#Under35 (5th edition)

Exposición / Gacma / Parque Empresarial Santa Bárbara - Fidias, 48-50 / Málaga, España
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Cuándo:
15 ene de 2021 - 15 mar de 2021

Inauguración:
15 ene de 2021

Precio:
Entrada gratuita

Organizada por:
Gacma

Artistas participantes:
Alba Cortés, Alberto Crespo, Clara Gómez Campos, Delia Boyano, Demetrio Salces Vaquero, Fran Baena, Francisco Javier Valverde, Jorge Montalbán Blanco, José Luis Valverde, Manuel Zapata, Rocio Castellano, Timsam Harding

       

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Descripción de la Exposición

(Málaga, 15 de enero de 2021).- Desde GACMA presentamos la exposición #Under35 (5th edition) donde se han seleccionado a 12 artistas andaluces menores de 35 años después de estudio del mercado del arte emergente en Málaga, realizado en el marco del proyecto I+D+i del Cei Biotic de la Universidad de Granada titulado “Análisis del Mercado del Arte Emergente en Andalucía y desarrollo de nuevos métodos para la estimación del valor de las obras y la predicción del éxito de los artistas en el mercado glocal”. El proyecto, que celebra este año su 5ª edición, ha sido galardonado en esta ocasión con uno de los premios de la 1ª edición de los “Premios a la producción cultural del Ayuntamiento de Málaga y Fundación La Caixa”. En este estudio realizado en la provincia de Málaga por Silvia López (UMA), Cecilio Rodríguez (GACMA) y Antonella Montinaro (GACMA) se ha tenido en cuenta por un lado las políticas culturales y sub-culturales que se realizan desde las distintas instituciones para impulsar el arte de jóvenes creadores y por otro lado, el estudio de casos concretos de artistas emergentes y jóvenes, entendiendo por emergentes a los menores de 35 años y por jóvenes a los menores de 45 y centrándonos en los emergentes. En esta quinta edición hemos ampliado los artistas presentados en la primera muestra de 2014, con nuevos artistas igualmente vinculados a la ciudad de Málaga, para dar una visión más completa del arte joven en nuestra zona de influencia. El artista “emergente” suele ser un joven ambicioso y competente, cuyo trabajo es fruto de la disciplina diaria y de una constante situación de alerta: premios, concursos, becas, subvenciones, participación exposiciones colectivas. El lenguaje visual contemporáneo a veces implica la ejecución de piezas poco o nada vendibles, ya sea por la técnica o por la necesidad de grandes espacios para su montaje, cuestión nada fácil de solventar si pensamos en coleccionistas privados, algo más fácil para proyectos públicos o institucionales y más si pensamos en un mercado glocal, es decir al mismo tiempo local y global. Es precisamente el conocimiento del lenguaje creativo que tienen los jóvenes valores emergentes malagueños, debido a su incipiente formación teórica, lo que les permite ingeniar una serie de propuestas particulares manejando materiales casi impensables para las generaciones anteriores. Resulta absurdo hablar de arte malagueño, ya que todos estos jóvenes creadores se manejan dentro de un contexto infinitamente más amplio, e idéntico al de otros creadores que desarrollan sus trabajos en lugares distantes. Si bien comparten ideas, la manera de llevarlas a cabo son las más diversas, destacando la facilidad para cambiar de herramienta o medio. Atentos a los mecanismos que rigen el arte para poder acceder a ellos, intentan dibujar un camino personal, disimulando sus influencias. Los últimos años en Málaga se han caracterizado por la llegada de nuevos bríos creativos que advierten de una forma distinta de sentir y desarrollar el arte y desde GACMA queremos dar nuestro punto de vista acerca del arte emergente en nuestra ciudad con esta selección de artistas, de distintas disciplinas, que hemos ordenado en un listado por orden puramente alfabético. Los artistas que participan en la exposición #UNDER35 5th edition son Fran Baena (Córdoba, 1999); Delia Boyano (Málaga, 1994); Rocio Castellano (Baza, 1998); Alba Cortés (Cáceres, 1991); Alberto Crespo (Sevilla 1994); Clara Gómez Campos (Córdoba, 1990); Timsam Harding (Málaga, 1992); Jorge