Descripción de la Exposición
La exposición Sooooo lazy. Elogio del derroche, comisariada por Beatriz Escudero y Francesco Giaveri, es la tercera y última propuesta de la actual convocatoria de comisariado para jóvenes profesionales del Programa de Apoyo a la Creación Artística de la Fundación ”la Caixa” en CaixaForum Barcelona.
Incluye unas cincuenta piezas de quince artistas —Agnes Martin, Ignasi Aballí, Francesc Abad, Esther Ferrer, Xavier Ribas, Constant, Samuel Labadie, Camila Cañeque, Ângela Ferreira, Aernout Mik, Alberto Gil Cásedas, Sharon Lockhart, Misha Bies Golas, Agustín Parejo School y Priscila Fernandes—, en su mayor parte procedentes de las colecciones de ”la Caixa” y del MACBA, pero también de préstamos de otras colecciones, como de la Fundação de Serralves y de Cal Cego.
La exposición es una reivindicación de la pereza, y propone una crítica irónica y utópica del consumo y la hiperactividad contemporánea. A través de las obras expuestas, se plantea una ficción en la que el derroche del tiempo y la contemplación contribuirían al bien común.
La muestra, que contiene pintura, dibujos, instalación, vídeo, fotografía, escultura y obra gráfica, permanecerá abierta del 26 de noviembre de 2020 al 18 de abril de 2021.
Durante toda la temporada 2019-2020, la Sala 2 de CaixaForum Barcelona se ha consagrado a la exhibición de las tres propuestas seleccionadas en este programa, a cargo de comisarios emergentes, que llega, con esta, a su cuarta edición. El programa ofrece a jóvenes profesionales la oportunidad de liderar un comisariado a partir de las colecciones de ”la Caixa” y del MACBA, con la ayuda de profesionales de la entidad y tutores externos. Es también una oportunidad para que comisarios emergentes ofrezcan lecturas innovadoras sobre estos fondos de arte. La muestra Sooooo Lazy. Elogio del derroche cierra el ciclo actual del programa, que también incluyó las exposiciones En caída libre y Dónde estamos. Dónde podríamos estar.
Además, recientemente, la entidad ha reforzado esta iniciativa ampliando el apoyo a la creación contemporánea y ha desdoblado la convocatoria con otra línea de apoyo a la producción de obras de arte. Esta nueva convocatoria, de carácter bienal, se dirige a todos aquellos artistas interesados en producir una obra de arte. La ayuda se centra en facilitar los recursos necesarios para que la obra pueda hacerse realidad, con especial atención a los artistas menores de 30 años.
Con esta doble convocatoria, la Fundación ”la Caixa” da continuidad a su larga trayectoria de compromiso con nuevos talentos en el ámbito de la cultura en general, y de las artes visuales en particular.
La exposición Sooooo Lazy. Elogio del derroche propone una reivindicación de la pereza, del no hacer, como una forma de resistencia, pero también para contribuir al bien común. Lo hace a través de un viaje de la hiperactividad a la contemplación a través del arte, y de la mano de artistas como Agnes Martin, Ignasi Aballí, Francesc Abad, Sharon Lockhart, Samuel Labadie, Xavier Ribas, Albert Gil Cásedas y Misha Bies Golas, entre otros. Se trata de una crítica irónica, y a la vez utópica, de la hiperactividad contemporánea, que no solo implica el mundo del trabajo y de la producción, sino incluso los espacios de la privacidad y el ocio. La reflexión que propone la exposición pone en cuestión la idea del trabajo como forma de subsistencia, así como que el crecimiento sea el único camino posible para avanzar. La exposición propone pensar la pereza bajo el prisma de la teoría económica y de los acontecimientos que hemos vivido en los últimos años, incluida la reciente experiencia de una pandemia que ha obligado a desacelerar por fuerza nuestro sistema.
Como alternativa, la exposición propone malbaratar de forma eficaz la enorme cantidad de tiempo y de recursos humanos disponibles, especialmente cuando está previsto que, en las próximas dos décadas, dejen de existir la mitad de los puestos de trabajo debido al proceso de automatización de las fuerzas productivas, y que millones de personas estén paradas durante largos periodos de tiempo. En contrapartida, la pereza, la vagancia, el no hacer y la inactividad tienen muy mala prensa.
