Descripción de la Exposición ------------------------------------------------------- ------------------------------------------------------- Sobre la Historia Que la Historia se construye desde sí misma, sobre sí misma e, incluso, contra sí misma es algo difícilmente cuestionable ya que incluso los discursos más rupturistas apuntan a esa inquebrantable voluntad metalingüística. Esto tiene poco que ver con la idea distante de un pasado si éste es imaginado como inmutable, un pasado que no es más que una parte del presente y por lo tanto sujeto a interpretaciones. Esta apreciación se hace especialmente evidente cuando nos referimos a la tradición de las artes visuales occidentales. El trabajo del artista irlandés James Coleman (Ballaghaderreen, Irlanda, 1941) pone en cuestionamiento el tiempo, la memoria y la causalidad. Untitled (1998-2002) es un vídeo de proyección continua que se centra en el enigma de la interpretación de las imágenes. Los sutiles juegos de asociación a través del lenguaje y la abstracción desacreditan los mitos y cuestionan nuestra comprensión del pasado. Biografías de artistas James Coleman (Ballaghaderreen, Irlanda, 1941) estudió en la National College of Art and Design, Dublín, y en la University College Dublin. Vivió en París y Londres, y luego se trasladó a Milán, donde residió durante veinte años. Ha trabajado con multimedia, vídeo y cine, y fue pionero en el uso del formato de presentación conocido como “slide-tape”, que consiste en la proyección de transparencias sincronizada con cintas de audio. Ha expuesto de forma individual desde 1970, alrededor de Italia, Francia, Alemania, Holanda, Estados Unidos y Canadá. Ha sido merecedor del premio Kart-Schwitters, Hannover (2002) y Irish-American Cultural Institute Award (1977), entre otros reconocimientos. Entre sus exposiciones individuales recientes destacan las del Irish Museum of Modern Art, Dublín (2006); Museu do Chiado, Lisboa (2004-05); Project for Léonard de Vinci dessins et manuscrits, Musée du Louvre, París (2003); Sprengel Museum, Hannover (2002); Kunstbau Lenbachhaus, Munich (2002); Neues Kunstmuseum Luzern, Lucerna (2001); Marian Goodman Galleries, París y Nueva York (2000); James Coleman, Fundació Antoni Tàpies, Barcelona (1999); Wiener Secession, Viena (1997) y Centre Georges Pompidou, París (1996). Vive y trabaja en Dublín. Tacita Dean (Canterbury, Inglaterra, 1965) estudió en la Falmouth School of Art, Falmouth, Reino Unido (1985-88), Supreme School of Fine Art, Atenas (1989-90) y The Slade School of Fine Art, Londres (1990-92). Ha trabajado una gran variedad de medios, incluyendo dibujo, grabado y fotografía, pero más notablemente el vídeo y el sonido, centrándose en la producción de películas en 16 mm. Tras su primera exposición individual, The Martyrdom of St.Agatha and Other Stories, presentada conjuntamente en la Galerija Skuc, Ljubljana y la Umetnostna Galerija, Maribor, en Eslovenia en 1994, ha participado en numerosas exposiciones, entre ellas: Tacita Dean: Film Works, Miami Art Central, Miami (2007); Tacita Dean: Analogue: Films, Photographs, Drawings 1991-2006, Schaulager, Basilea (2006); Presentation Sisters and the Presentation Windows, South Presentation Convent Sports Hall, Cork, Irlanda (2005); Tacita Dean, De Pont Foundation, Tilburg, Holanda (2004); Tacita Dean, ARC Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, París (2003) y Tacita Dean, Recent films and other works, Tate Britain, Londres (2001). Ha recibido, entre otros, el premio Hugo Boss (2006), el Aachen Art Prize, Aachen, Alemania (2002) y la beca del DAAD, Berlín (2000-01) y estuvo nominada para el Premio Turner (1998). Vive y trabaja en Londres. Günther Förg (Füssen, Alemania, 1952) estudió en la Akademie der Bildenden Künste, Munich (1973-1979), institución en la que ejerce como Profesor de pintura y artes gráficas desde 1999. Artista versátil, ha trabajado indistintamente en medios como la pintura, la escultura o la fotografía de formato monumental, en la que destacan sus series arquitectónicas. Entre sus últimas exposiciones individuales destacan: Günther Förg - Make It New, Kunsthalle, Recklinghausen, Alemania (2004); Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt (2004); Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv (2002); Kunsthaus Bregenz, Bregenz (2001); Deutsche Bank & Solomon R. Guggenheim Foundation, Deutsche Guggenheim, Berlín (2002); IVAM, Valencia (1999); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía/ Palacio de Velázquez, Madrid (1998); BAWAG Foundation, Viena (1998). Su obra se encuentra representada en las colecciones