Descripción de la Exposición
Sala Parés y Artur Ramon Art, galerías barcelonesas de referencia, y la galería Colnaghi, con sedes en Londres y Nueva York, y referente en pintura histórica europea, se alían para destacar y difundir la pintura catalana y española de finales del siglo XIX y principios del siglo XX en el contexto internacional del arte.
La colaboración estratégica entre las tres galerías, de las más antiguas del mundo y con una larga y respetada tradición -entre todas suman más de 500 años de experiencia y conocimiento-, pretende captar la atención de museos y coleccionistas de distintas partes del mundo hacia autores como Santiago Rusiñol, Ramón Casas, Isidre Nonell, Joaquín Mir o Hermen Anglada Camarasa, entre otros, que han sido reconocidos en nuestro país, pero que están lejos de la consideración de sus coetáneos franceses, ingleses o alemanes.
La alianza de las tres galerías, que arrancó el pasado mes de julio con la inauguración de la exposición “The Golden Age of Spanish Modern Art”, una muestra introductoria sobre el arte de la época, continúa ahora con la inauguración, el próximo 17 de marzo en la galería londinense Colnaghi, de la exposición “Spanish Modern Landscapes”, una muestra que supone un paso más en su objetivo de posicionar como se merece una de las mejores escuelas de pintura de la Europa de finales del siglo XIX y principios del XX.
“Spanish Modern Landscapes” se centra en el paisaje español y en sus formas únicas de representación que forman parte de movimientos europeos coetáneos que giran en torno al realismo, el impresionismo o el simbolismo. La muestra está formada por veintidós obras de trece artistas: Ramón Martí Alsina, Hermenegildo Anglada Camarasa, Francisco Gimeno Arasa, Laureano Barrau, Bertuzzi, Eliseo Meifren, Joaquín Mir, Francisco Pradilla Ortiz, Nicolau Raurich, Santiago Rusiñol i Prats, Josep Maria Tamburini Dalmau y Modest Urgell.
Jorge Coll, director general de la Galería Colnaghi, afirma: "Al colaborar con Artur Ramón y la Sala Parés en este proyecto conjunto, hemos conseguido obras de mayor calidad, y muchos de los paisajes que se presentan aquí proceden de la cúspide de la producción de estos artistas. En un momento en el que muchos de nosotros estamos atrapados en nuestro interior, estas pinturas de paisajes ofrecen una escapada a la belleza de otro mundo, el de la España de finales del siglo XIX. Esperamos que esta exposición sea la consolidación del éxito de “The Golden Age of Spanish Modern Art” del año pasado, llevando a estos modernistas españoles a un mayor reconocimiento y apreciación del público en todo el mundo".
Eliseo Meifren
“Spanish Modern Landscapes”, 13 artistas formados en Barcelona
Los trece artistas que forman parte de la exposición se forjaron en Barcelona y muchos se sintieron atraídos por París, en aquel momento el epicentro del mundo del arte. Sin embargo, a diferencia de algunos de sus coetáneos, como Picasso o Dalí, son poco conocidos más allá de su España natal. “Spanish Modern Landscapes” pretende afianzar el creciente interés por este grupo de artistas que despertaron las exposiciones en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, en el Cleveland Museum of Art, y en el Van Gogh Museum, en Amsterdam.
Fangal, de Nicolau Raurich (1897)
De la serie de paisajes sobre los pantanos de las afueras de Roma realizados entre 1896 y 1897 destaca Fangal (Lodazal), obra que fue presentada en la IV Exposición de Bellas Artes e Industrias Artísticas de Barcelona de 1898, donde obtuvo la Medalla de tercera clase.
Se trata de un lienzo de grandes dimensiones en el que Raurich capta la atmósfera misteriosa de las lagunas. Se puede sentir la humedad, la frialdad y la quietud del agua estancada sobre la que se proyecta el reflejo de árboles centenarios casi yertos, el cual se mezcla con la tierra embarrada y las plantas estáticas que se disponen en diagonales y que destacan por un trabajo más matérico y un mayor grosor de la capa pictórica.
La alternancia de tipos de pinceladas y de diferentes maneras de aplicar los pigmentos aumenta el atractivo de la composición y está al servicio de generar efectos diversos que logran una atmósfera creíble donde los elementos son tratados de un modo realista. El cielo nublado que envuelve las montañas cautiva e inquieta, acentuando así el sentimiento dramático y, en definitiva, el carácter romántico de la composición.
Jardín de Valencia, de Santiago Rusiñol (1912)
Esta obra se presentó en una muestra individual de Santiago Rusiñol en la Sala Parés celebrada en 1912. También fue exhibida en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid en el mismo año, y fue premiada con una Medalla de primera clase.
Es uno de los mejores cuadros de jardines de Rusiñol, y fue reproducido profusamente en publicaciones de la época e incluso en postales. El tema se ubica en el jardín de Monforte de Valencia, un paraje espléndido cuyos parterres, miradores y esculturas de corte clásico son combinados en un conjunto de carácter romántico. En este caso, Rusiñol representa la pareja de amantes Dafnis y Cloe, que se miran con total complicidad.