Montalbán (Málaga, 1994); Demetrio Salces (Montalbán, 1987); Francisco Javier Valverde (Málaga, 1991); José Luis Valverde (Málaga, 1987); Manuel Zapata (Sevilla, 1991). Fran Baena (Córdoba, 1999) Actualmente se encuentra finalizando sus estudios en la facultad de BBAA Alonso Cano de Granada. En su trayectoria destacamos la participación en distintas exposiciones colectivas, entre ellas: "Arte Aparte X" Centro Cultural de Arte Contemporáneo Juan Francisco Casas en 2018; “Plantas de Interior” Hospital Real de Granada, 2020; “Inserte nombre del proyecto” Palacio del Almirante, 2021; o intervenciones como "los amantes" para Espacio Lavadero en 2020. Sus trabajos están presentes en la “Colección Museo de Cádiz”, 2019; Premio Adquisición Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad de Granada, 2020. Baena es un creador de imágenes con particular atención en un tipo de pintura figurativa relacionada con el mundo post-interenet y la cultura poppunk emo que se crió escuchando Avril Lavigne, My Chemical Romance o Blink-182. La pieza Diamonds Aren't Forever confirma que para el artista es muy interesante la ironía, que considera característica de la modernidad líquida, o como él prefiere llamarla, la “Tragicomedia Contemporánea”. La identifica como una sensación propia de la generación millenial en la que pese a que todo “vaya mal” siempre les quedará el humor para reírse de sus propias desgracias. Bombardeados por la estética “cuqui” y por el marketing de la felicidad consumista que demoniza a la tristeza, el artista hace uso de colores alegres y formatos grandes para traer el problema de la depresión al frente. Suele pasar de los apuntes digitales realizados con la herramienta de dibujo de Instagram stories a los diferentes soportes, que le gusta mucho por la facilidad de tener siempre el móvil a mano y, al tratarse de un medio tan inmediato e informal ofrece una frescura desenfadada que constituye una declaración de intenciones representante de una generación luchadora. Delia Boyano (Málaga, 1994) Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, tiene un Máster en Performance Design and Practice en Central Saint Martins College of Arts and Design (Londres, 2018). En su curriculum destacan sus dos exposiciones individuales, La corona de la Reina (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, 2017) y The Cucumber Sandwich Club (Galería JM, Málaga, 2017). Además, ha sido seleccionada para participar en ciclos de performance como “JMenvivo” (Galería JM, Málaga, 2019), así como en diferentes exposiciones grupales: Between Monochrome and Kitsch (Centro cultural MVA, Málaga, 2019), El jardín secreto (MUPAM, Málaga, 2019), Cómo se Cuentan las cosas (Sala de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Málaga, 2017), A minute Ago (Zabludowictz Collection, Londres, 2018). También ha podido disfrutar de residencias como La Térmica Creadores 2020 y de becas de investigación como la beca de Artista Residente de posgrado UMA 2019-2020. Entre otras residencias europeas destacamos la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017) y la residencia JOYA: AiR (Almería, 2019). En 2019 recibió el tercer premio en el Certamen Málaga Crea de Artes visuales. La obra multidisciplinar de Delia Boyano investiga narrativas audiovisuales que vinculan la tradición con el presente. En la pieza Our pot, desde la experimentación con lo objetual, Boyano busca trazar nexos entre lo poético, la historia y el folclore que, en una búsqueda de la inestabilidad y la vulnerabilidad, le conducen hacia lo performativo. La acción que gravita sus piezas se desenreda y siempre tiene lugar en conexión con el cuerpo, gesto mediante el cual atiende a las problemáticas del individuo desplazado del siglo XXI: la situación de la mujer, el marginado por motivos de raza, religión o identidad, el inmigrante, el desempleado. Entre lo mítico y lo real nacen sus artefactos activados por medio de la performance, eventos cuya partitura leen lo escultórico, improvisaciones, narrativas por capas. Rocio Castellano (Baza, 1998) Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y actualmente realizando el Máster