Thomas Struth

Exposición / Museo Guggenheim Bilbao / Avenida Abandoibarra, 2 / Bilbao, Vizcaya, España
Ver mapa


Cuándo:
02 oct de 2019 - 19 ene de 2020

Inauguración:
02 oct de 2019

Comisariada por:
Lucia Agirre, Thomas Weski

Organizada por:
Haus der Kunst, Museo Guggenheim Bilbao

Artistas participantes:
Thomas Struth

---

Etiquetas
Fotografía  Fotografía en Vizcaya 

       

---

Descripción de la Exposición

Las imágenes de Struth buscan apercibir al público sobre cuestiones fundamentales como el espacio público, los lazos familiares, la naturaleza, la cultura, o los límites de las nuevas tecnologías. Las relaciones que se establecen entre sus diferentes trabajos resaltan la capacidad de Struth para combinar el análisis con la creación de imágenes poderosas de múltiples sujetos y medios. La evolución artística de Thomas Struth está marcada por las preocupaciones sociales: la fragilidad de la existencia, los efectos de la globalización o la inestabilidad de las estructuras sociales son algunos de los temas que plasma con elegancia formal. La exposición alberga el único autorretrato de Struth, del año 2000, contemplando a su vez el Autorretrato de Alberto Durero del año 1500. El Museo Guggenheim Bilbao presenta la exposición Thomas Struth, un viaje completo por el innovador trabajo a lo largo de cinco décadas de uno de los fotógrafos europeos más influyentes de la posguerra, cuya evolución artística se ha visto marcada por las preocupaciones sociales. Las imágenes de Thomas Struth (Geldern, Alemania, 1954) tienen un carácter distintivo por las preguntas que plantean, en torno a temas como el espacio público, los lazos familiares, la naturaleza y la cultura, o los límites de las nuevas tecnologías. Así, Struth aborda cuestiones fundamentales como la inestabilidad de las estructuras sociales o la fragilidad de la existencia humana a través imágenes con una elegancia formal que suscitan la participación y empatía del público hacia estos temas. La exposición conecta las primeras ideas de Struth, presentes en el material de archivo recopilado por el artista, con sus grupos de obras terminadas como Lugares inconscientes (Unconscious Places), Retratos de su familia (Family Portraits), Público (Audience), Fotografías de museos (Museum Photographs), Nuevas imágenes del paraíso (New Pictures from Paradise), y Este lugar (This Place). A su vez, estos grupos establecen un diálogo con otras obras como el Proyecto Berlín (Berlin Projekt), una videoinstalación concebida en 1997 en colaboración con el artista multimedia Klaus vom Bruch, y con otros grupos más recientes como Naturaleza & Políticas (Nature & Politics), Animales (Animals), o las fotografías de paisajes y flores creadas para las salas del hospital Lindberg. Las relaciones entre estos trabajos resaltan la capacidad de Struth para combinar el análisis con la creación fotográfica en múltiples sujetos y medios, dando como resultado imágenes poderosas. RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN Sala 205 Siendo un estudiante en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, entre 1973 y 1980, Thomas Struth comienza a fotografiar las calles de la ciudad, primero con una cámara de 35 mm y después con una de gran formato. En 1977, durante una estancia de nueve meses en Nueva York, fotografía las calles de sus barrios capturando su ambiente. Así, Dey Street, Crosby Street o West Broadway, son retratadas desde la misma perspectiva simétrica tomada en la mitad de la calle. Con el paso del tiempo y al adentrarse en otras ciudades Struth abandona esta perspectiva central y, en calles como como Veddeler Brückenstrasse, Hamburgo 1986, el paisaje urbano muestra el desarrollo social y económico de manera concentrada. Los efectos de la globalización, de las economías de rápido crecimiento de finales del siglo XX y de la creciente