OLAF (nacido en Hilversum, Países Bajos, 1959) es un artista interdisciplinario que trabaja en los campos de la fotografía, el vídeo y la instalación. Después de estudiar en la Escuela de Periodismo de Utrecht, Olaf emergió en la escena artística internacional cuando su serie 'Chessmen' ganó el premio al Joven Fotógrafo Europeo del Año en 1988. Erwin Olaf ofrece una historia contemporánea fantástica, que suscita preguntas sobre lo que es ser en movimiento. ¿Por qué fantaseamos con otros lugares? ¿Qué buscamos cuando nos alejamos de casa? Preguntas de particular resonancia hoy, en una época en la que moverse quizás nunca ha estado tan restringido en la historia reciente.
Para la exposición, el artista presenta una obra de su serie Shanghai, en la que explora los problemas de la civilización moderna y analiza sus consecuencias: la soledad, la pérdida, la desconexión, la desigualdad y el deseo de parecer y no ser.
AMPARO SARD (Mallorca, 1973) comenzó su carrera perforando pequeños papeles en blanco. Autorretratos en situaciones surrealistas donde se expresaba con un lenguaje y una técnica muy personal. Continuó evolucionando en su investigación ampliando papeles y creando enormes instalaciones blancas de fibra de vidrio o esculturas de aluminio. Hoy en día, Sard utiliza todo tipo de materiales: pinturas en resina, poliuretano, vídeos y plástico reciclado aportando a su obra una implicación medioambiental y un trasfondo concienciador. En su obra el color blanco representa lo que vemos a simple vista, una lectura lineal de nuestro entorno. Los negros, las deformaciones o las dimensiones desorbitadas, muestran un tipo de imágenes completamente opuestas. Esto permite ver lo que realmente nos conmueve, lo que percibimos con la mirada hacia adentro, lo que provoca emociones afectivas, la tensión que despierta nuestra intuición.
FERNANDO RENES (1970, Covarrubias, Burgos). Es licenciado en Bellas Artes, por la Universidad Complutense de Madrid. En 1996 se traslada a la ciudad de Nueva York, donde vive y trabaja en la actualidad. Se dedica principalmente al dibujo y la cerámica, creando obras vivas, directas e irónicas. En su obra el lenguaje es fundamental, juega con la palabra, utilizándola para obtener una matrimonio entre imagen y texto, recuperando el espíritu de la Academia degli Arcadi, donde en el siglo XVII se estableció la Ut Pictura. Lo que le mueve es una búsqueda constante de formas e historias en la realidad que observa.
Para la exposición se presentan cinco dibujos inéditos pertenecientes a la serie expuesta actualmente en el MUSAC en los que explora la pintura, el dibujo, la palabra y el collage característicos de su poética.
ANITA MOLINERO (1953, Floirac, Francia), hija de españoles exiliados, se graduó en 1977 en la Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Marsella. Su obra se expuso desde finales de la década de 1990 en varias instituciones de gran relevancia. También ha realizado encargos públicos, en particular para la ciudad de París y la región Ile de Francia. A lo largo de su carrera, siempre ha tenido presente su faceta como docente, dando clases en diferentes escuelas de bellas artes de Francia. Anita Molinero es una de las pocas artistas francesas de su generación que se expresa exclusivamente a través de la escultura. A menudo monumentales y caóticas, sus obras desfiguran objetos cotidianos y materiales triviales: cubos de basura, tubos de escape, barras de refuerzo, poliestireno extruido y otros productos de desecho de la sociedad de consumo.
La exposición presenta piezas inéditas de la artista en las que explora la materialidad en su máxima plasticidad y posibilidades.
AES+F es un colectivo de cuatro artistas: Tatiana Arzamasova (nacida en 1955), Lev Evzovich (nacido en 1958), Evgeny Svyatsky (nacido en 1957) y Vladimir Fridkes (nacido en 1956).
Se formó por primera vez como Grupo AES en 1987 por Arzamasova, Evzovich y Svyatsky, y se convirtió en AES+F cuando Fridkes se unió en 1995. El colectivo trabaja la fotografía, el video, la instalación y la animación, así como medios más tradicionales, la pintura, el dibujo y la escultura. Los primeros trabajos de AES+F incluyeron performance, instalación, pintura e ilustración. Conocidos por sus monumentales instalaciones de videoarte que Gareth Harris describe como "pintura monumental puesta en movimiento", AES+F crea grandes narrativas visuales que exploran valores, vicios y conflictos globales contemporáneos.
La obra icónica del colectivo 'Inversus Mundus' estará expuesta. En esta obra interprestan escenas absurdas del carnaval medieval donde aparecen como episodios de la vida contemporánea en una videoinstalación multicanal. Los personajes representan escenas de absurdas utopías sociales e intercambian máscaras, pasando de mendigos a ricos, de policías a ladrones.
ALBERT PINYA (1985, Palma de Mallorca) recibió la Medalla de Honor BMW Painting Award en 2016. En el año 2007 recibe el primer premio por el programa "Artjove. Illes Balears" y es seleccionado por el comisario italiano Achille Bonito Oliva para formar parte de la exposición "No more. The game's on", en el Museo Vostell-Malpartida (Cáceres, España). Su obra se caracteriza por un ingenio intencional e irónico que logra desmantelar las estructuras perversas de la realidad. Rápidamente ha desarrollado un estilo único e identificable, en el que aplica los códigos de la cultura popular, el cómic, las ilustraciones y una estética naif reflexiva que esconde un tratamiento preciso de los temas que explora.
Para la exposición, el artista presenta tres innovadoras esculturas. La obra de Pinya tiene “l’art pour l’art” y entiende que, como medio de expresión, el arte es eminentemente comunicativo y debe estar siempre basado en una ideología. Por todo ello, más que hablar de 'creación artística' tenderíamos a hablar de 'reacción artística'. La pintura, el dibujo, la escultura, el mural, la cerámica, la instalación, la performance, la obra gráfica y el sonido son los medios con los que desarrolla el discurso de sus narraciones.
Exposición. 17 nov de 2024 - 18 ene de 2025 / The Ryder - Madrid / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