El pintor hace uso de una fórmula compositiva utilizada habitualmente para sus obras sobre jardines abandonados: una estructura construida por dos líneas oblicuas delimitadas por los setos del jardín en cuya confluencia se erige el monumento. Así, Rusiñol centra la composición mediante el cruce de caminos donde emerge la fuente con las esculturas de los amantes. Los setos, perfectamente tallados algunos y otros con imperfecciones, remarcan la perspectiva y son bañados por una luz extraña, como de ensueño. Los matices infinitos de verdes trabajados con delicadas pinceladas verticales acentúan la quietud del paisaje. Con su audaz sentido de la perspectiva, esta excelente obra muestra la influencia de Degas y Whistler en la obra de Rusiñol, así como el impacto que tuvo la estancia del artista en París.
Cueva de Mallorca, Sa Calobra, de Joaquín Mir (1903)
A diferencia del resto de artistas de esta muestra, Joaquín Mir nunca salió de España. Cueva de Mallorca, Sa Calobra (1903) es una de las telas más destacadas de la serie que Mir dedicó al torrente de Pareis, próximo a la cala de Sa Calobra, al norte de Mallorca.
Este cuadro forma parte de un conjunto de piezas que marcan uno de los principales momentos creativos de la trayectoria de Mir, en la búsqueda de un lenguaje propio basado en la naturaleza y capaz de emocionar a través de la luz y el color. Las formaciones insólitas de rocas erosionadas por el agua y el viento generan una composición mágica con colores impactantes y casi fosforescentes que se aproximan a planteamientos vinculados a la pintura fauve y a la abstracción.
Los elementos del paisaje son trabajados de manera sintética y tan solo se sugieren al espectador, conformando una imagen de ensueño que solamente es intuida a partir de los ritmos de color, las pinceladas libres y amplias que tienden a caer en verticales sinuosas y las manchas que se alternan para generar la sensación de profundidad y los recovecos de la cueva. Ni cielo, ni figuras, ni cualquier otro detalle que no sea la cueva y la sensación generada por ésta. No existe pues ninguna referencia figurativa, Mir no la necesita. El horizonte desaparece y la estructura cavernaria invade toda la composición de la tela. Esta obra representa, sin duda, uno de los planteamientos de la pintura de Mir más modernos y marca un punto de inflexión en la evolución del paisajismo español. La exposición incluye varias obras del artista.
Cementerio e iglesia, de Modest Urgell (1880)
Cementerio e iglesia, de Modest Urgell (1880), muestra una fuerte influencia de la escuela realista francesa. El cuadro refleja cómo el artista se inspiró en Millet y Courbet a través de su retrato descarnado y poco idealizado de la vida rural. Dalí quedó profundamente impactado por la obra de Urgell, y adquirió cuadros del artista a Artur Ramon Art. La mayoría de las obras más importantes de Urgell se encuentran en colecciones privadas y museos, por lo que es muy raro poder disponer de una de ellas.
La exposición “Spanish Modern Landscapes” se celebrará del 17 de marzo al 21 de mayo en la galería Colnaghi de Londres. Mientras persistan las circunstancias actuales, la visita solo se podrá realizar con cita previa. Además, se editará un catálogo exhaustivo de la exposición, se grabará una visita guiada en realidad virtual así como un espacio de consulta online de todas las piezas presentadas.
Sobre Colnaghi
Fundada en 1760, Colnaghi es una de las galerías de arte más antiguas del mundo, con una larga historia y tradición. Desde finales del siglo XIX, Colnaghi se convirtió en una de las galerías líderes en pintura antigua, vendiendo obras maestras a grandes coleccionistas y museos, y alcanzando una gran reputación, también como gran conocedora de grabado y dibujo antiguos.
Colnaghi, una gran galería especializada en obras de arte que van desde la antigüedad hasta la era moderna, maneja actualmente desde objetos curiosos del mundo antiguo a los mejores maestros de la antigüedad, así como obras maestras modernas.
Con galerías y especialistas en Londres, Nueva York y Madrid, Colnaghi ofrece a sus clientes un asesoramiento experto, un servicio de muy alto nivel y un interesante programa de exposiciones y eventos.
Las exposiciones de Colnaghi se centran en excelentes obras de arte de los grandes maestros antiguos y modernos. Entre las exposiciones llevadas a cabo se encuentra la celebrada en una galería temporal en Venecia para la 58ª Biennale, que ofreció una interpretación contemporánea del Grand Tour para el viajero del siglo XXI. Las exposiciones anteriores de Colnaghi Londres han brindado la oportunidad de cruzar diversos tipos de colecciones y de hacer dialogar el arte contemporáneo con obras de maestros antiguos. Las próximas exposiciones previstas en Londres y Nueva York incluirán pinturas, dibujos, esculturas y antigüedades de la más alta calidad, procedentes de todo el mundo.