en Producción e Investigación en Arte en la misma, ha participado en diversas exposiciones colectivas como la Muestra Joven de Artes Visuales MálagaCrea 2020 en el CAC de Málaga-La Coracha (Málaga) con una obra finalista; la exposición de los Premios Alonso Cano a la creación artística 2020 en el Palacio del Almirante (Granada), donde obtuvo un premio de adquisición; Memoria Divergente, dentro del 1º Encuentro Interinstitucional de Arte Emergente (Monterrey, México) y otras como Son cosas que pasan, inscrita en el programa CIRCUITOS 363º de la Universidad de Granada. Además, cuenta con una exposición individual titulada Memoria X, en el Espacio Lavadero (Granada). En su trabajo aborda diversas cuestiones en torno a la memoria, la muerte y la identidad, a partir del apropiacionismo de elementos de la vida cotidiana, como fotografías u objetos. Con ello, busca cuestionar o crear interrogantes acerca de la funcionalidad de estos con respecto a la memoria, así como plantear qué ocurre tras su apropiación y descontextualización. De este modo, desde una práctica generalmente pictórica, en la cual el proceso tiene una gran fuerza conceptual, plantea diversos proyectos en torno a las temáticas antes citadas. Sin embargo, en su obra nos encontramos de igual forma, con piezas más instalativas o escultóricas, llevando de esta manera su práctica artística hacia un ámbito más multidisciplinar, como es en el caso de Archivos de ausencia (2019), obra que presenta en UNDER35 5th edition, y la cual está compuesta por una serie de réplicas de escayola de objetos cotidianos ajenos y apropiados. Son una forma de duplicidad y de apropiación de esa memoria e identidad ajena que nunca será descifrada. Como un intento de descodificación de algo no decodificable, de ahí esa réplica mimética inservible, que lo descontextualiza y lo convierte en algo que no se puede leer, creando una poética en torno a esos objetos y su memoria e identidad guardada y muerta con el paso del tiempo. Alba Cortés (Cáceres, 1991) Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla (2014), donde también realizó el Máster en Arte: Idea y Producción (2016), actualmente desarrolla su tesis doctoral y trabaja en esta ciudad como artista plástica mientras disfruta de una beca predoctoral en el Departamento de Pintura de la misma facultad. Entre sus méritos más reseñables, se encuentran los reconocimientos obtenidos en los últimos años, como el primer premio del XLIX Salón de Otoño, Ateneo Mercantil de Valencia (2019), el primer premio en el XLVII Certamen Internacional de Pintura de Paisaje de Alcalá de Guadaíra (2019), el primer premio de la XIII edición del Premio de Pintura Club del Arte Paul Ricard (2017), el premio en la categoría de pintura en el II Certamen de Artistas Emergentes Universidad de Loyola (2020), o el segundo premio en el II Premio Nacional de Pintura Ocaña (2020). Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas de ámbito nacional e internacional. La serie Arenisca propone una expedición por el paisaje para rescatar la poética de la pintura en un momento en que es preciso reflexionar sobre nuestra relación con el mismo, dominada por lo virtual. La traducción al plano pictórico de la experiencia paisajística genera nuevos espacios que se encuentran en un plano de indefinición entre lo real y lo percibido. El paisaje que asumimos al visitar diferentes lugares no consiste únicamente en la unidad estética que subyace de los diferentes elementos que lo componen. En cada individuo, éste se percibe de manera singular y cambiante, como consecuencia de sus experiencias, recuerdos o historias personales diversas. Las rocas son pedazos de historia física que forman parte de muchos de los paisajes que conforman nuestro planeta, tan cambiante y acelerado, cada vez menos físico y más virtual, cada vez menos permanente y más volátil. Hoy, la concepción romántica de los espacios naturales como fuerzas indómitas ha evolucionado hacia otras interpretaciones. Alberto Crespo (Sevilla 1994) Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y Máster en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Málaga. Es el ámbito