del San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco; Guggenheim Museum, Berlín y Castello di Rivoli Museum of Contemporary Art, Turín, entre otras importantes instituciones públicas. Vive y trabaja entre Colombier y Friburgo, Suiza. Rodney Graham (Vancouver, Canadá, 1949) cursó sus estudios de arte en la University of British Columbia, Vancouver (1968-71). Pertenece, junto a Jeff Wall, Ian Wallace y Ken Lum, a la generación de artistas canadienses que convirtió a Vancouver en un activo centro de arte en los años 70. En sus inicios integró el grupo musical de New Wave UJ3RK5, de efímera existencia. Su trabajo artístico ha abarcado la fotografía, la instalación, la música, la escultura y el vídeo. Ha sido el representante canadiense para la Bienal de Sydney (2002), la 47ª Bienal de Venecia (1997) y la Documenta IX, Kassel (1992). Entre sus más recientes exposiciones individuales destacan: Rodney Graham, Museum of Contemporary Art, Montreal (2006-07); Rodney Graham: A Little Thought, Art Gallery of Ontario, Toronto, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Vancouver Art Gallery, Vancouver y Institute of Contemporary Art, Philadelphia (2004-05); Rodney Graham (retrospectiva), Whitechapel Art Gallery, Londres, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf y Galeries Contemporaines des Musées de Marseille, Marsella (2002-03). Su obra se encuentra representada en importantes colecciones públicas, como The Museum of Modern Art y Metropolitan Museum of Art, Nueva York, Centre Georges Pompidou, París y National Gallery of Canada, Ottawa. Actualmente está dedicado a su carrera como músico. Vive y trabaja en Vancouver. Gary Hill (Santa Mónica, Estados Unidos, 1951) estudió en The Arts Student League en Woodstock, Nueva York. Iniciándose como escultor, comenzó a utilizar el vídeo en 1973 y desde entonces ha producido una importante obra en vídeo que incluye algunos de los trabajos más significativos en este campo. Ha sido merecedor de la prestigiosa beca de la McArthur Foundation (1988), y ha recibido premios de múltiples instituciones, entre las que se encuentran: New York State Council on the Arts, National Endowment for the Arts, Rockefeller Foundation (en dos ocasiones) y Guggenheim Foundation. Fue ganador del Premio León de Oro de Escultura en la 46ª Bienal de Venecia (1995). Ha sido artista residente en instituciones como: Television Laboratory de WNET/Thirteen; Synapse Video Center, Siracusa, Nueva York; Portable Channel, Rochester, Nueva York; Sony Corporation, Hon Atsugi, Japón. Sus cintas e instalaciones han sido vistas alrededor del mundo en numerosas exposiciones colectivas de festivales y museos. Destacadas exposiciones individuales y retrospectivas de su obra han sido presentadas en prestigiosas instituciones, entre ellas, Centre Georges Pompidou, París; Whitney Museum of American Art, Guggenheim Museum y The Museum of Modern Art, Nueva York; Musée d’ art contemporain de Montréal, Montreal; Museu d’Art Contemporani, Barcelona; Institute of Contemporary Art, Filadelfia. Vive y trabaja en Seattle, Washington. Craigie Horsfield (Cambridge, Reino Unido, 1949) realizó estudios de pintura y fotografía en la St. Martin’s School of Art, Londres (1968-72). Su producción fotográfica se inició a finales de los 60, aunque fue expuesta públicamente a partir de 1988. Durante más de treinta años ha desarrollado una labor fotográfica de gran implicación social y urbana. Sus ciclos fotográficos más recientes han sido el resultado de proyectos de colaboración entre instituciones artísticas y colectivos profesionales ajenos al circuito del arte. Entre las exposiciones individuales más importantes de los últimos años figuran: Relation, Jeu de Paume, París y Fundaçao Gulbenkian, Lisboa (2006); Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven (2000); Witte de With, Rótterdam (1998); Carnegie Museum, Pittsburgh (1994); La ciudad de la gente, Fundació Antoni Tàpies, Barcelona (1996); Walker Art Center, Minneapolis (1993) y Stedelijk Museum, Ámsterdam (1992). Participó en la Documenta XI, Kassel (2002) y en la Bienal del Whitney, Nueva York (2003). En 1996 estuvo nominado para el Premio Turner. Vive y trabaja entre Londres y Nueva York. Cristina Iglesias (San Sebastián, España, 1956) estudió en la Chelsea School of Arts, Londres. Es autora de una original obra escultórica, en la que combina materiales como hierro, cemento, cristal, resinas, fotografías o imágenes serigrafiadas. Comenzó a exponer su trabajo a inicios de los 80 y desde entonces ha participado en numerosas exposiciones internacionales. Entre sus