A lo largo de sus 260 años de historia, Colnaghi ha crecido y se ha desarrollado respondiendo al cambio de los tiempos. En 2017, Colnaghi Nueva York reabrió bajo la nueva dirección de Carlos A. Picón, durante mucho tiempo conservador de arte griego y romano en el Metropolitan Museum of Art. En 2019, la comisaria de arte y marchante Victoria Golembiovskaya se incorporó como CEO en Londres junto al actual propietario Jorge Coll, posicionando Colnaghi como única gran galería especializada en obras de arte desde la antigüedad hasta la era moderna.
Sobre Artur Ramon Art
Fundada en 1911 como anticuario, Artur Ramon Art es una de las galerías de arte en Barcelona más antiguas. Pintura y dibujo, de lo antiguo a lo contemporáneo, son los principales campos en que Artur Ramon Art trabaja, sin renunciar a las artes decorativas. Diversas disciplinas les definen como expertos en arte antiguo y anticuarios: la escultura, la cerámica, el grabado, el mobiliario, el vidrio y la plata. El reto de la cuarta generación de anticuarios, formada por Artur y Mónica Ramon Navarro, con el apoyo de Artur Ramon Picas, es presentar sus antigüedades con una mirada contemporánea.
La galería consta de dos ámbitos diferentes que se complementan: el Espacio de Arte y la Galería de arte privada. Con acceso a la calle, el Espacio de Arte es una nave industrial recuperada donde se realizan las exposiciones. En colaboración con artistas contemporáneos y comisarios, se explora el arte antiguo en busca de una nueva manera de explicar el oficio de anticuario. Analogías, intervenciones, diálogos, conferencias y presentaciones vinculadas al arte y la cultura actual complementan con dinamismo la actividad habitual de la galería de arte en Barcelona. La Galería de Arte Privada, situada en el primer piso, es un espacio de gestión de pintura, dibujo, escultura, cerámica y muebles de alta calidad, pensado para estimular el coleccionismo público y privado. Se ha concebido como un centro de gestión y de asesoramiento de obras de arte, un espacio de investigación que cuenta con una biblioteca de más de 6.000 volúmenes dedicados a todas las disciplinas. Eventualmente se exponen también las obras más destacadas del fondo de la galería y las últimas adquisiciones.
Especialización e internacionalización son los dos ejes de Artur Ramon Art. Buscar piezas inéditas y recuperar las identidades perdidas a través de los mejores especialistas en cada materia, cuyas investigaciones se publican en catálogos. Esta galería de arte es, además, un centro de estudio y gestión de obras de arte de calidad museística y ofrece a los coleccionistas asesoramiento para la tasación de obras de arte.
Artur Ramon Art tiene presencia habitual en las principales ferias del mundo dedicadas a las antigüedades, el dibujo y la pintura antigua y moderna. Participa en TEFAF Maastricht y el Salon du Dessin de París, y expone también en otras ferias internacionales, entre ellas Master Drawings de Nueva York y Gabinete Art Fair de Madrid.
Sobre Sala Parés
Fundada en 1877, la Sala Parés fue la primera galería de arte en España. En la actualidad se encuentra entre las diez más longevas del mundo que siguen en activo. Durante sus 144 años de historia, se ha mantenido como una de las galerías de referencia en Barcelona para la figuración y el realismo, así como para el arte histórico.
Los grandes maestros de la pintura catalana y española del último tercio del siglo XIX y del primer tercio del siglo XX, incluidos Picasso y Dalí, así como los grandes nombres del modernismo catalán fueron expuestos en la galería. Durante muchos años, la Sala Parés representó a los mejores artistas catalanes del momento: Ramon Casas, Santiago Rusiñol, Joaquim Mir, Anglada Camarasa e Isidro Nonell, entre muchos otros.
A lo largo de su historia la galería ha contribuido a la formación de importantes colecciones de arte, tanto privadas como en reputados museos, reuniendo también exposiciones de los grandes maestros de la pintura española desde el siglo XV, y destacando las obras de artistas como Velázquez, Goya o Murillo, que fueron vendidas a algunos de los principales museos de España.
Desde su origen, ha estado en la misma ubicación, en el barrio gótico de Barcelona, donde ocupa un espacio con tres salas de exposición. Actualmente, el espacio es visitado por más de 50.000 personas al año, muchas de ellas procedentes de todo el mundo.
La programación de la galería se basa en los 35 artistas actuales con los que trabaja de forma regular, así como en las exposiciones puntuales que dedica a los maestros de la pintura catalana del siglo XIX y XX que en su día representó.
Hoy en día la Sala Parés cuenta con un núcleo sólido y estable de coleccionistas tanto de Barcelona como del resto de España, así como de otros países europeos, y colabora con galerías y museos de diferentes partes del mundo, además de participar en algunas de las principales ferias internacionales.
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