de lo pictórico desde donde desarrolla su producción artística. En su trayectoria expositiva cuenta con proyectos individuales como <> (Sevilla, 2020) a través de ProjectArte, o << Una quinta para Rubert>> (Málaga, 2018). Entre sus exposiciones colectivas se encuentran: “MACC 19” (Jaén, 2019), “Cultura Express” (Sevilla, 2019), “Los viejos-nuevos fantasmas pulsos (de la pintura en sevilla). Plan Renove (Sevilla, 2018). MálagaCrea en CAC Málaga (Málaga, 2017) “INT 17” (Málaga, 2017). Además de premios en certámenes como: XL Certamen Nacional de Arte Contemporáneo “Ciudad de Utrera” (Sevilla, 2019), Segundo Premio Certamen Jóvenes Talentos “PRIEGO CREA 2017” (Córdoba, 2017) y Segundo Premio I Concurso Nacional de Pintura y Dibujo: “Una mirada crítica al pasado de la escuela” (Sevilla, 2016). En la obra Fuego cruzado la pintura actúa como un agente que descarta y propone nuevas soluciones y posibilidades formales. El inicio es una imagen concreta por el que se suceden las capas de trabajo y es ahí donde la pintura genera espacios o realidades confrontadas desde el fragmento y sus vestigios. Contemplamos una representación que trata de poner en relieve su proceso de construcción, pues es así como el trabajo genera y revela nuevas posibilidades. Podemos observar una realidad reconocible presentada desde lo fragmentario, la forma al servicio de la pintura. Clara Gómez Campos (Córdoba, 1990) Natural de Córdoba, es licenciada en Bellas Artes, especializada en Pintura por la Universidad de Sevilla, donde ha colaborado en su Departamento. Trabajadora multidisciplinar, ha expuesto su trabajo pictórico en diversas galerías y muestras de arte nacionales, y en numerosas muestras colectivas, entre ellas destacan la titulada “Estado Crítico” El Arsenal (Córdoba), “Colaborando + Creando” (Facultad de Bellas Artes de Sevilla), XXXIV Certamen Nacional de Artes Plásticas “Ciudad de Utrera”. Utrera (Sevilla), Primera Muestra de Arte Joven de Córdoba 2014 y la 3a Edición de la Oysho Gallery (Madrid). En 2015 recibió la Beca INICIARTE de la Junta de Andalucía con su proyecto TÉMPERA SOBRE PAISAJE y recientemente ha expuesto de manera individual “LA IMAGEN EXPORTADA”. Galería del Cardenal Salazar, Facultad de Filosofía y Letras (Córdoba). Del mismo modo ha colaborado en proyectos artísticos como el III Proyecto “PIXELADAS, percepciones desde la imagen y la palabra” en la Universidad Pablo de Olavide, o en las Jornadas Arte y Naturaleza. Fundación Valentín de Madariaga (Sevilla), 2013 y I,II,II,IV,V Salón de las Vanidades (El Carpio) Córdoba. Ha sido galardonada, del mismo modo, con numerosas distinciones como el Primer Premio en el II Concurso de Pintura XXX Cata del Vino Montilla- Moriles, Diputación de Córdoba y Finalista Muestra Expositiva Biennal d'Art Jove de la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell, Barcelona, así mismo ha sido finalista en el 8o Concurso FIGURATIVAS 1́ 5 de la La Fundació Privada de les Arts i els Artistes. Actualmente su trabajo gira en torno a la reflexión sobre la fotografía entendida como un acto cotidiano que ha perdido todo rastro de solemnidad. Clara-Cola es una representación de la sociedad de consumo a través de la imagen de la mujer como objeto o reclamo publicitario, partiendo de este concepto, Clara Gómez Campos gira las tornas para crear a una mujer reclamo de sí misma y con su brillo especial que solo puede dar la témpera, técnica ya habitual en la artista cordobesa. La artista se autorretrata en su marca para conseguir esa autogestión de la imagen que cada cual quiere exportar al mundo, elevando al selfie a la categoría de metáfora visual de nuestro tiempo. Timsam Harding (Málaga, 1992); Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Granada (2018), y ha obtenido el título de Máster en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Málaga (2019). Presentó su primera exposición individual, PRELUDIO (Galería Suburbia, 2018), y posteriormente, ENTRE TALUD Y CUNETA (sala PTS también de Granada, 2019) y BAJO LA RUEDA, SOBRE EL ASFALTO (sala de exposiciones de la facultad de Málaga, 2020). Además ha participado en numerosas exposiciones