exposiciones individuales más destacadas se incluyen las presentadas en el Museum Ludwig, Colonia (2006); Whitechapel Art Gallery, Londres (2003); Museu Serralves, Oporto (2002); Museo Guggenheim, Bilbao (1998); Palacio de Velásquez/ Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (1998); Guggenheim Museum, Nueva York (1997); One Room, Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven (1993) y Kunsthalle, Berna (1991). Integró la representación española en las ediciones 42ª y 45ª de la Bienal de Venecia (1986 y 1993 respectivamente). Entre sus últimos proyectos públicos figuran el techo suspendido del Convention Center de Barcelona, un estanque emplazado a los alrededores del Museo de Bellas Artes de Amberes y la nueva entrada del Museo del Prado, Madrid (2006-07, en colaboración con el arquitecto Rafael Moneo). Vive y trabaja en Torrelodones, Madrid. Sam Taylor-Wood (Londres, Reino Unido, 1967) estudió en el Goldsmith College, Londres y comenzó a participar en exposiciones colectivas en 1991. En 1995 tuvo su primera exposición individual, presentada en la galería White Cube de Londres, y desde entonces su renovador trabajo en el uso de la fotografía y el vídeo le ha merecido reconocimiento internacional. Recibió el premio Illy Café a la “Artista joven más prometedora” en la 47ª Bienal de Venecia (1997) y estuvo nominada para el Premio Turner (1998). Sus exposiciones individuales más importantes incluyen: Museum of Contemporary Art, Sydney (2006); BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead, Reino Unido (2006); State Russian Museum, San Petersburgo (2004); Sam Taylor-Wood, BAWAG Foundation, Viena (2003); Hayward Gallery, Londres (2002); Films and Photographs, Stedelijk Museum, Ámsterdam (2002); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (2000); Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC (1999); Louisiana Museum for Moderne Kunst, Humlebaek, Dinamarca (1997) y Kunsthalle, Zúrich (1997). Vive y trabaja en Londres. Bill Viola (Nueva York, Estados Unidos, 1951) estudió en la College of Visual and Performing Arts, Syracuse University, Syracuse. En sus inicios participó en el Synapse Video Center, un centro de vídeo experimental radicado en dicha universidad, y desde entonces ha desarrollado una de las carreras más destacadas en el campo del videoarte. Ha recibido numerosas becas y premios de instituciones como Rockefeller Foundation (1982), Guggenheim Foundation (1985), McArthur Foundation (1989) y National Endowment for the Arts (en cuatro ocasiones). Integró la representación de Estados Unidos en la 46ª Bienal de Venecia (1995). Entre sus últimas exposiciones individuales más destacadas figuran: Bill Viola: Hatsu-Yume (First Dream), Mori Art Museum, Tokio (2006-07); Bill Viola: The Passions, J. Paul Getty Museum, Los Angeles; National Gallery, Londres; Fundación “la Caixa”, Madrid (2003-05); Bill Viola: Temporality and Transcendence Museo Guggenheim, Bilbao (2004); Bill Viola. Going Forth By Day, Deutsche Guggenheim, Berlín (2002); Bill Viola: A 25-Year Survey, Los Angeles County Museum of Art; Whitney Museum of American Art, Nueva York; Stedelijk Museum, Ámsterdam; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt; San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco; Art Institute of Chicago, Chicago (1997-2000); Bill Viola: Installations and Videotapes, The Museum of Modern Art, Nueva York (1987). Es también autor de numerosos textos críticos en arte. Vive y trabaja en Long Beach, California. Jeff Wall (Vancouver, Canadá, 1946) estudió historia del arte en la University of British Columbia, Vancouver (1964-70) y realizó estudios de postgrado en el Courtauld Institute of Art, Londres (1970-73). Desde inicios de los 70 ha desarrollado una innovadora obra fotográfica, que le ha convertido en una de las figuras clave de la fotografía en el arte contemporáneo. Entre sus exposiciones individuales más importantes se incluyen Jeff Wall, The Museum of Modern Art, Nueva York (2007); Jeff Wall. Photographs 1978-2004, Tate Modern, Londres y Schaulager, Basilea (2005); Jeff Wall: Tableaux, Astrup Fearnley Museet, Oslo (2004); Jeff Wall: Landscapes, Norwich Castle Museum and Art Gallery, Norwick (2003); Jeff Wall: Figures and Places, Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main, Frankfurt (2001); Whitechapel Art Gallery, Londres (2001); Jeff Wall: Oeuvres 1990-1998, Musée d’Art Contemporain, Montreal (1999); Irish Museum of Modern Art, Dublín (1993) y Jeff Wall: Transparencies, Institute of Contemporary Arts, Londres y Kunsthalle, Basilea (1984). Vive y trabaja en Vancouver.
