Descripción de la Exposición
Superpanel–Grid, Instalación coral de fino espíritu Pop. Un brochazo del Gólem Artístico de Aspa, al estilo de Alejandro Carro Pop, artista y codirector de la galería, que falleció recientemente al poco de cumplir esta su tercer aniversario. Exposición colectiva que emana frescura y retranca Pop de nuestro querido Alejandro Carro .
El grid, la red o la reja, el damero o lo ortogonal. Estructura omnipresente.
Orden en filas y columnas.
Organización estándar que ritma la vida moderna y el plano
¿Aunque, pueden aparecer en tales estructuras comportamientos sensibles?
¿Por qué Mondrian, en su Boogie Woogie final insistía en añadir infinitas capas de cinta en lugar de emprender un cuadro nuevo?
Quizás sentía desde su ventana la cuadriculada Nueva York llenarse de un palimpsesto de acciones.
Este pensamiento se intuye también en el superpanel de Alejandro Carro, un ensamblaje de páginas de su cuaderno donde dibujos y frases se integran, parafraseando sus propias notas, en un cúmulo grande de cosas pequeñas.
En el seno de la cuadrícula, la selección de artistas presentados defiende la posibilidad de ideas atrevidas .
Pinturas, imágenes planas dispuestas como una baraja mezclada.
La exposición Panel y panal
Cristina Artés
(Guadalajara, 1996) Emprende su carrera artística este año, tras estudiar Bellas Artes en Madrid y Nueva York.
Cristina Artés ilustra recuerdos propios, como prestados o soñados que se caracterizan por ser situaciones inusuales en espacios que resultan familiares.
La razón de su obra nace de la preocupación por la degeneración de recuerdos que considera valiosos. Mediante un ejercicio de memoria intenta retornar a determinado momento en el tiempo, a lugares a los que no ha regresado o que han cambiado, para poder ser lo más fiel posible a la experiencia original. El proceso de creación genera una reflexión sobre cómo el recuerdo evoluciona desde la vivencia original, el almacenamiento en la mente, el proceso de ilustración y la percepción.
Esta serie de bordados/dibujos/impresiones genera además un misticismo que eleva la memoria individual a un nivel de “religión propia”, ya que nuestras experiencias vitales moldean nuestra identidad y nos hacen adoptar un modo de vida individual.
Carlos Bloch
(Las Palmas, 1955) Ha participado en múltiples exposiciones tanto individuales como colectivas nacionales e internacionales.
Carlos Bloch representa en el panorama de los artistas de su generación, algo muy parecido a un fantasma. Un creador que siempre ha estado ahí, con importantes exposiciones en su haber, presente en muchas retrospectivas sobre La Movida y la Neofiguración madrileña y al mismo tiempo evanescente, escurridizo e inclasificable. “Los cuadros de Bloch son como un gran panal, una colmena de instantes perdidos que la mirada del espectador zarandea violentamente…” escribió Fernando Guerrero, el editor de Abada.
El expresionismo salta a la vista en su obra, así como la inagotable variedad de registros, marca del autor. Cuadros que, en sus propias palabras, “son resultado de afirmaciones y negaciones. Cuadros que forman parte de un proceso dilatado en el ir y venir y volver…” Tantos temas, tantas miradas como ha podido arrebatar al tiempo y a la historia. Fruto “de un remirar preintencionado”. Puro Bloch.
Alejandro Carro Pop
Alejandro Carro Pérez (Madrid 1952-2019)
Pintor, dibujante, arquitecto y grabador de larga trayectoria, galerista en los últimos años fundador y alma de Aspa Contemporary. Ha presentado sus obras en múltiples exposiciones nacionales e internacionales desde 1972. A partir de 2011, intensifica su actividad pictórica y expositiva. Abre el estudio de pintura local D. En 2016, abre la galería Aspa Contemporary.
Mostrar el arte y ocultar el artista es el objetivo del arte, dice Oscar Wilde en el prefacio de El Retrato de Dorian Grey. Alejandro anota ideas, frases, estrofas y palabras, que se funden en los bocetos con dibujos, imágenes y grafismos. Después en los cuadros se ocultan, manifiestan o neutralizan, dominan o compensan, poco importa su origen, forman parte ya de otra realidad. Aplica la fórmula POP a nuevas variables en la realización de una serie de colecciones, en las que sobre las mismas conjeturas, crea con diferentes lenguajes pictóricos que abarcan del Pop a la abstracción.
