Descripción de la Exposición
DESDE EL 31 DE MAYO HASTA FINALES DE JUNIO.
La exposición está compuesta por obras de diferentes disciplinas: fotografía (Diana Coca, Abraham Calero, Rossy de Palma, Martínez-Bueno, José Barrionuevo, Kyungwoo Chun) pintura (Aggtelek, Ignacio Burgos, Santiago Palenzuela, Kepa Garraza) instalación de neón (Enrique Baeza) e infografía, (Alona Vinç).
El retrato es tomado en esta exposición como nota biográfica del artista que, por comparación y como conjunto de características psicológicas y físicas contextualizadas en un momento determinado, nos describe y construye el panorama de lo que entendemos hoy por identidad y el papel que juega en la formación de la una comunidad. Cada una de las perspectivas con las que realizan las descripciones, son piezas de un lego que con el que construimos nuestra realidad objetiva.
Muchas de las piezas que componen la exposición son autorretratos. En el caso Diana Coca y Rossy de Palma, ellas hacen de intérpretes protagonistas de sus fotografías. Las artistas están presentes pero no visibles, invisibles o fragmentadas. Camufladas en la naturaleza o en el paisaje urbano, una extraña presencia hace evidente su fuerte personalidad. La mascarada acentúa un punto de vista femenino, nos hace reflexionar no solo sobre el género, sino que nos dibuja un mapa de político, antropológicoy estético de la idiosincrasia de nuestra sociedad. En otros casos como el de Kyungwoo Chun y Kepa Garraza, el artista esta visible hasta la saciedad. Chun, mediante la representación de su linaje familiar, en el que la colección de mil (Chun significa miles) fotografías de personas con su mismo apellido, representan la importancia de la herencia cultural, y del recorrido genealógico para la construcción de una identidad. Kepa Garraza por el contrario, se hace presente mediante la impostura. El artista nos lleva en un viaje espacio temporal con sus pinturas hiperrealistas al óleo, donde aparece él retratado como un artista imaginario llamado Kepa Garraza (su alter ego) que nunca ha existido pero que ha vivido y se ha dejado retratar como personaje/artista famoso, con personajes famosos del mundo del arte y de la cultura desde finales de los 80. La intención de Garraza a la hora de elaborar esta parodia es, la de generar un discurso acerca de la percepción contemporánea del concepto de mito, y como esta percepción altera y transforma nuestra forma de ver la realidad y la manera que tenemos de comunicarnos socialmente.
Otra obra que demuestra que muchas veces, el hábito si hace al monje, es la fotografía de un guerrero Mau Mau de José Barrionuevo. Un hombre que en su día fue parte de los sanguinarios guerreros, se deja retratar solo con su máscara puesta, con la que se transforma en el personaje temido por todos, y el disfraz se vuelve poderoso.
Al contrario de lo que dicen, muchas veces las palabras valen más que las imágenes. Los Name Paintings de Aggtelek, son lienzos de gran tamaño, con los nombres de genios como George Baselitz o Pablo Picasso, escritos en mayúsculas con pintura de colores flúor. Estas pinturas nos abocan a preguntarnos y reflexionar: ¿Basta un nombre para describir a la persona? ¿Basta el nombre de la persona para tener una obra de arte de la misma? Los Aggtelek sostienen con esta colección, que el nombre ha sobrepasado al contenido. Enrique Baeza usa también la escritura, en sus Word Portraits, evidenciando que las palabras también pueden ser muy visuales. Baeza reivindica una comunicación íntima para salvar las relaciones personales en una sociedad líquida donde se han sustituido las conversaciones cara a cara por las comunicaciones digitales. Mediante dos o tres palabras, describe poéticamente a las personas que retrata.
Por otra parte, Ignacio Burgos en sus obras Heads, donde la forma queda en un plano poco definido, en el que el entorno y el fondo, son una amalgama que reflejan la identidad líquida y mutable, del yo actual. De la misma manera, Santiago Palenzuela con sus retratos deconstruidos y Alona Vinç con su infografía Restistencia, un busto 3d da vueltas y se deshace en burbujas poco a poco. Las pequeñas partes en las que se descomponen los personajes, conforman un ser superior lleno de incertezas, y confrontaciones, que impiden la construcción de la individualidad.