Exposición inaugural de la sala, de 3.000 m. cuadrados. Sobre la historia / On history , es el título de esta muestra que inaugura un programa de exposiciones temporales en la nueva Sala de Arte de la Ciudad Grupo Santander en Boadilla del Monte. Gloria Moure, Comisaria de la exposición, ha reunido a once grandes artistas contemporáneos, que ofrecen una serie de miradas inéditas de los procesos creativos del arte actual sin perder de vista los referentes clásicos de la historia del Arte. Sesenta y seis obras de James Coleman, Tacita Dean, Günther Förg, Rodney Graham, Gary Hill, Craigie Horsfield, Cristina Iglesias, Malcolm Le Grice, Sam Taylor-Wood, Bill Viola y Jeff Wall ofrecen en esta exposición una oportunidad única para reflexionar sobre el arte y la cultura de hoy en relación con la historia.
Sobre la Historia inicia un programa de exposiciones organizado por la Fundación Santander y que tendrá lugar en la Sala de Arte de la Ciudad Financiera del Banco Santander en Boadilla del Monte. Con este programa se intenta reflexionar sobre el arte y la cultura contemporáneas en relación con la construcción del pasado que conocemos como Historia.
Realizada a partir de obras de destacados artistas contemporáneos –algunos de los cuales han creado obras específicas para esta muestra–, Sobre la Historia pone de manifiesto que en nuestra época se ha mostrado falso el creer que los temas son específicos y aislados dentro de las fronteras históricas y nacionales. La idea de progreso y la ilusión surgida del fenómeno de lo nuevo no provoca sus consecuencias más serias hasta el siglo XX, al intentar desterrar todas las tradiciones. Reivindicando una libertad radical y pulverizando los valores establecidos, el proyecto moderno se ha fundamentado sobre el deseo de reinventar sin cesar nuevas formas. La crisis producida por la caída de los paradigmas que desde el siglo XIX lo sustentaban nos obliga a plantearnos preguntas y nos exige nuevas o viejas respuestas. Ante el concepto de proceso histórico dotado de una dirección definible y de un fin predecible, hoy somos conscientes de que dichos procesos se crean e interrumpen de modo constante a través de la iniciativa humana, por lo que las posibilidades de que mañana sea como ayer son abrumadoras ya que los hombres son los protagonistas de los acontecimientos que conforman la historia, y gracias a su capacidad de libertad y acción pueden configurar una realidad propia.
Concebida como una visión renovada desde un tiempo (presente) al que su definición de una postura frente al pasado y al futuro otorga consistencia, la exposición propone un recorrido a partir de las aproximaciones creativas de once artistas que usan mayoritariamente la fotografía, el cine y el vídeo como medios de expresión y que ofrecen una visión de los fenómenos artísticos posteriores a los setenta a la vez que pone de relieve las pulsiones y los procesos vigentes en el arte actual.
Gellért (1998), película de 16 mm de Tacita Dean (Canterbury, Reino Unido, 1965), se inspira directamente en la pintura Der Jungbrunnen, 1546 (La fuente de la juventud) de Lucas Cranach. Tacita encuentra en los baños de Gellért en Hungría el escenario contemporáneo donde se reconstruye la metamorfosis deseada. El film, producido a partir del montaje de diferentes planos fijos que recortan retazos de tiempo, nos da una idea de suspensión de éste cuando en realidad es un continuo que se convierte en presente.