Toni Ferrer
Nacido en Barcelona, se trasladó joven a Mallorca, donde se inició en el arte de la mano del pintor Joan Calafat Tomás en su Academia. Compaginando con estudios superiores en Matemáticas, finalmente diplomándose en Ciencias Empresariales y licenciándose en Administración de Empresas en la UIB. Ha residido y trabajado en Jacksonville, Auckland, Bruselas, y finalmente Madrid, dónde tiene su Taller. Actualmente su línea principal de trabajo reflexiona sobre la ausencia y la pérdida.
Recientemente ha creado un estudio de arte y diseño denominado MUODOT, en el que trabajan las geometrías y el color desde un punto de vista más estético.
Serie, titulada “When we are gone”. En ella, los colores están ahí, sí, pero necesitan de una búsqueda pausada, íntima, como en un momento de introspección. Los colores son como recuerdos, que a medida que avanzamos en nuestras vidas, se convierten en etéreas imágenes de lo que un día fueron, cada vez más difusas. Los intuimos, podemos sentir su presencia y, aún queriendo aferrarnos a ellos, no son más que una bruma sutil sobre fondo blanco, ese blanco puro en lo que el tiempo inexorablemente va convirtiendo todo a su paso.
Su obra utiliza un lenguaje de únicamente dos elementos: el color y la forma. Estos elementos, y la comunicación entre ellos, generan todas las unidades de significado representadas en imagen, en pintura. Utiliza acabados casi industriales, artificiales y mecánicos, conseguido gracias a la utilización de pinturas muy fluidas y vinílicas, que con su acabado ultra mate, reflejan mínimamente la luz.
Sandra Gobet
Sandra ha expuesto en distintas galerías y salas tanto de España como de Chile: El Erizo Galería (Santiago de Chile), Galería Nave73, Tipos Infames, Espacio Naranjo (todas estas en Madrid), Galería Art+51 (Toledo), etc. Actualmente su obra se centra en el grabado con linóleo o metal, y pintura con acrílico sobre papel.
Las obras que presento en esta exposición, son grabados de pequeño formato que recuerdan las cartas del Tarot. Una figura central nos habla, a través de la postura de su cuerpo y de la simbología que lo rodea, de sentimientos universales que nacen de los más profundo y antiguo del ser humano.
Guadalajara, 1985. Estudió grabado en la Real Casa de la Moneda, e ilustración en la escuela Arte 10. Compagina el trabajo artístico personal como ilustradora y grabadora, con la docencia en su propio taller situado en Malasaña, Madrid.
Alex Makenzie
(1975, Rhinebeck, New York) ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas, tanto nacionales como internacionales.
El artista neoyorquino residente en Madrid, Alex Mackenzie, presenta una muestra centrada en el imaginario de los videojuegos, reinterpretados como símbolos que trascienden a su mera función de entretenimiento. “Mi propósito es subvertir la estética del videojuego incorporando acontecimientos reales provocados por el poder, la explotación y el consumo.” Emplea el videojuego, no como una herramienta de evasión, sino como una nueva iconografía simbólica de transformación, y perpetuación de la lógica dominante.
La técnica, el pastel, dibujos de una factura limpia emplea exclusivamente el pastel, a priori la técnica menos indicada para representar los nítidos pixeles de las pantallas, esta elección, sin embargo, le permite reafirmarse meticuloso en su denuncia.
Rodrigo Martín
(Langreo, Asturias – 1986)
Eligió estudiar un Bachillerato en Artes, cuando comenzó a interesarse por la pintura y las posibilidades que ofrece el dibujo aplicado en sus diversas técnicas. Más tarde ingresó en la Facultad de Bellas Artes del País Vasco en 2004, donde se especializó técnicas gráficas. En septiembre de 2008, viajó a Barcelona para terminar sus estudios de Bellas Artes y aprender nuevas habilidades artísticas y creativas. Comenzó a enfocar su estilo en el expresionismo abstracto. Máster en Creación Artística y trabajo pre doctoral «El inconsciente pictórico: origen e impulso en el proceso creativo de abstracción».
