Descripción de la Exposición
Abrimos nuestro espacio a diez nuevas miradas, diez nuevas formas de transmitir la esencia de lo que nos rodea, a diez nuevos lenguajes y diez nuevas oportunidades de dar a conocer esa obsesión que persigue a todo artista, ese impulso que evita que tenga las manos quietas.
Diez nuevos artistas se unen a nuestro espacio cuyo trabajo es el reflejo de las inquietudes expresivas contemporáneas.
La galería se convierte así en una extensión aglutinadora de nuevas propuestas donde se conjugan las artes plásticas, la música y la acción intelectual con la gastronomía.
Lucía Espinós (Madrid, 1983)
Artista Plástica. Arquitecta por la Universidad Politécnica de Madrid.
Cuerpo y Cuerpo es un proyecto que nace de la necesidad de sentir en alto. Es un relato donde las palabras no entran, se perdieron en el intento de expresarse a gritos, de dolor, de vida, de dulzura y pena, de amor y rabia, de agotamiento y finalmente de aceptación y calma.
“Quería recuperar ese cuerpo interno que había muerto, hacerlo vivo como la piel que recogía las lágrimas, coserlo como mi vientre y amarlo como a la vida. Cada cuenca embebida en huesos que sujetan músculos y que visten almas. Las manos acomodadas en la espera, conscientes y transformadoras, a ellas hago honor con este trazo continuo”.
El trazo que no duerme sólo, se acompaña de minúsculos vacíos que hacen de él la materia y la identidad. Su repetición y su escala, como mantra incansable que hace los segundos armónicos y la armonía epifanía. He tirado todos los disfraces para rogar al presente que exista en mí.
Cuerpo y Cuerpo habla de lo delicado de la existencia, de lo que permanece a pesar de todo, a pesar de la muerte. Es un remedio para el dolor de vida y un confesionario de la belleza. También es una revelación de intenciones, quiero mostrar lo que sucede cuando decides vivir, reconocer la geografía de la piel para hacer de uno mismo el mapa del tesoro.
Diez figuras que se juntan para hacer un solo cuerpo, de pecho abierto y mirada atenta, de eterna transformación.
Ángela Brun (1988, Toledo)
Licenciatura de Bellas Artes, Universidad de Castilla-La Mancha
Se define a sí misma como artista multidisciplinar ya que, dependiendo de cada reflexión ejecutada, recurre a una técnica u otra: pintura, collage, ilustración, instalación, vídeo o performance. El conjunto total de su obra bien puede considerarse su mayor Resistencia. Dicha obra manifiesta, desde cierto nihilismo y sarcasmo, los puntos de interconexión de las distintas culturas, así como los activismos emergentes en una sociedad y su inconsciente. Es Licenciada en Bellas Artes (Universidad de Castilla-La Mancha, 2012) y ha venido participando en varios eventos culturales y exposiciones colectivas, unas veces en tanto vocal-performer y otras como artista plástico. El estilo que mejor la describe es el Surrealismo en estado puro, con todos sus matices revolucionarios y reivindicativos. Reside en Madrid y está pluriempleada. Para ella, las artes son la Zona Cero donde poder expresarse como un volcán dentro de una semilla portada en el pico de un ave que planea, a su libre albur, por el aire.
María Tudela
Posiblemente, sí primero hubiese aprendido sobre Fotografía antes que sobre edición, hoy no haría las fotos que hago. Y posiblemente, sí primero hubiese empezado a hacer fotos con una cámara réflex, en lugar de mi querida compacta (Que tan buenos ratos me dio), hoy tampoco haría las fotos que hago.
Ese amasijo de casualidades hizo que quedara atrapada en la Fotografía creativa, infinita y limitada sólo por mi imaginación.
A veces lamento no haber descubierto la fotografía mucho antes en mi vida, pero entonces tampoco haría las fotos que hoy hago. Supongo que es inevitable que en alguno de los píxeles de mis fotos no sólo esté plasmada mi visión, o mi postura ante la realidad, mi manera de ver o sentir, sino además mis propias vivencias a lo largo de mi vida.
Mi nombre es María Tudela Bermúdez, y aunque llevo varios años haciendo Fotografía, fue hace poco cuando decidí mostrar mis fotos más allá de familiares y amigos.
Las defino "imperfectas", porque en realidad no busco la armonía entre enfoque, distorsiones, ruido, o composición para que la imagen quede impecable. Para mí, una fotografía es más que la técnica, la belleza o la estética que la envuelve. Tiene el maravilloso poder de provocar emociones, y es en esa parte en la que deseo y en la que trabajo. Una fotografía no es sólo para mirarla, existe para sentirla...