Por último, dos artistas describen, sin ni siquiera nombrar ni visualizar a las personas, numerosos aspectos de las diferentes personalidades que podemos encontrar. La colección After Shooting de Martínez-Bueno, en el que el artista hace un recorrido por los estudios de fotografía marroquís, donde la gente posa delante de una foto de su lugar ideal. Abraham Calero, con su colección Olvidados, rinde homenaje a los objetos que en su momento fueron importantes, para remarcar la importancia del tiempo y de la memoria en nuestro mapa vital. Los decorados y los objetos que nos rodean actúan en cierta manera de máscara; una máscara que delata la verdadera naturaleza de quien la viste.
BREVES NOTAS BIOGRÁFICAS DE LOS ARTISTAS:
Aggtelek
Aggtelek es el nombre artístico del proyecto de Gema Perales (Barcelona 1982) y Xandro Vallès (Barcelona 1978). Desde el 2004 han participado en exposiciones individuales en diversas galerías como Hilary Crisp (Londres), Galerie Adler (Fráncfort del Meno), Luis Adelantado (Miami, Valencia, Mexico) o Exile (Berlin), en instituciones y museos como el Instituo Cervantes (Bruselas), el Museo Het Domein (Sittard) o en bienales como la 2ème Biennial de Rennes (Rennes) o la X Bienal de Istambul. Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente en diversas exposiciones colectivas como "Remote Viewing" en MOCA (Los Angeles) o en el Mercati di Traiano en "Solo al Buio" (Roma). Además de su alta participación en ferias de arte, han sido premiados con el Emerging Artist Award en Beers.Lambert (Londres 2012).
Aggtelek llena de links, referencias, apropiacionismos y conceptos de BBQ de domingo, una propuesta pictórica que explota en diversos campos de creación y sistemas procesuales, sin olvidar los referentes a la pintura objetual post-fordista, los microbloggins y la "net-narrative".
Experiementando con los procesos y modelos de narratividad, almacenan y derivan diversas lecturas para construir bloques de entendimiento que rápidamente son sustituidos por otras ideas. Un "Conceptual Macaulay Culking" (concepto que se aburre en la soledad cotidiana y busca un fast-entretenimiento digital) entre absurdos que analizan el propio sistema del que nacen.
Abraham Calero Marimón
Abraham Calero, no viene de la formación artística, sino de una formación científica y analítica.
Desde sus inicios se dedica a la fotografía multidisciplinar, y ha publicado en numerosas revistas de moda, de buceo, arquitectura, medioambiente y prensa especializada. Sus clientes más destacados han sido Prenatal, KMAS, Victorio & Lucchino, Lenzing, Gloria Jover Studio, Hilados de España, Four Seasons, Neo2, Casa Viva, Katia, ENCANAL, Buceadores, Diving a fondo, BuceoXXI, Pilothouse, La Razon, Brisas (Ultima Hora), "Ambienta", mallorca-label.com, reservasmarinas.com, Phillipe Cousteau Foundation, Biodiversity Foundation, Ramon Areces Foundation, Ribermúsica Foundation, Xunta de Galicia, Ajuntament de Palma, Govern de les Illes Balears, Marineland, etc...También ha realizado portadas de libros para Ediciones Destino y Moixonia.
Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en todo el territorio nacional además ha sido seleccionado como uno de los artistas de PhotoEspaña 219. También ha participado en ferias como Arco y ArtMadtid en sus últimas ediciones.
José Barrionuevo
José Barrionuevo acumula un cuarto siglo de experiencia en los medios de comunicación. Ha alternado su doble condición de camarógrafo y fotógrafo en medios audiovisuales nacionales e internacionales como reportero gráfico y fotoperiodista freelance —suyas son las espectaculares miradas al corazón de África en las revistas Lookin y Angani— ha cultivado un estilo sobrio, lejano de artificios, buscador de la realidad.
Su vida cambia cuando viaja por segunda vez a la República Democrática del Congo en el año 2012. Allí pasa cinco intensos años en los que, cámara en mano, retrata un país que en sí es un oxímoron imposible de lo más oscuro y lo más brillante de África. Basado en Kinshasa, recorre la geografía congolesa en una serie de febriles viajes dignos de Conrad que se materializan en cientos, miles, de fotografías y dos exposiciones en las embajadas de España y de Cuba.
Tras el lustro africano regresa a Mallorca en busca del reencuentro con los suyos. Aquello que le empujó a marcharse le trae de vuelta. Y es cuando cae rendido ante la luz y las aguas del Mediterráneo. Sólo tras el delirio del Congo, la cámara—que es sus ojos— repara en aquello que siempre tuvo a su alcance y que por proximidad y costumbre no había apreciado.