En estos últimos años, ha participado en múltiples exhibiciones colectivas en diferentes ciudades de España, Boston, Londres … y también ha tenido exposiciones individuales en diferentes galerías del país que muestran la evolución de su arte. Actualmente desarrolla su obra pictórica en Madrid donde su estilo se ha hecho más geométrico que nunca, explorando todas las posibilidades que el color y la geometría pueden dar a un lienzo, a un papel e incluso a una pared (pintura mural).
Manolo Oyonarte
Manuel Ortega Oyonarte (Madrid, 1957) Arquitecto y Master por la E.T.S. de Arquitectura de Madrid. Doctor en Bellas Artes por la U. C. M. Becado por el MEAC Costa da Morte y por LTG Banja Luka. Su tesis doctoral “El concepto de objetividad de la obra de arte” desarrolla las intuiciones sobre la naturaleza de la obra de arte, que surge de su experiencia de treinta años dedicados a investigar dentro del mundo de la pintura. Ha realizado más de treinta exposiciones individuales y más de 100 colectivas. Participa en más de 20 ferias de arte y en múltiples simposios y residencias de artistas. Tiene obra en diversas instituciones y colecciones privadas en varios países del mundo.
Mis obras se conciben como una estructura espacial abstracta donde conviven formas, colores, líneas, letras números., figuras geométricas y elemento figurativos. Todos ellos tratados en el mismo plano de importancia. No hay un tema definido, ni pretendo comunicar nada, aunque, no sé por qué, el ser humano ha estado siempre presente en mis composiciones. Al principio arrojo formas y colores de manera automática al soporte, después contemplo el resultado e intento adivinar qué es lo que está apareciendo. Si experimento un pequeño sobrecogimiento en lo que percibo, sigo por ese camino, si no arrojo más materiales…
Sólo cuando no he sido consciente de lo que ha sucedido en el proceso sé que la obra es profunda. Lo más importante es conseguir desconcentrarme para que mi parte racional no se apodere del proceso. Como decía Ghandi: when the ego dies the soul awakens, no es sencillo mantener mi ego (razón más sentimientos) fuera de la experiencia estética, pero es la única manera… Intento pintar desde las tripas.
Miguel Sokolowsky
Nace en Madrid. Atraído por la pintura y el dibujo que, desde siempre, había practicado, ingresa en la Facultad de Bellas Artes de Madrid. Allí cursa la especialidad de grabado. Estudia después Técnicas de Realización de Cine de Animación en la Escuela Taller “Fantasma”. Realiza estudios de fotografía, retoque fotográfico, diseño, modelado en 3D, y animación por ordenador.
Expone en colectivas de alumnos de Bellas Artes y con la Red de Arte Joven de la Comunidad de Madrid. En 1989 gana un Accésit en el I Premio Nacional de Pintura sobre Tema Cervantino y en 1990 el tercer premio en el XV Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Denia, Accésit en el X Certamen de Pintura del Círculo Catalán de Madrid. En 1991 la Mención de Honor III Certamen Nacional de Pintura la Tarterié.
Actualmente su pintura asimila elementos del cine, la animación y el comic, aunque no siempre resultan obvios. El último año, y de forma simultánea a la pintura, ha empezado a hacer collages de pequeño formato con todo tipo de materiales, en los que ensaya composiciones que a veces le llevan a proyectos más grandes. En ocasiones, sus dibujos ilustran historias de relatos que el mismo escribe.
Alfonso de Torres
(San Sebastián, 1960). Desde 1982, ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas.
Alfonso de Torres inicia su carrera artística en los años 80, realizando varias exposiciones individuales y colectivas, especialmente en Madrid, donde reside. Su obra ha evolucionado integrando elementos figurativos que se superponen a formas abstractas, explorando nuevos caminos mediante la incorporación de imagen digital. El azar como forma de trabajo y los diferentes medios utilizados tienen como resultado una composición de collage, que resume una alegría de vivir y un gozo por lo imprevisible.
Exposición. 17 dic de 2024 - 16 mar de 2025 / Museo Picasso Málaga / Málaga, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España