Orientada más a la Fotografía creativa y artística, utilizo el desenfoque, las texturas o cualquier medio que me permita separarlas de la representación de la realidad fielmente, pero no alejarlas de ella. Intento plantear con mi trabajo, que se puede crear fotografía aprovechando las herramientas que hoy nos brinda la edición como forma de expresión artística. Intento plantear que se puede crear fotografía sin desvirtuar la realidad y por ello a la propia Fotografía.
Atrapada entre el blanco y negro, mis protagonistas son siempre anónimos, inspirados en la cotidianidad, las actitudes humanas, el día a día, la vida. Jamás muestro un rostro en mis fotos. Con un torso o una silueta pretendo el acercamiento e interacción con el espectador, pues no persigo decirlo todo, sino insinuar lo suficiente y dejarle el resto.
TANABATA
Tanabata es el proyecto artístico de Silvia Alberdi y Tone Alexandru. Ambos realizan su obra de forma individual, así como composiciones mixtas donde fusionan su visión creativa. Conviven, en el universo de estos artistas; la sensibilidad, la crítica, y un sentido del humor que siempre nos lleva a la reflexión.
En sus piezas únicas, siempre realizadas de forma manual, a menudo nos encontramos elementos aparentemente cotidianos que nos muestran otros puntos de vista. Papel, tijeras, acuarelas y tintas son los mecanismos de este universo creativo lleno de frescura que se sirve de la simplicidad para mostrarnos la profundidad de las cosas.
Silvia Alberdi (Santander, 1972). Dicen que empezó a pintar antes que a hablar, y sus compañeras de colegio la recuerdan como esa niña que siempre estaba dibujando en clase. Hija y nieta de artistas se crio entre cámaras de fotos, pinturas y caballetes. Varios años en Tokio le sirvieron para adquirir esa atmósfera delicada que es el eje central de su obra. Escritora e ilustradora comenzó sus proyectos editoriales en París, ciudad donde residió varios años, y en la que sigue trabajando. Actualmente vive en Madrid donde realiza su labor de acuarelista mientras explora el collage y da rienda suelta a todo su proceso creativo publicando con varias editoriales nacionales.
Alexandru Tone (Alexandría – Rumanía, 1987). Creció envuelto en la quietud de los largos inviernos de su Rumanía natal. Su pasión por la naturaleza le hizo compaginar sus inquietudes artísticas con la formación de atleta profesional. Así fue como su obra empezó a reflejar la profundidad que el deporte confiere a la vida: una carrera de fondo, donde la energía es fundamental para avanzar. Pronto descubrió en el collage una forma de expresarse sin limitaciones. En 2012 se instala en Madrid, ciudad donde comienzan su etapa más fructífera y donde la obra va ganando profundidad. Este artista realiza a mano todas sus composiciones. Su lenguaje visual se caracteriza por la crítica, el surrealismo y un particular sentido del humor, algunas de sus obras nos pueden dejar sin aliento.
Blanca Quintas (Madrid, 1986)
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid.
“Me mueve pintar la belleza que me rodea, que se encuentra en las personas, los paisajes, las cosas, las situaciones cotidianas. Me inspiran los momentos bellos, las emociones, el misterio de lo oculto que no se desvela, el color y las formas infinitas que se enlazan unas con otras a mí alrededor. En cada una las personas hay un misterio de vida que pretendo capturar y fijar en una imagen perdurable.
El óleo me permite lograr una cantidad de matices cromáticos que no encuentro en otro medio, llegando con más profundidad a lo que yo quiero volcar en el lienzo.
A veces, uso la cámara fotográfica como una herramienta más para ese fin, porque me permite recordar con más intensidad esos momentos estéticos y al convertirlos en pintura, se transforman en algo más tangible, duradero y poético.
Para mí, la pintura es una ventana que comunica lo real con lo soñado, lo natural con lo artificial, de mi propio mundo”.
Ángel Hidalgo Malagón (Urda - Tledo, 1964)
Autodidacta, alumno de la observación y de la experimentación.
Realismo localista, objetos cotidianos en desuso, rincones olvidados, retratos.
Entre otras cosas, fotógrafo. Y como a él le gusta definirse, manchego de nacimiento y de profesión.
Desde muy joven siente inquietudes artísticas que no se materializan hasta 2.009 asistiendo a los cursos de fotografía impartidos por Pablo Sanjurjo, Profesor de Fotografía y Teoría de la Imagen en la Universidad Carlos III de Madrid. Desde entonces no ha parado de perfeccionarse en un arte que le ha permitido retratar como nadie la vida cotidiana de los objetos y rincones olvidados que pueblan la memoria de todos aquellos que aman su tierra y su más humilde patrimonio.