El friso fotográfico de Günther Förg (Füssen, Alemania, 1952) es una de las obras creadas específicamente para la exposición. Este recorrido visual trata a las edificaciones como decantaciones materiales de la entremezcla de utopías y existencias reales, y poetiza sobre el meticuloso registro iconográfico de la modernidad a través de sus edificios emblemáticos. Las instantáneas subrayan las estructuras, las formas y las proporciones pero provoca la desmaterialización del objeto. La obra de Förg es esencialmente pictórica y con ella redefine el espacio como elemento estético primordial y compartido, extendiendo el concepto de totalidad habitualmente adscrito al paisaje.
Rodney Graham (Vancouver, Canadá, 1949) está presente en la exposición con una instalación y un doble díptico fotográfico. Lobbing Potatoes at a Gong (2006) consta, además de varios objetos, de una película inspirada en una anécdota que describe al batería de la banda de rock Pink Floyd tirando vegetales contra un gong durante un atasco en Londres en los años sesenta. En el film, rodado con cámara manual, el artista ha reconstruido esta performance y la ha representado como una situación de ficción en pase continuo. Tomando al artista Dan Graham como icono de la moda de la época, Rodney viste como si él hubiera sido un artista neoyorquino de ese momento (camiseta escocesa, tejanos y botas de trabajo). La música también ha sido la inspiración de Awakening (2006), dos dípticos fotográficos realizados a partir de una foto publicitaria de inicios de los setenta de la banda musical Black Sabbath. La imagen muestra a los componentes de la banda en un parque, de pie junto a un anciano tumbado en un banco, a quien Ozzy Osbourne señala con un gesto burlón, mientras los otros miembros de la banda ríen y miran a la cámara. En su obra, Graham ha tomado la posición del mendigo como una referencia irónica a sus propias aspiraciones de músico de rock. La escena, como él mismo indica, evoca también cierto espíritu de la pintura La vocación de San Mateo de Caravaggio: “Mi aproximación consiste en una “representación histórica” irónica en la que hago de performer”.
Gary Hill (Santa Mónica, Estados Unidos, 1951) en Conundrum (1995-98), con seis monitores montados horizontalmente sobre la pared, muestra en una secuencia continua a una figura masculina yacente (el artista) en sus reiterados esfuerzos por levantarse. La imagen se desplaza de pantalla a pantalla con un efecto de retardo, a modo de cadavre exquis de tiempo. El vídeo Site Recite (1989) es un movimiento de cámara a través de una mesa llena de huesos, calaveras, alas de mariposa y otros desperdicios (cáscaras de huevo, vainas, papelitos arrugados), todas reliquias que simbolizan el ciclo de la vida familiar en referencia a las naturalezas muertas y a la colección de piezas de gabinete. La voz que se oye murmura sobre su estado de conciencia y también sobre su relación con el mundo. CRUX (1983-87) fue originariamente concebido como una performance. Una vez instalada la pieza, el performer (el artista) es visto como una imagen compuesta en cinco monitores, posicionados en forma de cruz. Las grabaciones fueron realizadas con cámaras de vídeo sujetadas al cuerpo del artista, que registraron sus movimientos y sonidos mientras camina a través de las ruinas de un castillo.
Craigie Horsfield (Cambridge, 1949) ha realizado para la exposición, bajo el auspicio de la Fundación Santander, un proyecto de colaboración en la ciudad de Madrid. Una serie de retratos fotográficos producto del diálogo y la implicación de las personas retratadas. Las imágenes aluden más a la historia de la pintura que de la fotografía misma. Su interés por Velázquez lleva al artista a comentar: “Lo que encuentro convincente en los retratos de Velázquez es su particular modelo de relación con las instituciones de poder, en el que es posible hacer obra que reforma el valor desde dentro, lo que hace real la humanidad del retratado.” Horsfield considera la fotografía no como una ventana sino como una superficie, las fotos son oscuras y el énfasis está en la densidad de las superficies umbrosas.
El espacio configurado por los doce dípticos de seda de Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) es otra de las obras creadas específicamente para la exposición. La pieza conforma un recorrido donde se incluye a los observadores sustituyendo la contemplación por la experiencia. Esta extensión hacia lo que podríamos llamar arquitectura pictórica responde a una lógica configurativa establecida desde hace tiempo en su trabajo. Las imágenes serigrafiadas sobre la seda son intensamente dibujísticas y retoman la referencia al tapiz ya utilizado en sus primeras obras. Aunque sea en los límites de la percepción, el hecho de presentarlos levemente separados de la pared es una parte primordial de su concepción, en el sentido de que la materialidad y la objetualidad es un atributo más de la obra.