población mundial son los temas de las fotografías agrupadas en Lugares inconscientes (Unconscious Places), un título que hace referencia a las huellas visibles de los procesos sociales inconscientes que se han inscrito en las estructuras urbanas. En esta misma sala se pueden contemplar asimismo las estructuras familiares que Thomas Struth comienza a fotografiar a principios de los años 1980. Retratos de familia (Family Potraits) se inicia cuando Struth colabora con un amigo psicoanalista de Düsseldorf, Ingo Hartmann, quien pide a sus pacientes que lleven imágenes de sus familias como parte de la terapia. En un proyecto conjunto, Hartmann y Struth seleccionan sesenta de estas imágenes, y Struth las reproduce y amplía hasta obtener impresiones uniformes en blanco y negro. Este trabajo se convertirá en la base de sus Retratos de familia, que surgen a mediados de la década de 1980 como una forma de agradecer a las personas que lo acogieron en sus estancias en Edimburgo y Yamaguchi, Japón. Estos retratos, como el de la La familia Hirose, Hiroshima 1987 (The Hirose Family, Hiroshima 1987) o el más reciente de la La familia Iglesias, San Sebastián 2015 (The Iglesias Family, San Sebastián 2015) son el resultado de sesiones formales, durante las cuales los modelos se familiarizan con la cámara. Las imágenes permiten diferentes interpretaciones, mostrando tanto las semejanzas físicas de los miembros de la familia como su contexto social, y en ellas Struth logra capturar a cada uno de sus sujetos como individuo y también como parte de la estructura familiar. Sala 206 Esta sala está dominada por el archivo de Thomas Struth, que se muestra sólo por segunda vez, y que incluye materiales de trabajo del artista, hojas de contacto, fichas, bocetos, invitaciones y posters y fotografías de instalación de sus exposiciones, así como dibujos tempranos, montajes, pinturas, estudios fotográficos, cuadernos, materiales de investigación, lectura y audición, y correspondencia con comisarios y otros artistas. Esta es la segunda vez que este archivo, raramente mostrado, se presenta ante el público. La selección de materiales del archivo presente en la exposición ofrece una completa visión cronológica de los procesos de trabajo del artista y del desarrollo de su obra. Junto al archivo se presentan algunas fotografías espectaculares realizadas en las últimas décadas, como Museo de Pérgamo, Berlín 2001 (Pergamon Museum 1, Berlin 2001) o Acuario, Atlanta 2013 (Aquarium, Atlanta 2013). Sala 207 A finales de la década de 1980, Thomas Struth comienza a realizar sus Fotografías de museo (Museum Photographs), que le permiten combinar su antigua pasión por la pintura con la fotografía. Estas imágenes exploran la relación entre las obras de arte históricas y sus espectadores, uniendo el pasado y el presente. Así, el público del Museo Guggenheim Bilbao podrá ver en estas obras al público del Art Institute de Chicago contemplando en 1990 la obra de Gustave Caillebotte Calle de París; Día de lluvia (Rue de Paris, temps de pluie, 1877). La sala alberga también el único autorretrato de Struth, realizado en 2000, contemplando el Autorretrato de Alberto Durero (1500) en la Pinacoteca Antigua de Múnich, tras retomar el tema de las Fotografías de museo en 1999. Esta vez, las imágenes de la serie Audiencias (Audiences) incluyen otros enfoques y perspectivas, y en obras como Museo Nacional de Tokio, Tokio, 1999 (Tokyo National Museum, Tokyo 1999) muestra La libertad guiando al pueblo (La Liberté guidant le peuple, 1830) de Eugène Delacroix en una de sus contadas exposiciones fuera de Francia, donde la obra se presenta en un escenario cinematográfico como si se tratara de un objeto histórico-cultural desconocido. En 2004, la directora de la Galería de la Academia de Florencia, Franca Falletti, invita a Thomas Struth y otros artistas