colectivas como INT19 (CCP María Victoria Atencia, Málaga, 2020), MálagaCrea 2020 (CAC Coracha, Málaga, 2020), XXVI Certamen Europeo de Artes Plásticas (CICUS, Sevilla, 2020), Artistas Emergentes 2020 (Fundación de Valentín Madariaga y Oya, Sevilla, 2020), Arte Aparte XII (Sala Juan Francisco Casas, La Carolina, Jaén 2020), Premios Alonso Cano (Hospital Real, Granada, 2019), Vacío y Retorno (Palacio Condes de Gabia, Granada, 2019), o Atmósferas (ETS de Arquitectura, Universidad de Granada, 2017), realizando a su vez en proyectos como White Desert (proyecto para diseñar y desarrollar una habitación en hielo y nieve para ICEHOTEL, Suecia, 2018) teniendo también obras en las colecciones del Patrimonio Municipal del Ayuntamiento de Málaga, la Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad de Granada, el Patrimonio del Ayuntamiento de Svalöv (Suecia) y el Patrimonio del Ayuntamiento de Zwickau (Alemania). Interesado en el espacio, como transitamos por él y la forma en cual nos relacionamos con aquello que nos rodea cuando viajamos, el proyecto Entre talud y cuneta, analiza y observa los lindes de la autovía componiéndose de una colección de obras formadas por objetos encontrados a través de derivas por la A5. Estas obras, apenas intervenidas, son residuos o escombros de sucesos, pequeños eventos que alteran la monotonía. Con el interés aún enfocado en él mismo espacio de la autovía surge, “Bajo la rueda, sobre el asfalto”, proyecto que parte de una fotografía, “Derrape en la A5”, imagen que muestra una carretera vacía, y de noche, con la huella marcada en residuos de caucho sobre el asfalto. Partiendo de esto, surge el ejercicio de observar, reproducir y conservar esos registros, creando pequeños juegos de reproducción como verter plomo sobre neumáticos desgastados, derrapar un coche sobre papel, grabar la fricción desde el punto de vista de una rueda. A este proyecto pertenece Sin Título (Fin), obra que conforma la serie registros de fricción, una serie de esculturas en plomo, realizadas con el vertido de plomo fundido sobre el caucho de neumáticos desgastados y abandonados en las cunetas de la A5. Jorge Montalbán (Málaga, 1994) Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (2017) ha realizado también un Máster en Dirección de Arte para Cine, Televisión y Nuevos Medios en la Escuela de Artes TAI (Madrid, 2019). Tras la inauguración de su primera exposición individual, No man’s land (Sala de exposiciones de la Facultad de BBAA, Málaga, 2017) y habiendo participado en varias colectivas, como Inside - habitación 315 (Art & Breakfast IV. Málaga, 2018) o Vegetativo (Jardín Botánico de la Concepción. Málaga, 2017), Montalbán se interesa por el mundo audiovisual y trabaja codirigiendo el cortometraje Carmen (2018), y como director de arte en cortometrajes como Dirigido por Lola (2019) o Coffee Stories (2019). También en 2019, trabaja en su primer largometraje como director de arte (La vecina de al lado). Montalbán compagina el desarrollo de su discurso artístico con su labor en el mundo audiovisual, trabajando en un estudio creativo de Madrid. En la pieza Flaming Sword la idea de un reino alegórico en decadencia es un leitmotiv en mi obra. Para ahondar en este concepto, bebo de referencias culturales y artísticas de nuestro imaginario común y tomo prestados elementos o iconos a través de los que reflexiono sobre nuestras sociedades. Al exhibir estos símbolos ardiendo, en este caso la espada, entrego su significado a las llamas, sinónimo de destrucción pero también de purificación. El fuego es anterior y está en rebeldía frente a la palabra, y en mi obra aparece como representación de la difícil dialéctica entre nuestra animalidad perdida y los artefactos culturales que atesoramos como desordenada mercancía. Demetrio Salces (Montalbán, 1987) Licenciado por la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla (España), ha completado su educación con diferentes talleres y cursos sobre curaduría y desarrollo de proyectos artísticos. Ha recibido distinciones y reconocimientos de diversas instituciones, entre ellas el premio Iniciarte (Junta de Andalucía), Fundación Viana-Bilbao