Enrique Baeza
Formado en filología hispánica, comunicación y artes escénicas. Empezó su trayectoria con un proyecto de arte público en los cinco barrios de Nueva York y que luego ha recorrido más de 50 ciudades en los cinco continentes: Londres, París, Berlín, Madrid, Barcelona, Viena, Bangkok, Singapur, México DF, Buenos Aires, San Francisco, Niamey, Goma, Kigali, Sidney, Tel Aviv, Miami, Sao Paulo… Sus proyectos expositivos y performances han podido verse en Europa, Asia o América: en Surface Conversion Project en Nueva York, junto a artistas como Marina Abramovic o Juergen Teller; en Art Basel- Pinta en Miami, donde realizó Word Portraits a prestigiosos coleccionistas internacionales como Jorge Pérez (Pérez Art Museum Miami), Tanya Capriles de Brillembourg (Saludarte Foundation), Solita Cohen o Angela Missoni; en la Bienal de Estambul; en el Centro Cultural de Miami; en el Café de las Voces de Dora García, en la Fundación Brossa o en Vipper Room by Absolut Art, entre otros. Ha realizado Retratos de palabra a artistas como Bruce LaBruce, Antoni Muntadas o Pere Portabella, entre otros. Representado en Artsy por Kreemart junto a artistas como Maurizio Cattelan, Marina Abramovic, Mariko Mori o Los Carpinteros, entre otros. Aparición en más de 40 medios nacionales e internacionales como Miami Herald, WWD-New York Times, ABC, Jot down, El País, El Mundo, El Periódico, La Vanguardia, El Tiempo (Bogotá), AD, Arquitectura y Diseño, Instagram Javier Díaz Guardiola, Radio Nacional de España, Time Out, Metal, A-desk, Absolut Art, El Punt Avui, Jerry Saltz Instagram, Bonart, Tendencias, Wonder Projects, Diari de Mallorca, Horse Magazine, Atzucac, Última Hora, Joan Costa Institute, Periódico de Ibiza, Ventana del arte, Spend in, Le cool, Saatchi Art… Fundador del Proyecto Exclama pionero en el uso monumental de la palabra en el espacio público. Co-creador del grupo MITO que genera performances que activan el inconsciente de los participantes/usuarios a través de obras de arte en museos y fundaciones. Fundador de Divinas Palabras, un proyecto sobre el poder de la palabra y que vendió sus piezas en todo el mundo.
Ignacio Burgos
Ignacio Burgos (Madrid, 1968) se graduó en su ciudad natal, prosiguiendo estudios en la Hdk (Hochschule der Künste) en Berlín (1991-1993), donde realizó su primera exposición alemana. En 1996 se mudó a Nueva York y expuso su trabajo en varias ciudades de los Estados Unidos, seguido de una subvención del Ministerio de Cultura de Francia en la Cité Internationale des Arts. Posteriormente regresó a Madrid, y ha seguido exponiendo en galerías internacionales. A lo largo de su carrera, Burgos ha viajado mucho y ha vivido en diferentes ciudades, como Barcelona, Nueva York y Casablanca. Como resultado, su trabajo está intrínsecamente vinculado a sus viajes y experiencias. En el trabajo de Burgos podemos encontrar mujeres de China, soldados egipcios o nadadores en el Mar Rojo, historias reales que transmiten la atemporalidad y la universalidad, con el artista honrando a los clásicos a través del uso hábil del color y la velocidad de sus pinceladas. Burgos es el único artista español vivo que ha realizado una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Moscú, y su obra se encuentra en varias colecciones públicas, incluida la Obra Social Caja Granada, la Cité Internationale des Arts, París, el Museo de Brooklyn en Nueva York y la Fundació “la Caixa” en Barcelona, entre otros. Sus últimas exposiciones fueron en Koblenz, Alemania, París, Barcelona, Lisboa y NY.
Diana Coca
Diana Coca (Palma de Mallorca, 1977), artista e investigadora, es licenciada en Filosofía (UIB, Palma) y Bachelor of Arts with Honours, especialidad en fotografía (Brighton University), Máster en Investigación de Danza y Performance (CENART, México) y Doctoranda en Humanidades (UPF, Barcelona). Completa su formación en el International Center of Photography y Movement Research de Nueva York. Realiza numerosas residencias de producción e investigación en la Academia de España en Roma, Three Shadows Photography Art Centre en Pekín, CaSa en San Agustín Etla (Oaxaca), TJINCHINA Project Space en Tijuana, MACBA, Fabra i Coats en Barcelona y La Casa Encendida de Madrid en colaboración con el Aula de Danza Estrella Casero de la Universidad de Alcalá de Henares. Ha mostrado su trabajo fotográfico y performances en China, Corea, Hong Kong, Brasil, México, Chile, Argentina, Perú, Costa Rica, San Salvador, Guatemala, Marruecos, Jordania, EEUU, Inglaterra, Alemania, Italia y España. Su trabajo forma parte de colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales.