Así, la muestra defiende rescatar la pereza del menosprecio político y pone de manifiesto que, de hecho, esta constituye el fin y el sueño de cualquier ser humano. No obstante, es considerada un vicio capital. En realidad, se trata de un debate que no es nuevo, y que han tratado muchos autores a lo largo de la historia. Paul Lafargue, el yerno de Karl Marx, escribió un breve panfleto con el título El derecho a la pereza. El artista Kazimir Malévich consideraba que «la pereza no es la madre de todos los vicios, sino la madre de la perfección». Marcel Duchamp también rechazaba el trabajo, y Georges Bataille apostaba por malgastar todo el excedente de tiempo sin contrapartida. Estos son algunos de los pensadores de los que se nutre la muestra, que también bebe del pensamiento de Bertrand Russell y Hannah Arendt, entre otros.
Muchos artistas contemporáneos han tratado este tema desde varias perspectivas, y para ilustrar esta reflexión, los comisarios han seleccionado unas cincuenta piezas, entre pinturas, esculturas, dibujos, instalaciones, fotografías, vídeos y obra gráfica, en su gran mayor parte procedentes de la Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo y el MACBA. También pueden verse obras de colecciones e instituciones como Cal Cego Colección de Arte Contemporáneo o el Museo de Arte Contemporáneo de la Fundación de Serralves de Oporto, o procedentes de los propios artistas. Los quince artistas participantes son Agnes Martin, Ignasi Aballí, Francesc Abad, Esther Ferrer, Xavier Ribas, Constant, Samuel Labadie, Camila Cañeque, Ângela Ferreira, Aernout Mik, Alberto Gil Cásedas, Sharon Lockhart, Misha Bies Golas, Agustín Parejo School y Priscila Fernandes.
Recorrido de la exposición
La obra que da la bienvenida a los visitantes es la escultura multimedia de gran tamaño Fábrica colapsável [Fábrica derrumbable] (2012), que la artista de Mozambique Ângela Ferreira realizó en Guimarães (Portugal), y que evoca las dinámicas de trabajo de una gran fábrica textil. Su mecanismo móvil es una metáfora de la hiperproducción, ya que se trata de una pieza que no se puede parar y que necesita que el personal especializado del centro expositivo la manipule cada hora. La presencia de esta obra en la exposición también conecta con el pasado industrial del edificio modernista de CaixaForum Barcelona, sede de la antigua fábrica Casaramona. El vídeo de Aernout Mik, Pulverous [Pulverizado], muestra a un grupo de personas que destruyen, sin ira, los productos de unos grandes almacenes. Es un ritual de destrucción efectuado en estado de alienación que pretende reflexionar sobre el exceso impuesto y la dinámica continua del modelo de producción y consumo actual, que ahora, a raíz de la pandemia de la COVID-19, se ha puesto en evidencia.
Ignasi Aballí, en la obra Malgastar, dejó secar la pintura dentro de sus cubos sin manipularla ni gastarla. «Compré toda la pintura que pude con el dinero que me dieron para producción en una exposición, y luego no hice nada con ella. […] Mientras pensaba cómo utilizarla, se ha secado y ya no sirve. En cierto sentido, la obra antepone la reflexión a la acción, la contención a la expresión», recuerda el artista. Alberto Gil Cásedas, en cambio, en su obra 147.710 [Blank Sundays]. Prueba de Leucofobia: 40 h en blanco, «despilfarró» el tiempo de los domingos, día de descanso semanal, rellenando repetidamente hojas de papel con pequeñas líneas blancas. El derroche del tiempo también está presente en la obra Nòmines. El meu espai productiu/econòmic [Nóminas. Mi espacio productivo/económico], de Francesc Abad, que en este caso muestra en una pared todas las nóminas de su vida laboral como docente. Es una especie de autorretrato del artista, representado por una actividad al margen de su trabajo como artista.
La obra de la artista norteamericana Sharon Lockhart, por su parte, nos introduce en el concepto de la observación contemplativa de actos cotidianos. En esta exposición se muestran cuatro fotografías suyas de gran formato en las que se ve a los montadores de la Scottish National Gallery of Modern Art durante la pausa del almuerzo. Sus figuras se confunden con las esculturas hiperrealistas de una exposición de Duane Hanson. Estas imágenes dialogan con la escultura minimalista del gallego Misha Bies Golas, en la que, sobre un pedestal blanco, descansa un cigarrillo abandonado que se ha consumido sin que nadie se lo haya fumado. La exposición incluye una obra emblemática de la veterana artista conceptual Esther Ferrer, Silla Zaj, de 1974, en la que un cartel en una sencilla silla invita al visitante a sentarse en ella «hasta que la muerte les separe». Una acción que el espectador nunca podrá llevar a cabo, ya que siempre será persuadido de ello en el contexto de una sala de exposiciones.
