Dossier de "Óptica Mióptica · Posdata es arte"
Descripción de la Exposición
Nicolás Consuegra· Óptica mióptica
Como lo ha manifestado en proyectos anteriores, Nicolás Consuegra emplea elementos de uso cotidiano para abordar temas que le interesan sobre el espacio, las relaciones entre lo funcional y lo no-funcional así como la percepción visual; temas que a su vez le permiten responder a inquietudes que tiene en torno al trabajo (como actividad simbólica y material), y valores socioculturales como la unidad y la colectividad.
En Planta libre, Nicolás recuerda el paradigma arquitectónico del mismo nombre en una situación donde el modelo y la mano (que le da forma) se entrelazan para cuestionar la dimensión simbólica de cada uno. Los dedos-pilotes, sugieren cierta estabilidad constructiva, sin embargo, la disposición de los planos nos hace reflxionar sobre el movimiento orgánico de los dedos. Para Nicolás, esta situación intenta señalar el orden y la disciplina que ha ejercido el modelo (moderno) en los espacios geográficos en los que que se ha implementado y cómo son estos últimos, han acogido o resistido a dicho modelo.
Un espejo con la figura de una malla entrelazada —y qué da el título a esta misma exposición, Óptica mióptica—, nos indica la tensión entre nuestra especular y una pieza que también nos sugiere la posibilidad de mirar a través.
En El principio del trabajo, se observa una mesa de comedor que se prolonga, para proyectarse a manera de palíndromo o de antípoda de sí misma. ¿Son los individuos/fuerza de trabajo (las sillas) quienes soportan el sistema/capital (la mesa) o es el sistema quien soporta a los individuos?. Cerca de esta pieza hay otra que también está compuesta de elementos similares pero ligada a referentes distintos (la “metáfora paterna”, según Lacan, entre otras ): en La muerte del padre, las sillas crecen a manera de rizomas de una mesa que indica una posición cesante.
En Mirada sin nombre, Nicolás plantea una serie relaciones en torno al acto de observar y ser observado, así como de la posibilidad del desplazamiento espacial de la mirada. Por la disposición espacial de estas piezas, Nicolás también refrlexiona en torno a la formalidad o informalidad del negocio inscrito en un ámbito artístico.
La presencia de dos búhos que descansan sobre su palo y titulados Naturaleza muerta, traen a la vida la marca de Colcultura —entidad creada en 1968 y que dejó de existir para dar paso al actual Ministerio de Cultura en 1997. Las dos versiones, diseñadas por Marta Granados (figura elongada, ca 1968) y Carlos Duque (figura triangular, 1983) respectivamente, señalan la tendencia de ciertas instituciones por emplear esta ave como parte de su identidad visual. El búho, que también se asocia con la figura de una lechuza (y más estrictamente un mochuelo), tiene un antecedente en occidente de ser el ave que acompaña a Atenea, diosa de la sabiduría y las artes, entre otras. Pero su uso no ha sido constante desde la antigüedad. Hegel por ejemplo, la trae de nuevo a la luz, citando la lechuza en el prefacio de sus Fundamentos de la filosofía del derecho (1820), y Ortega y Gasset la utiliza como sello de la emblemática Revista de Occidente (1923). En nuestro contexto, este búho —o mejor dicho— estos búhos, marcaron una época de la cultura en Colombia y fueron una suerte de figuras tanto vigilantes y enigmáticas como perdurables; aún cuando Colcultura dejara de existir.
En La esquina flaca, Nicolás señala el punto donde los planos de las paredes y el suelo se juntan, pero al hacerlo, se funden las unas con el otro. Esta es una pieza que recuerda un trabajo previo suyo, en el que dio una presencia primordial a un fondo sinfín —dispositivo utilizado en el campo de la fotografía y cuya condición es no ser visible—.
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Posdata: es arte
El término Bellas Artes se consolidó en el Siglo XVIII para referirse a las principales artes y buen uso de la técnica. Incluyó disciplinas como la escultura, la danza, la pintura, la poesía, la música y la arquitectura y buscaba dar unos ciertos parámetros para definir el buen gusto.