a realizar una obra como homenaje al David de Miguel Ángel por el 500 aniversario de la escultura. La obra que plantea Struth muestra a los visitantes de la galería mientras contemplan el David que, sin embargo, no aparece en la escena. Este cambio de perspectiva con respecto a sus Fotografías de museo previas, que pone el foco en las reacciones de la audiencia ante la obra, demuestra en realidad el valor atemporal de la misma y el efecto que sigue ejerciendo sobre el público. Estas obras forman parte del conjunto Público. Struth continúa este proyecto con otros primeros planos de personas que miran la Madona Benois (1478- 1480) de Leonardo da Vinci en el Museo del Hermitage en San Petersburgo o las pinturas de Diego Velázquez en el Museo del Prado. La exposición alberga algunas de las imágenes registradas en Florencia y algunas de las producidas en Madrid. Sala 209 En 1998 Thomas Struth fotografía la selva tropical en el noreste de Australia, y posteriormente, captura bosques, selvas tropicales y junglas en lugares como China, Japón, Alemania, Brasil, Perú y Estados Unidos. Con Nuevas imágenes del paraíso (New Pictures from Paradise), que el propio Struth considera sus obras más intuitivas, busca una percepción puramente sensorial, que va más allá de su identificación o clasificación en el lugar y en el tiempo. Sala 203 En 2009, el fotógrafo francés Frédéric Brenner invita a Thomas Struth a participar en el proyecto Este sitio (This Place), destinado a explorar la complejidad de Israel y de la Ribera Occidental como lugar y metáfora a través de la mirada de doce fotógrafos internacionales. Este cometido permite a Struth condensar a través sus imágenes, realizadas a lo largo de distintos viajes, un retrato a diferentes niveles de las condiciones de vida de la región y sus habitantes. Ejemplos de estas fotografías son La familia Faez, Rehovot, 2009 (The Faez Family, Rehovot 2009), Campo de refugiados en Shuafat, Jerusalén Este, 2009 (Shuafat Refugee Camp, East Jerusalem 2009), Monte Bental, Altos del Golán, 2011 (Mount Bental, Golan Heights 2011), o Afueras de Ramallah, Ramallah, 2011 (Outskirts of Ramallah, Ramallah 2011). En 1997 Thomas Struth crea con el artista multimedia Klaus vom Bruch el Proyecto Berlín 1997 (Berlin Projekt 1997), por el que ambos graban escenas en diferentes lugares del mundo de manera independiente para después editar conjuntamente el material. Filmadas con cámaras fijas en secuencias con grandes multitudes, el individuo prácticamente desaparece o se percibe de manera fugaz. Así, en cuatro proyecciones con sonido original, se representan escenarios cotidianos de diferentes culturas, junto con los fenómenos inherentes a la gran ciudad, como la velocidad y los encuentros aleatorios. Este trabajo aborda también el fácil acceso a lugares exóticos y los viajes en general en la era del turismo masivo y la avalancha de fotos de las vacaciones como fenómeno social. Sala 202 A principios de la década de 1990 Thomas Struth acepta la invitación del director del Kunstmuseum de Winterthur, Dieter Schwarz, para decorar con sus fotografías las habitaciones del Hospital Lindberg de esta ciudad. Struth, que a lo largo de sus visitas empatiza con las personas hospitalizadas, fotografía paisajes y flores de la región y las cuelga frente a las camas, para que los pacientes puedan verlas. Además, en la cabecera de cada cama Struth coloca primeros planos de plantas individuales, que muestran su belleza y vulnerabilidad y, de alguna manera constituyen una metáfora de la situación del paciente. La publicación de 2001 Habitación diente de león (Dandelion Room), recoge las imágenes de este proyecto. En esta sala se muestran también una serie de paisajes artificiales construidos por el hombre, como el primer parque de atracciones de Disney en Anaheim, el único que fue diseñado por Walt