El colectivo Agustín Parejo School, pionero de las acciones entendidas como activismo urbano y social, se refiere al tema del paro en la obra Por fabor estamos parados, a través de la edición de postales y un calendario con grafitis callejeros pintados por el grupo. En la muestra se reactiva una de estas postales y se recurre al mismo lema para convertirlo en un estarcido y realizar una pintada dentro del espacio expositivo. La exposición también incluye algunos de los bocetos y proyectos de la ciudad inspirada por el situacionismo New Babylon, diseñada por el artista Constant a lo largo de treinta años, en la que proponía un nuevo modelo de vida lúdica y creativa, con una considerable disminución del trabajo. También es utópica la vida que propone el vídeo de Priscila Fernandes, que presenta una tierra inspirada en el mito medieval de Cucaña o Jauja, un fantástico lugar donde abunda la comida y no es necesario trabajar. Unas tumbonas frente al vídeo proponen disfrutar tranquilamente de la experiencia. Las fotografías de la serie Domingos, de Xavier Ribas, muestran el tiempo libre familiar en polígonos y descampados no urbanizados de Barcelona y alrededores, zonas no explotadas ni reglamentadas, mientras que el conjunto de dibujos Just Do Nothing, de Samuel Labadie, subvierte el célebre lema de una conocida marca deportiva para cuestionar el ocio como consumo, como actividad productiva disfrazada de «tiempo libre».
Al final de la exposición, se muestra una obra casi escondida, instalada en una pequeña porción de suelo, de Camila Cañeque. Son dos humildes ojos cerrados. Junto a ellos, un código QR conduce a los visitantes fuera de la exposición, donde un vídeo muestra una desierta y apetecible playa, una invitación a la huida y a la contemplación sin fin. La exposición se cierra con dos telas de gran tamaño casi monocromas de la pintora Agnes Martin, aisladas en un único ambiente que se convierte, así, en una pequeña capilla para invitar a los visitantes a la pausa y a la reflexión.
La muestra incluye un catálogo en línea que se puede descargar y consultar en este enlace.
Planificación de la visita
Con el objetivo de facilitar el acceso a los visitantes y mejorar su experiencia, el centro les recomienda planificar su visita previamente a través de la reserva o la adquisición de entradas mediante la página web. Desde la página de CaixaForum Barcelona, los visitantes podrán conocer la disponibilidad de entradas por franja horaria y canalizar su petición. De este modo, se garantizarán el acceso a la sala, actualmente con capacidad limitada debido a las medidas de seguridad.
La exposición ofrecerá un servicio de mediación para el público. Así, de lunes a domingo, de 11 a 14 horas y de 17 a 20 horas, un educador o educadora atenderá en la sala cualquier duda o comentario de los visitantes sobre la muestra.
LOS COMISARIOS
BEATRIZ ESCUDERO Y FRANCESCO GIAVERI
Beatriz Escudero es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona; diplomada en Gestión Cultural y máster en Dirección y Diseño de Espacios Expositivos por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, y ha cursado el Programa de Estudios Independientes - Máster en Estudios Museísticos Avanzados, Teoría y Crítica de Arte de la Universidad Autónoma de Barcelona. Ha comisariado exposiciones en la Bienal de Cuenca (2019), Trastero 109 (2019), Addaya Centre d’Art Contemporani (2017), Sant Andreu Contemporani (2016), La Casa Encendida (2015) y Fundació Antoni Tàpies - Sala d’Art Jove de la Generalitat de Cataluña (2013). También es cofundadora de www.site-specificconversation.com, un proyecto en línea en forma de conversaciones con artistas en su lugar de trabajo.
Francesco Giaveri se formó en Conservación de Bienes Culturales por la Università Ca’ Foscari de Venecia y en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, donde obtuvo el DEA en Arte Contemporáneo. Ha sido profesor en la Universidad Antonio de Nebrija (2016-2018) y director de la galería L21 Madrid (2013-2016), y, desde 2016, es gallery manager de ADN. Ha comisariado exposiciones en Piramidón (2020), Centro de Arte Alcobendas (2018), Baril (2017), ADN Platform (2019 y 2017), Salón (2016-2017), Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid (2014), Espacio Trapézio (2013), Espacio F (2012) y Galería Marta Cervera (2011).
Francesco y Beatriz trabajan juntos desde 2017. Han realizado exposiciones en el Institut Français de Madrid (2020), en el Museu del Disseny de Barcelona (2019), en la Galleria Macca de Cagliari (2018) y en la Galería JosédelaFuente de Santander (2018). También escriben habitualmente en diversos medios sobre exposiciones e historia del galerismo.
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