Descripción de la Exposición
Galería RGR alberga del 21 de septiembre al 18 de noviembre la exposición colectiva Spiritual Abstractions, que tiene como como punto de partida el filme gótico y thriller Personal Shopper (2016) del cineasta francés Olivier Assayas, y en la que reúne obras de mujeres artistas de diferentes generaciones y procedencias, personas trans y de identidad fluida: Tania Candiani (México, 1976), Hilma’s Ghost (Brooklyn, 2020), Kati Horna (Budapest, 1912- México, 2000), Magali Lara (México, 1956), France- Lise McGurn (Glasgow, 1983), Vibe Overgaard y Salmo Suyo (Huancayo, 1989).
La protagonista de la película de Assayas, Mauren Cartwright (Kristen Stewart), encarna la gracia y la fatalidad del arte y la magia proyectados a través de atributos psíquicos adjudicados a las mujeres como lo son la clarividencia y la intuición. El filme también retrata el rápido e inescrutable proceso de transformación de nuestros tiempos en referencia a las nociones de género y al auge del pensamiento no racional promovido por las redes sociales.
Las obras reunidas en esta muestra, curada por Gabriela Rangel, indagan desde diversas perspectivas cómo la lucha de las mujeres afecta e importa al futuro político inmediato de la humanidad. Por otra parte, la sugerente, aunque problemática, pieza de ficción fílmica contemporánea de Assayas sirve como pretexto para reunir nuevas metodologías y estrategias formales desplegadas por artistas mujeres que en cierta medida se vinculan a la abstracción espiritual histórica, la cual es explícitamente invocada por el colectivo feminista Hilma’s Ghost, representado por Galería RGR.
Los dibujos pictóricos de flores enfermas o deseantes de gran formato de la artista mexicana Magali Lara, representada por Galería RGR, son espléndidas metáforas que sobrepasan la vida hacia los misterios órficos del erotismo y de la psique en su reveladora fuerza de dependencia y autonomía, así como de vida y muerte. Las flores de Lara muestran la condición hiperestésica del deseo femenino, equivalente a aquel de las plantas que, de acuerdo a palabras de la poeta Anne Carson, no duermen, no mienten ni blufean sino exponen sus genitales. En este sentido, Lara ha sido pionera en retratar el lado b de los paraísos abismales de la subjetividad femenina y los recodos de la pulsión libidinal como manifestaciones liberadoras —y opresoras— de la mujer en la sociedad patriarcal. Su visión de estos estados tanto larvarios como desarrollados del deseo se ha expresado a partir de libros de artista y colaboraciones con poetas que luego mutan para expandirse a lienzos y papeles.
Es en la pulsión de vida y muerte donde se encuentra Oda a la necrofilia, importante serie fotográfica surrealista realizada en 1962 por la fotógrafa mexicana de origen húngaro Kati Horna para la sección Fetiches de la revista S.nob. Dicha revista de corta vida (7 números) fue editada por los escritores Salvador Elizondo, Juan García Ponce y Emilio García Riera y contó con la participación de destacados artistas incluyendo a Horna. La secuencia fotográfica preparada por Kati Horna para Fetiches le permitió retomar su interés temprano por el psicoanálisis, el cual dejó atrás en aras de su militancia anarquista y el fotoperiodismo. Oda a la necrofilia contó con la participación de su amiga cercana la artista surrealista Leonora Carrington, con quien la fotógrafa y su esposo José Horna colaboraron en otros proyectos. Carrington aparece en la imagen desnuda como viuda doliente de su amado, representado éste in absentia con una máscara, literalmente a manera de fetiche.
Tania Candiani es una artista mexicana cuyo trabajo revela las contradicciones y tendencias autoritarias de la cultura global en el afán de homologar la especificidad de las temporalidades sociales y el clamor diferenciado de las minorías.
Candiani participa con el video mono canal La Maringuilla que contempla tres minutos de una danza hipnótica que data de la época colonial (La danza de los negritos) donde un hombre baila ataviado de indumentaria femenina, cubriendo su cabeza con un velo no nupcial y girando sobre su eje con la serpiente en la mano. Si bien ésta representa a la madre de las serpientes y siendo el único personaje femenino, como sucede en otras danzas coloniales es interpretado por un hombre; lo que para algunos especialistas evidencia el símbolo dual principio rector en la cosmovisión totonaca, también puede atribuirse al machismo de la época y región, que prohibía a las mujeres participar en las ceremonias y bailables. Para la artista: “En esta pieza, vemos la imagen del bailarín, sobrepuesta sobre su misma danza, conformando así la narrativa horizontal de la obra, en donde el mismo cuerpo se convierte en su fantasma”.
Salmo Suyo, joven artista peruano radicado en Suiza, ha centrado su búsqueda artística en los mecanismos de disidencia sexual presentes en las masculinidades trans. Su investigación aborda la representación radical del cuerpo queer en transformación, como una suerte de lava desbordada y corrosiva que se derrama en circuitos heteronormativos. En su trabajo el concepto biológico de diferencia sexual tal y como fuera empleado por el feminismo en los años 1970 llega a un punto ciego ante la pertinencia de un discurso alternativo trans modelado por la disforia, operación teórica estética de la cual se vale para cuestionar el mercado médico-farmacéutico. Asimismo, Salmo elabora desde la técnica de producción de objetos la exploración de materiales que reflejen las subjetividades trans y los debates políticos concomitantes a partir del uso de pigmentos y siliconas médicas. Por otra parte, el artista reivindica la cerámica como práctica ancestral andina que se actualiza en el encuentro con las tecnologías del siglo XXI.
El tratamiento de la figura humana en las pinturas de la artista escocesa France-Lise McGurn suele asociarse a arquetipos femeninos. Asimismo, se ha sostenido que éstas constituyen espíritus alegóricos o musas usualmente vinculadas a modelos de lo femenino construidos por la cultura pop y la moda contemporánea, ambas esferas retratadas en la película Personal Shopper. La aproximación de McGurn a la sexualidad que emana de estas figuras planas y estáticas destaca la actitud punk de la artista, enunciado en los títulos de las pinturas. Esta es la segunda participación de McGurn en el programa de RGR.
Vibe Overgaard, joven artista danesa, presenta delicadas esculturas de cerámica, metal, madera e hilo concebidas para su reciente muestra en ISCP, Brooklyn. Spindle City –Fall River, Estados Unidos–, encarna las ruinas de la industria textil y el tipo de manufactura que crearon un modelo de productividad que permanece como un fantasma en el imaginario colectivo. Sus esculturas proyectan la idea de circuitos en descomposición y se presentan como vestigios fantasmáticos del capitalismo industrial que substituyen al optimismo corporativo y masculino del minimalismo.
Exposición. 19 nov de 2024 - 02 mar de 2025 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