Arte (Córdoba/ Bilbao), Beca Alnorte (Asturias), D-Mencia (Córdoba) y el Concurso Fernando Quiñones (Cádiz). Además, su trabajo ha aparecido en numerosas exposiciones colectivas como Mañana será otro día (Galería Modus Operandi, Madrid), Seven Counties (OVADA, Oxford), Loud Places I (Estudio 22, La Rioja), Codes of Faith (Laura I Galery, Londres), Todos los lugares imaginados (Sala El Palmeral, Málaga) La Gran Máquina II (Museo Cal Trepat, Lleida), M2 / M3 (Centro Cívico de Móstoles, Madrid) y Puerta Abiertas (Bilbao Arte, Bilbao), y sus exposiciones individuales incluyen Cotidiana Inseguridad (Espacio Nook, Málaga) La Fábrica (Palacio de La Merced, Córdoba), TaTaTaTam (Sala Guirigai, Badajoz) y Rompida (Museo Barjola, Gijón). La obra reciente de Demetrio Salces, como es el caso de las piezas Aquelarre, ST (cama) y Verano (sofá y móvil), nace con la intención de investigar sobre el poder narrativo de la imagen y las posibilidades plásticas y estéticas desde la pintura, fusionando elementos reales y cotidianos con otros que nacen de la fantasía. Cada pieza representa una escena donde generalmente el protagonismo recae en un personaje o un grupo de ellos y la relación entre estos y el espacio donde se encuentran. La aparición de elementos cotidianos condiciona la escena y ayudan a encriptar el mensaje. De esta forma, las piezas abordan temas como la fragilidad psicológica, la constante sensación de sospecha, y los conflictos y contradicciones a los que cada uno de nosotros está expuesto en el mundo actual. El resultado son piezas fantásticas donde se tratan problemáticas de la vida real, que buscan la conexión con el espectador mediante la imagen resultante y plástica propuesta. Fco. Javier Valverde (Málaga, 1991); Francisco Javier Valverde (Málaga, 1991) es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (2013), donde también ha realizado el Máster en Producción Artística Interdisciplinar(2015). Actualmente desarrolla sus estudios de Doctorado también en la UMA. Ha disfrutado de la Beca Creadores La Térmica (Málaga, 2015), de una Beca Iniciarte (Junta de Andalucía, 2013-14) y de la Beca de la UMA para la Real Academia de España en Roma (2013). Su primera exposición individual, Maryon Park, tiene lugar en 2015 en la Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Málaga. En 2017 realizó su segunda exposición individual en la Galería JM de Málaga, titulada Oleoramas del Parque del Oeste. Ha sido seleccionado para participar en diversos certámenes y exposiciones colectivas, como La chistera (Museo de Arte de la Diputación de Málaga, Antequera, 2017),INT16. Proyectos Fin de Máster en Producción Artística (CCP María Victoria Atencia, Málaga, 2016), el Certamen de Artes Visuales MálagaCrea (CAC Málaga, 2016, 2014, obteniendo ambos años Mención Especial, 2015 y 2013), Proyecto Imago Mundi. Made in Spain (CAC Málaga, itinerante a la Fundación Giorgio Cini, Venecia, 2015), Álbum familiar (La Caja Habitada, Sevilla, 2015), Papeles mojados. III Salón de las Vanidades (Palacio Ducal de El Carpio, Córdoba, 2015, obteniendo una Mención Especial), Causa o pretexto (Sala El Palmeral Iniciarte, Málaga, 2014), Mamá (Sala Fundación Cruzcampo, Málaga, 2014), VII y VI Premio de Pintura Universidad de Málaga (Salas del Rectorado de la UMA, Málaga, 2013, obteniendo este año el 2º Premio, y 2012) o III Muestra Internacional de Arte Universitario IKAS ART (Bilbao, 2011), entre otras. La producción artística de Valverde se centra en el híbrido interdisciplinar entre la pintura y el cine, concretamente, en cómo la pintura aborda el concepto de tiempo y adopta recursos de otros medios artísticos para lograrlo. Es por ello que la idea de narrativa, temporalidad y secuencia aparecen de manera intrínseca en los proyectos que plantea. La idea de tiempo se confunde con la de movimiento, ya que como en los antecesores al cine, el tiempo era una consecuencia de la acción, del movimiento. La repetición del elemento representado me parece una pieza fundamental para alcanzar la idea de tiempo. El acto de repetir le permite hacer una referencia al fotograma que es el elemento que construye la película a la