After Leonardo (1973-2007) es producto de la fascinación de Malcolm Le Grice (Plymouth Devon, Reino Unido, 1940) por el cambio y la transformación. Los signos de deterioro de la pintura que percibió en una ampliación fotográfica de la cara de la Mona Lisa publicada en una revista le sirvieron para años más tarde (1973) crear su primera versión. Filmando la fotografía y refilmando varias veces la cinta ya utilizada degradó la imagen pero añadió una nueva dimensión de tiempo, la de la duración de la performance. La obra se centra sobre un continuo puzzle del paso del tiempo y sobre la imposibilidad de la permanencia.
El tableau vivant como modelo híbrido entre lo pictórico y el teatro es síntesis de lo inmediato y de la temporalidad fijada, de manera que el presente aparece como si estuviera constantemente al borde del pasado. Estos trazos son de un importancia considerable en la elaboración de Soliloquio I (1998) de Sam Taylor-Wood (Londres, 1967), montaje fotográfico en referencia a La muerte de Chatterton (1856) del pintor inglés Henry Wallis, cuya composición recuerda, a su vez, La muerte de Marat (1793) de Jacques-Louis David. En el film A Little Death (2002) Taylor-Wood graba la putrefacción de una liebre colgada y de una pieza de fruta, tema común de las naturalezas muertas de la pintura del siglo XVII. Con ironía, la imagen se renueva una vez la película ha llegado al final y retorna.
En la obra The Greeting (1995), Bill Viola (Nueva York, 1951) recrea La Visitación (1528-29) del pintor manierista Pontormo. Presentadas como una sola toma desde una cámara fija y proyectadas en un formato vertical –más común a la pintura–, las acciones de las figuras son vistas en un movimiento de extrema lentitud. Una situación de 45 segundos se desdobla aquí en una elaborada coreografía de 10 minutos. En la obra se hace evidente la fascinante relación entre las viejas técnicas y los nuevos medios, así como la reformulación de conceptos básicos: “El material del vídeo no es el monitor, ni la cámara, sino el tiempo. Es un proceso de desdoblamiento, un hilo envolvente de un momento de vida”.
Jeff Wall (Vancouver, Canadá, 1946) ha desarrollado en su obra tipologías que le han permitido retomar géneros de la tradición de la historia del arte, como el paisaje, el retrato y la naturaleza muerta, introduciendo procedimientos de inspiración cinematográfica y puestas en escena que luego fija en la instantaneidad de la fotografía. En las obras expuestas (Cuttings, 2001; Logs, 2002; Poppies in a Garden, 2005) Wall explora las posibilidades expresivas del medio fotográfico en su acercamiento a la naturaleza, algo que corrobora de modo explícito: “El método en el que belleza y complejidad están reunidos es la naturaleza. Y la primera referencia del arte es la naturaleza”.
Gloria Moure
Malcolm Le Grice (Plymouth Devon, Reino Unido, 1940) estudió en la Plymouth College of Art (1957-61) y The Slade School of Fine Art, Londres (1961-65). Se inició como pintor pero a mediados de los 60 comenzó a hacer cine. Desde entonces ha expuesto regularmente en Europa y Estados Unidos, y su trabajo ha sido presentado en festivales de cine internacionales. Ha participado en importantes exposiciones colectivas, como la 8ª Bienal de París (1973), Une Histoire du Cinema, Centre Geroges Pompidou (1976) y Documenta VI, Kassel (1977) y ha proyectado en instituciones como The Museum of Modern Art, Nueva York, Musée du Louvre, París y Tate Modern, Londres. Numerosos trabajos suyos han sido retransmitidos a través de la televisión británica, incluyendo Finnegans Chin (1981), Sketches for a Sensual Philosophy (1988) y Chronos Fragmented (1995). Su principal trabajo desde mediados de los 80 es en vídeo y soporte digital. Ha sido crítico de la revista de arte mensual Studio International y ha escrito numerosos artículos sobre cine, vídeo y digital media. Ha publicado dos libros: Abstract Film and Beyond (Studio Vista y MIT, 1977) y Experimental Cinema in the Digital AGE (British Film Institute, 2001). Vive y trabaja en Londres.
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Premio. 12 nov de 2024 - 17 dic de 2024 / Madrid, España
Exposición. 26 nov de 2024 - 16 mar de 2025 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España