A través de la figura en movimiento y la fragmentación, Diana Coca utiliza el autoretrato como soporte para provocar esa violencia contenida del contraste multiplicador entre el ruido de los espacios urbanos, con la naturaleza pura y no violada por el ser humano. El cuerpo no aparece nunca por completo, sino más bien por partes o hecho astillas, dotando de subjetividad al propio autoretrato. Se quiere, de alguna manera, insertar nuestras mutilaciones posmodernas y sensoriales (el cuerpo ya sin órganos de Deleuze y Guattari) en un origen vegetal liberador.
Kyungwoo Chun
Kyungwoo Chun (1969, Seúl) ha estado trabajando durante muchos años en proyectos de fotografía e iniciando actuaciones en las que el público participa activamente. Chun logró el reconocimiento internacional a través de sus retratos, muchos de los cuales tienen una característica borrosa en sus movimientos, la consecuencia de los tiempos de exposición prolongados. Tan diversos como los enfoques artísticos parecen a primera vista, Chun considera que tanto las actuaciones como las fotografías son, en igual medida, "manifestaciones visibles de lo que no es visible". Desde principios de la década de 2000, los trabajos de performance han surgido en paralelo a la fotografía. Estos son procesos temporalmente limitados que pueden llevarse a cabo individualmente o en grupo. Como autor e iniciador, Kyungwoo Chun se retira en gran medida a un segundo plano. Establece un marco en el que los participantes pueden actuar de forma independiente. En general, tienen la posibilidad de dejar algo propio. A veces es un objeto personal, una fotografía o simplemente la respuesta a una pregunta. En otros casos, su presencia física ya es suficiente. La sensibilización a una percepción alterada del tiempo y la intensificación del diálogo con uno mismo y con los demás son aspectos esenciales de esta práctica artística. La obra de Kyungwoo Chun se ha presentado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Europa y Corea. Además, ha realizado numerosas actuaciones con la participación del público en muchas ciudades como Barcelona, Seúl, Berlín, Liverpool, Zurich, Mumbai, Bremen y Nueva York. La obra del artista está representada en importantes colecciones de museos, como el Museo de Bellas Artes, Houston (MFAH), Huis Marseille stichting voor fotografie en Amsterdam, Kunsthalle Emden, Museet para Fotokunst Odense, Musée Mac / Val en Vitry-sur-Seine, The Museum de Fotografía Seúl, Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Corea (MMCA) entre otros.
Kepa Garraza
Formado en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco, el Bradford Art College de Inglaterra y la Universidad de Barcelona, Kepa Garraza (Berango, Vizcaya, 1979) inicia su trayectoria expositiva en 2004, momento a partir del cual recibe diferentes becas de estudio y premios. Ha mostrado su trabajo en centros de arte como el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el CA2M de Madrid, el Artium de Vitoria, el DA2 de Salamanca, el Museo San Telmo de San Sebastián o la Fundación BilbaoArte de Bilbao, y espacios artísticos de otros países como Estados Unidos, Reino Unido, China, Perú, Chile o Alemania. Ha sido reconocido con el Premio Casa de Velázquez-Estampa en 2015, el Premio de Pintura de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos en 2013 o el Premio de Pintura Internacional Guasch Coranty y el Premio Obra Abierta en 2012, entre otros galardones. Su obra hoy es parte de los fondos de significativas colecciones públicas y privadas como Los Bragales, Circa XX, Ibercaja, Iberdrola-UEX, INJUVE, la Comunidad de Madrid, los museos Artium o Patio Herreriano y fundaciones como BilbaoArte, Focus-Abengoa, Guasch Coranty o María Cristina Masaveu Peterson.
La obra de Kepa Garraza reflexiona acerca de la naturaleza de las imágenes que consumimos a diario, invitando al espectador a cuestionarse problemáticas relacionadas con la identidad y la manipulación de la información. Su obra cuestiona los discursos oficiales, y pone en tela de juicio los procesos de legitimación institucional. Profundamente interesado en los procesos de construcción del relato histórico, Garraza invita al espectador a cuestionar la información obtenida de los medios de comunicación oficiales. Su reinterpretación de la realidad es siempre ambigua y confusa, llena de sutilezas y zonas grises que invitan al espectador a repensar el relato histórico y la crónica de la realidad. Su mirada irónica y ácida ofrece alternativas a la realidad que conocemos y nos propone un ejercicio saludable: dudar siempre de la versión oficial.