vez que una presentación contundente de la propia pintura, ya que, el hecho de ver por repetido una misma imagen nos lleva a la contemplación de cómo está construida, es decir, a un tiempo pictórico. En la pieza A través, al igual que en la mayoría de sus trabajos, Valverde propone un viaje simbólico a través de los lenguajes y los medios: el trayecto parte de la pintura y tiene como punto final el vídeo, es por ello que la idea de narrativa, temporalidad y secuencia aparecen de manera intrínseca en sus proyectos. José Luis Valverde (Málaga, 1987) Graduado en Bellas Artes por la universidad de Málaga, posteriormente realizó el Master de Producción Artística Interdisciplinar por la misma universidad. Ha realizado exposiciones individuales en la sala de exposiciones del convento de Santa Inés, dentro de la beca Iniciarte (Sevilla), open estudio en la Griffin Gallery (Londres), en la Facultad de Bellas Artes de Málaga y en JMGaleria- ColumnaJM (Málaga), entre otras. Además, su obra está presente en varias colectivas como en Espacio El Butrón (Sevilla), CAC (Málaga), Fundación Bancaja (Zaragoza), Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia) y el Espacio Iniciarte, El Palmeral de las Sorpresas (Málaga) entre otras. Cabría destacar además el primer premio MálagaCrea Artes Visuales 2018, beca Colart, The Fine Art Collective (TFAC) (Londres), selección en A Secas. Artistas Andaluces de ahora' CAAC (Sevilla), la beca residencia 'Creadores' de La Térmica (Málaga) y Facba 2020 (UGR, Granada). Ha participado en la feria ARCO Madrid, en un proyecto conjunto para ABC Cultural (2018), también participó en la feria Getxoarte (2017). Sus creaciones están presentes en las colecciones Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, CAC (Málaga), Fundación Benetton, Ayuntamiento de Málaga entre otros. Su trabajo explora la revisión de los géneros pictóricos como la vanitas o la naturaleza muerta, pervirtiendo los códigos que los caracterizan y poniendo en cuestión el cuadro-objeto como artefacto de representación a través de la utilización del negro como dispositivo de negación de la imagen, como es el caso de la pieza Florero Nocturno. Manuel Zapata (Sevilla, 1991) Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, actualmente compagina la creación artística con la investigación académica. Dentro de sus exposiciones recientes, cabe mencionar su participación en la 69 Edición Jeune Creation celebrada en la Fundación Fiminco en la comuna francesa de Romainville y su selección como finalista en el XXVI Certamen Europeo de Artes Plásticas Universidad de Sevilla. Entre otras menciones y reconocimientos, destaca su selección dentro del programa de residencias 2020 del centro internacional Les Récollets en la ciudad de París, su participación en el 11 Festival de Cine Europeo de Puerto Rico y el Premio del Jurado obtenido en el I Festival de Cine Independiente de Puerto Rico. En su obra, Zapata aborda cuestiones vinculadas con la identidad cultural, el turismo y el sector del arte con el fin de enunciar las disonancias que se dan dentro de estos tres ámbitos generadores de conflictos estrechamente relacionados. Desde un posicionamiento subjetivo y crítico, asume el gesto electivo como un hacer que busca resignificar las imágenes y objetos con los que trabaja. Lo cotidiano se desmarca así de su banalidad aparente y se posiciona bajo un nuevo un plano estético donde la materialización de la obra como fin último abarca un proceso de trabajo teórico, multidisciplinar y abierto. La obra que presenta en la exposición recurre a la expresión francesa Mise en abyme para hablar del consumo masivo de la obra de arte a través de su reproducción. La serie fotográfica de la que forma parte la pieza registra a turistas captando fotografías de obras y monumentos icónicos. El abismo que en dicho acto se abre entre la lente del dispositivo y la obra o espacio que el visitante pretende capturar genera un distanciamiento cognitivo que, consciente o inconscientemente, es asumido por parte del este para poder fagocitar el volumen de toda su experiencia.

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