Descripción de la Exposición
A partir del 21 de abril, la pintura será protagonista de los espacios de la planta baja del MARCO con la gran individual de Lluís Lleó (Barcelona, 1961).
Lluís Lleó heredó de su abuelo y de su padre la fascinación por las pinturas románicas del Vall de Boí. Este interés por las técnicas tradicionales se ve reflejado en su obra, en la que aplica la técnica del fresco a través de la utilización del pigmento en estado puro. Sus trabajos más recientes se caracterizan por una conjunción entre la escultura y la pintura, a medio camino entre figuración y abstracción. Lleó sabe combinar a la perfección pintura y relieve, confiriendo al conjunto un matiz casi arquitectónico. Esta especie de organicismo pictórico espacial en el que el material brota de la tela, es transmisor de dicotomías como lirismo-contundencia, presencia-transparencia y orden-caos.
La obra de Lleó ha reflexionado con frecuencia sobre el trabajo y los conceptos teóricos y espaciales de la arquitectura (caso de su serie sobre Álvaro Siza), a partir de cuestiones como la escala, las formas, los materiales, la geometría y la emoción. Y une, de un modo natural, el compromiso contemporáneo con el estudio y conocimiento de las técnicas clásicas.
Esta exposición, la primera en un museo español tras su regreso de Nueva York, donde ha residido durante varias décadas, muestra su obra de los últimos años –pinturas y dibujos sobre distintos soportes, grandes papeles flotando en los patios, esculturas y estructuras que dialogan con las salas de la planta baja–, junto a una selección de trabajos anteriores considerados referenciales. Como eje arquitectónico y simbólico de la muestra, la instalación que ocupa el panóptico central, donde el artista ha instalado una estructura circular de acero revestida de terracota pintada al fresco, compuesta por 365 bloques que componen un itinerario vital.
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TEXTO CURATORIAL
Pittore es el título con el que el MARCO de Vigo presenta, por vez primera en un museo español, una completa panorámica de la producción reciente de Lluís Lleó (Barcelona, 1961) desde su regreso de los Estados Unidos en 2017. Un trabajo, realizado en la distancia del retorno a su tierra natal, que ofrece una mirada retrospectiva e introspectiva de su experiencia de casi treinta años en América.
Bajo este epígrafe, extraído de un cuadro de Philip Guston, Lleó rinde homenaje a algunos de los artistas que le han inspirado –Eva Hesse, Jannis Kounellis: Hesse (2021-22 y 2023), Jannis en Lalibela (2023)– y a la misma pintura, que se despliega en la exposición en las más variadas técnicas y soportes, incluyendo disciplinas como la escultura y la instalación. Pero, sobre todo, Pittore es la afirmación como pintor de un artista con vocación de arquitecto –Yo quería ser arquitecto (2023)–, cuya obra se expande más allá de los márgenes del marco o del soporte pared –Nosotras (2020-22), Guetaria 1895 (2022-23)–, se abre a múltiples “ventanas” dentro del cuadro –Gould (2019), Acuérdate de mirar (2022), Paisaje líquido I y II (2022)– o construye entornos en los que habitar la pintura –Aquí vive un pintor (2022).
El corazón de la muestra es el panóptico, donde Lleó ha instalado una estructura circular de acero revestida de terracota pintada al fresco, The Perfect Year, una pieza iniciada en 2008 tras el fallecimiento de su padre, también pintor.
The Perfect Year es una suerte de dietario íntimo del artista: 365 son los bloques que componen esta obra en proceso en la que Lleó ha ido anotando paisajes, fechas, presencias y, sobre todo, ausencias. Un círculo espacio-temporal que viene a cerrar, de alguna manera, todo un itinerario vital.
A partir de este centro, el universo de Lleó se extiende por las galerías y patios del MARCO a través de pinturas sobre lino o papel y esculturas en madera y piedra cubiertas por fresco, óleo, acrílico, acuarela, tinta o grafito, piezas que dialogan entre sí y transforman la experiencia del espacio en un montaje que es una intervención. Todo un despliegue de técnicas que exhiben la maestría de un pintor afecto al oficio y que tienen su principio en el dibujo, la idea anotada en el cuaderno, que luego toma cuerpo en los más variados soportes.
Así, la serie sobre papel Nepal o Buhtan de 2015-16 –Cypris, Vitrea, Hecuba, Nestira…–, obras que llevan por título los nombres de las cuarenta y ocho variedades de mariposa Morpho. Un conjunto que evoca la delicadeza del lepidóptero y la fragilidad del soporte: dibujar en el ala de una mariposa. Pero también el grupo de esculturas titulado Oz (2022), bloques de piedra en forma de L invertida (¿LLuís LLeó?) de los que cuelgan papeles a cera y lápiz que insinúan los calcos para trasladar el dibujo al fresco y que se disponen al modo de los mojones de los caminos. Una serie que sugiere la idea, tan cara al pintor, de la pintura habitable, “refugio” momentáneo para el espectador en una obra, la de Lleó, que es siempre “una suerte de viaje”.
El trabajo de Lluís Lleó conjuga la intimidad y la apelación al espectador, la contundencia y la ligereza, la expresividad de técnicas y materiales y la depuración de las formas, para también disolver las fronteras entre abstracción y figuración, lo geométrico y lo orgánico, pues sus motivos, aun los menos referenciales, siempre remiten a emociones, recuerdos, paisajes o habitáculos vividos.