“El recuerdo de esos objetos inanimados y rincones olvidados que poco a poco van sucumbiendo a la voracidad inhumana de la piqueta del presente y que dentro de poco solo pervivirán en la memoria de unos pocos. Ha sabido captar el alma de una cama vieja, el misterio de una ventana a ninguna parte o la necesidad de llamar a una puerta cerrada hace muchos años. Y al mismo tiempo descubrir el placer que nos ofrece su contemplación. Ha conseguido despertar en el espectador el interés por conocer qué historias pueden encerrar o que historias nos podríamos imaginar”. (Ángel Fernández Andrade. Crítico. Octubre 2013)
Jonathan Faus (Valencia, 1985)
Realiza sus estudios de imagen audiovisual en IES Marxadella de Torrente.
UNA MIRADA INDISCRETA
Una mirada indiscreta nos conduce a través de un juego visual de reflejos y superposiciones a un mundo tan incierto como real, se trata de un ejercicio mental que nos plantea dos mundos enfrentados.
El mundo real de las personas se une al irreal de los maniquíes creando así un escenario único donde todo es posible, el concepto de realidad se desvanece dejando lugar a la imaginación. Las personas ceden el protagonismo de su realidad para pasar a ser una pequeña parte de otra realidad efímera y abstracta.
En sus dos últimos trabajos “Banzai Japan” y “Hakone Lake” si bien mantiene su mirada en la ciudad, esta vez nos traslada a Japón para mostrarnos el contraste entre tradición y modernidad así como sus característicos paisajes que evocan a una mirada íntima y reflexiva.
Concha Muñoz (Madrid, 1961)
FP de Grado Superior, especialidad Diseño e Ilustración artística. Escuela Superior de Artes y Oficios 10, Madrid
La idea de la fusión de mujeres con sabores surge en el 2014, al retratar una mujer africana que evoca sabores como el chocolate y el coco. La fusión consiste en ambientar lugares del mundo con sus mujeres autóctonas, en un intento al mismo tiempo de integrar sus raíces con sus características físicas.
Como ya se sabe, la figura de la mujer siempre ha estado mayoritariamente presente en el mundo de la gastronomía. Éste proyecto es un homenaje a la mujer, por su habilidad y entrega en la organización y cotidianidad, en todas las culturas del mundo.
Es una colección que no ha terminado, merecen especial atención la cocina mediterránea, la española, italiana, etc.
Marc Llach (Girona, 1981)
Grado superior de Imagen en la escuela ITES de Barcelona.
At Minimum nace con la vocación de explorar y analizar, desde un punto de vista crítico, la estética predominante en las zonas industriales que cercan la mayoría de nuestras ciudades y pueblos. Porqué estas periferias modernas construidas por la sociedad contemporánea no dejan de ser un testimonio nítido de los valores que guían a ésta. En estos paisajes desolados podemos observar el control feroz que ejerce la sociedad moderna sobre su entorno más inmediato. Y esta situación, inevitablemente, se traduce en unos espacios sin personalidad, con una cierta estética infantil y que son el resultado de una ruptura unilateral con el medio natural.
Podríamos decir que su naturaleza acontece mínima, proyectándose como un pobre reflejo de las ciudades que los han visto crecer.
Cuando empecé a estudiar fotografía no tenía muy claro hacia dónde dirigir mi mirada. Hasta que el día llegó. Me dijeron que tenía que hacer un pequeño reportaje, de unas diez fotografías. Era algo aparentemente sencillo, pero recuerdo que me sentí abrumado. Tenía tanto para escoger… tantas posibilidades como una ciudad como Barcelona te puede regalar. Finalmente, me decidí por la fotografía de paisaje.
Lo que podría parecer una elección puramente arbitraria, con el tiempo y la experiencia aprendí que respondía a una vibración más profunda y escondida. El paisaje me da la oportunidad de poner una lupa sobre la sociedad en general y, por ende, sobre mí mismo.
La fotografía para mí es básicamente aprendizaje, y qué mejor manera de hacerlo que descifrando el escenario que dejamos inexorablemente tras nuestro paso.
Josep Mira Tomás
Artista sonoro
Uso del sonido electrónico como materia prima principal en sus creaciones artísticas o técnicas. De carácter ecléctico, prioriza la sensación a la representación, tanto en la concepción como elaboración y exposición de su estética musical. Diseñador de sonido que, a través del procesamiento del primer material sonoro, recrea un nuevo sonido, transformando o no la naturaleza del sonido inicial. El procesamiento del sonido a través de medios electrónicos como motor principal de su trabajo.
“AMBIENCE”
Clip de audio estéreo reproducido en bucle, dilatado en el tiempo, a partir de material electrónico grabado, generado y/o procesado. Material generado quasi interminablemente a través de un generador o procesador digital.
De carácter tenue, la temporalidad de los sonidos organizados en el tiempo no responde a ningún intervalo, sino se pretende, a través de la repetición en loop interminable del clip, impregnar al oyente de un material inmóvil a la vez que restaurado continuamente.
Exposición. 19 nov de 2024 - 02 mar de 2025 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