Aunque la sociedad es terca en entenderlo, lo artístico desde hace más de un siglo, ya no es una cuestión de “buen gusto”. El arte como ornamento pasa a segundo plano y se convierte más en un proceso de pensamiento. Lo que en sus inicios fue un camino evolutivo hacia la belleza y la ilusión, se vuelve una caída al vacío, algo indefinible, inabarcable, la obra de arte se desmaterializa, se vuelve filosofía de pensamiento y se aleja de lo comprensible.
¿Qué es arte y qué no lo es? La pregunta surge como punto de partida del proceso artístico desde inicios del siglo XX, en donde artistas como Duchamp respondieron con un orinal o Piero Manzoni con tarro de mierda. La pregunta puede resultar tautológica, puesto que arte es lo que el artista decida que lo es.
Bajo estas premisas se presenta dentro del programa Visionarios el trabajo de los artistas Pedro Terán y Santiago Rebolledo.
Pedro Terán (1943, Barcelona, Venezuela)
Pedro Terán, es un artista cuyo trabajo redefine los parámetros del arte venezolano en la década de los setenta al introducir prácticas conceptuales que buscaban plantear la pregunta de qué tan posible es que la vida misma sea arte. A la par que artistas en otras latitudes, involucrar la cotidianidad desde sus objetos y actividades fue fundamental para Terán quien salió a la calle a realizar sus obras, buscando que el arte estuviera en el deambular. Así puso sellos con la palabra arte en los cuerpos de transeúntes y en el espacio público, igualmente dispone huellas en los andenes para introducir nuevas maneras de caminar.
Es un honor para el Instituto de Visión recibir a este visionario 35 años después de su participación en uno de los eventos más trascendentales para la redefinición de las artes visuales de Colombia, como fue el Coloquio de Arte no Objetual realizado en Medellín en 1981, con la coordinación de Alberto Sierra y la Dirección artística de Juan Acha. Allí Terán presentó el performance “Nubes para Colombia” en el cual tomando el mito de “El Dorado” hizo una versión de ritual/ofrenda con su cuerpo pintado de oro.
Santiago Rebolledo (1951, Bogotá, Colombia)
El grupo Suma se engloba dentro de un vasto campo de colectivos que participan en el circuito artístico de México a finales de los setenta, años de los cuales hacen parte artistas jóvenes deseosos de incorporar en su obra la crítica a una sociedad llena de tensiones sociales y marcada por la violencia del estado. El evento crítico que catapultó una cascada de trabajos artísticos y que fue dramáticamente ilustrado fue el 2 de octubre de 1968, cuando la ciudad fue sede de los Juegos Olímpicos, durante los cuales hubo una importante manifestación estudiantil en la Plaza de las Tres Culturas que fue dispersada violentamente por la policía y en donde hubo cientos de muertos.
Los artistas de Suma, dentro de los cuales estaba Santiago Rebolledo, trabajaron mayoritariamente bajo la sombrilla del colectivo que firmaba con sus siglas y logo (una águila mexicana) para mantener un anonimato que los protegía de las arbitrariedades del estado ante sus actos de protesta. Este grupo buscó redefinir el arte acercándose de una manera diferente al público, y construyendo su práctica sin depender de las instituciones. Incorporaron en su obra el reciclaje, usando carteles arrancados de paredes y otra serie de desechos.
Aunque su trabajo fue primordialmente realizado en colectivo, es importante destacar al igual que sucedió con el Taller 4 Rojo en Colombia que hay una serie de enfoques personales, que aparecen aquí y allá. Santiago Rebolledo utiliza el vocabulario urbano – los objetos encontrados, recortes de revistas, sobres, estampillas, afiches de políticos- para hacer collages y plissages que combinan y superponen recortes y que hacen uso de manera pionera de la mimeografía y fotocopia.
María Wills Londoño
Exposición. 19 nov de 2024 - 02 mar de 2025 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