Disney e inspirado en los Jardines de Tivoli en Copenhague. A lo largo de seis panorámicas de estos lugares arquetípicos para soñar, Struth no incluye iconos reconocibles, sino que se centra en los paisajes: sus montañas, atracciones, etc. Estas fotografías se enmarcan dentro de un conjunto mayor, Naturaleza & Política (Nature & Politics) que explora los límites del progreso, la globalización o la tecnología. El centro de la sala lo ocupa Lee esto como si lo vieras por primera vez. Frank Bungarten y su clase de guitarra en la Escuela Superior de Música de Lucerna, Berna 2003 (Read This Like Seeing It for the First Time. Frank Bungarten mit seiner Gitarrenklasse an der Hochschule Luzern, Bern 2003), una videoinstalación de Thomas Struth creada en 2003 para la Bienal de Berna. El vídeo muestra cinco clases de guitarra, de una hora de duración cada una, del conocido músico alemán Frank Bungarten en la Escuela de Música de Lucerna, filmadas con dos cámaras simultáneamente. La obra muestra de forma condensada la intensidad del proceso de aprendizaje y la relación profesor-alumno en el contexto del desarrollo artístico. Proyectada en pantallas separadas, las dos grabaciones muestran las diferentes perspectivas y formas de ver. Sala 204 En 2007 Thomas Struth visita por primera vez el Museo del Espacio de la NASA y esta experiencia le sirve de estímulo para intentar acceder y fotografiar los espacios de difícil acceso de la agencia espacial. Tras fotografiar algunas localizaciones de la NASA en 2008 y 2013, en 2017 consigue tomar imágenes de la piscina de flotabilidad neutral utilizada para formar a las tripulaciones espaciales con maquetas a escala real reproduciendo las condiciones del espacio. Esta sala alberga tres de estas impresionantes fotografías. Sala 208 Naturaleza & Política (Nature & Politics), se inicia en 2007 y comprende imágenes de desarrollos tecnológicos avanzados en empresas y laboratorios de investigación. La industria aeroespacial, la producción de energía, la investigación médica, la inteligencia artificial y la robótica son algunas de las tecnologías del futuro que interesan a Struth. Obras como Plataforma semisumergible, Astilleros DSME, Isla Geoje 2007 (Semi Submersible Rig, DSME Shipyard, Geoje Island 2007), o Z-Pinch laboratorio de plasma, Instituto Weizmann, Rehovot 2011 (Z-Pinch Plasma Lab, Weizmann Institute, Rehovot 2011) exploran los límites y la representabilidad del progreso, la globalización y la tecnología. Las imágenes son a menudo metáforas de un desarrollo en el que la tecnología ya no es clara o palpable, sino de una complejidad solo comprensible para expertos. Finalmente, la sala muestra el último trabajo del artista, Animales (Animals) un grupo de naturalezas muertas que el artista empieza a realizar en 2016, en las en las que animales fallecidos (aves, mamíferos) son el centro de atención. Se trata de animales que, tras haber muerto de forma natural, han sido trasladados al Instituto Leibniz para la Investigación de Zoológicos y Vida Silvestre en Berlín, y que el artista retrata con gran sensibilidad, de una manera nueva y sorprendente. A través de estas obras Struth toca la dignidad de la vida misma, la tradición humanista y las preguntas evolutivas: “Traté de mostrar a los animales de una manera hermosa y digna. Me interesa la idea de rendirse: una vez que mueres, todo el circo que creas de forma proactiva, el teatro, se detiene por completo. Estas imágenes deben ser como golpes, el recuerdo de la muerte como una llamada de atención”. Catálogo La exposición va acompañada de un catálogo ilustrado que contiene textos de Thomas Weski, Jana-Maria Hartmann y Ulrich Wilmes, así como una entrevista con Thomas Struth a cargo de Okwui Enwezor, que contribuyen a arrojar luz sobre la trayectoria, el proceso creativo y el mundo de ideas de Thomas Struth.

---