Javier Martinez-Bueno
Comienza sus estudios universitarios en Granada, en la facultad de Biblioteconomía y Documentación. Siguiendo su pasión, abandona la carrera para estudiar Fotografía en “La escuela de Artes” de la ciudad de Valencia y en el Centro Internacional de Fotografia y Cine “EFTI” y, más tarde, el Master EFTI como fotógrafo de “Moda y Publicidad” y “Fotografía de Autor”, donde aprende de Artistas como Chema Madoz, Cristina García Rodero o Alberto García Alix. Trabajo en Madrid en fotografía de moda y viajes para el sello Mothercare y revistas como Yo Dona, Trip, Woman, Mujer hoy. Es primer premio de la Colección Pilar Citoler, Finalista en el premio de Purificación García, y primer premio de Generaciones Caja Madrid. Además ha expuesto en ferias internacionales como Next Chicago, y en galerías como Carmen de la Calle en Valencia y SKL en Palma. Durante cinco años ejerció como Coordinador y Gestor de las Exposiciones del Centro de Arte Moderno “Hospital del Rey” en su ciudad natal, Melilla.
Rossy de Palma
Rossy de Palma es el nombre tras el que se esconde Rosa Elena García Echave. Una aclamada actriz española reconocida, no sólo por su trabajo interpretativo en numerosas películas dirigidas por cineasta Pedro Almodóvar, sino también por una filmografía que incluye casi un centenar de largometrajes españoles, franceses e italianos. La personalidad efervescente de Rossy de Palma ha inspirado un gran número de directores y escenógrafos con estilos muy personales; su "belleza cubista "ha sido inmortalada para fotógrafos y artistas nacionales e internacionales, y es la musa de los creadores más vanguardistas del diseño y la moda. Pero más allá de este cúmulo de experiencias y de un exitoso bagaje profesional, la profunda naturaleza creativa y transversal de Rossy de Palma se revela en la combinación de una célebre carrera en el mundo de la actuación, y de una serie de inquietudes artísticas multidisciplinares, como la fotografía y la poesía, la performance y la danza, la música y el teatro.
Santiago Palenzuela
Santiago Palenzuela (Santa Cruz de Tenerife, 1967). Licenciado en BB.AA por la Universidad de La Laguna busca, desde sus inicios, un arte personal, principalmente a través de la pintura. Su trabajo se ha mostrado en exposiciones individuales en la galería Estudio Artízar, en la galería Vegueta, en la Sala San Antonio Abad del CAAM, en el Gabinete Literario de Las Palmas de GC, en el Cabrera Pinto de La Laguna y ha participado en ART MADRID con la galería Vegueta, en ARCO 2014 con la galería Torbandena de Trieste También ha participado en numerosas exposiciones colectivas en museos y centros de arte como el CAAM, el TEA, el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada y en los museos de la ciudad de Bratislava y Praga. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas como las del CAAM, el Gobierno de Canarias, TEA, etc. Asimismo, Palenzuela ha recibido diversos premios y reconocimientos como el Premio de pintura del Puerto de La luz y de Las Palmas o el Premio Excelen de la Real Academia Canaria de Bellas Artes San Miguel Arcángel.
Alona Vinç
Alona Vinç es una artista cuya formación ha pasado a través de la Facultad de Bellas Artes de Granada y Altea, Ilustración en la Escola Massana, y Diseño Gráfico en EASDIB, Mallorca.
Ha participado desde el 2009 en exposiciones individuales y colectivas a nivel local, nacional e internacional. Alona Vinç ha sido merecedora de premios tales como el premio Emergencias de Caja Madrid, el primer premio Art Jove de Diseño Gráfico del Ajutnament de Pama, entre otros.
La artista juega, a través del arte, con la realidad aumentada, nutriéndose del entorno físico más próximo, del mundo real, haciendo gran hincapié en los deseos de la gente y en los sentimientos más ocultos y muestra la cara más fiel de la humanidad, con sus virtudes y sus defectos, con un estudio previo, formándose y nutriéndose para luego interactuar con el publico, de esta manera transforma en útil la experiencia virtual y nos lleva, a través de un clic, a un mensaje sonoro, una imagen o una poesía.
Exposición. 19 nov de 2024 - 02 mar de 2025 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