Rosa Gutiérrez Herranz y Miguel Fernández-Cid, comisarios de la exposición
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SOBRE EL ARTISTA
Nacido en Barcelona en 1961 y residente en Nueva York entre 1989 y 2017, Lluis Lleó actualmente vive y trabaja con un pie en el Ampurdán y con el otro en el aeropuerto, presto para partir a México, París o Roma. Lleó es en un creador apátrida, porque la única patria en la que se reconoce es la de la pintura, “clásico” y a la vez contemporáneo. Su obra está enraizada, por un lado, en la tradición vernácula y mediterránea del románico del Vall de Boí y de los fresquistas italianos del Trecento y el Quattrocento, que aprende de forma autodidacta por herencia de una saga familiar de pintores-artesanos y decoradores al fresco. Un legado que le transmite además el adiestramiento en el dibujo, el gusto por el oficio y una concepción arquitectónica de la pintura. Por otro, su carrera internacional en los Estados Unidos abrió su trabajo al diálogo con la modernidad americana del expresionismo abstracto al postminimalismo. Todo este aprendizaje y periplo vital le ha conferido una voz propia, a contrapelo de modas y tendencias, y ha hecho de él uno de los creadores más singulares de la escena artística actual.
Su trayectoria profesional arranca en los años 80, cuando, después de haber ganado muy joven algún certamen de dibujo y participado en varias colectivas, tiene su primera individual en la galería Arteunido de Barcelona (1988). En una década dominada por la gestualidad hiperbólica y el exceso, Lleó practica una obra silenciosa, de un contenido lirismo, que se expresa a través de motivos arquitectónicos de resonancias simbólicas sobre planchas de metal resultado de su aprendizaje con el grabado. Instalado en Nueva York desde 1989, seguirá exponiendo regularmente en diversas salas de Barcelona (Alejandro Sales, Carles Taché), Madrid (Antonio Machón, Carmen Gamarra) y Palma de Mallorca (Altair, Pelaires), además de tener una presencia internacional en galerías de Nueva York (The Elkton Gallery), Miami (MV Art), Hong Kong (Mindy Oh Gallery), Bruselas (Velge & Noirhomme Gallery, Maison Particulière), Berlín (Mc Laughlin Gallery) o Ciudad de México (Galería Estéreo), y en ferias como Art Chicago, Art Cologne, FIAC o ARCO. Su trabajo se ha podido ver también en numerosas colectivas nacionales e internacionales y en individuales en instituciones como Caixaforum (Girona, 2006), Centre d’Art Tecla Sala (Hospitalet de Llobregat, 2018) y el Instituto Cervantes (París, 2017).
En Estados Unidos entra en contacto con el esencialismo transcendente de un Rothko o una Agnes Martin, el reduccionismo de un Albers, el hard-edge y shaped canvas de Ellsworth Kelly, el trabajo con la cera de Jasper Johns y la sensibilidad hacia los materiales de escultores como Christopher Wilmarth, Eva Hesse, Martin Puryear o Isamu Noguchi. La obra de Lleó se abre a los grandes formatos e inicia un proceso de depuración, sin renunciar a lo expresivo y vivencial de raigambre europea, al tiempo que incorpora nuevas técnicas, como la cera o el fresco, y soportes, como la piedra, la madera o el acero, y recupera la disciplina del dibujo sobre papel Buhtan y Nepal. Paralelamente, su obra se extiende al espacio: se despega de la pared, gana en volumen, se integra en estructuras circulares, murales o pedestales. En 2002 inicia sus colaboraciones con arquitectos como I. M. Pei (World Trade Center, Barcelona) o Rafael Moneo (South Souks, Beirut, 2010) y en 2014 aborda la escultura pública (Stones, Canapost, Girona) que consigue llevar a Park Avenue de Nueva York (Morpho’s Nest in a Cadmium House, 2017), allí donde han expuesto artistas como Dubuffet, Léger, Indiana, Haring o Christo.
La obra de Lluís Lleó está presente en museos y colecciones como Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Colección Banco de España, Madrid; Colección BBVA, Madrid; Colección Rafael Tous e Isabel de Pedro, Barcelona; Col·lecció Banc de Sabadell; Museu d’Art Contemporani Es Baluard, Palma de Mallorca; Col·lecció Testimoni, Fundació “la Caixa”; Fundació Suñol, Barcelona; Colección Fundación Coca-Cola, Madrid; Fundación Francisco Godia, Barcelona; Colección OlorVISUAL - Fundación Ernesto Ventós, Barcelona; Colección Mango, Barcelona; Hotusa, Barcelona; Fundación Laboratorios Salvat, Barcelona; The Morgan Library, Nueva York; Princeton University Art Museum, Nueva Jersey; World Bank, Washington, DC; The Andreas H. Bechler Foundation, Charlotte, NC.; Mint Museum of Art, Charlotte, NC; Pérez Art Museum Miami; Fidelity Investments Corporate Art Collection; Bank of America Collection; Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber, Caracas; Nagoya Art Museum, Japón; Collection Tore A. Holm, Oslo; Otten Kunstraum, Hohenems, Austria; Näder Collection, Berlín; Collection Bank for International Settlements, Basilea; Maison Particulière, Bruselas.
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