Descripción de la Exposición
«La oscuridad es mi caldo de cultivo. La oscuridad es hechicera. Te estoy hablando y me arriesgo a la desconexión, soy subterráneamente inalcanzable por mi conocimiento.
…
Estoy en este instante en un vacío blanco esperando el próximo instante. Contar el tiempo es sólo una hipótesis de trabajo. Pero lo que existe es perecedero y esto obliga a contar el tiempo inmutable y permanente. Nunca ha empezado y nunca acabará. Nunca.
…
Y yo vivo al margen, en un lugar donde la luz central no me quema. Y hablo muy bajo para que los oídos se vean obligados a estar atentos y a escucharme.
…
Yo estoy escuchando ese silbido en la oscuridad. Yo, que estoy enferma de condición humana. Me rebelo, no quiero seguir siendo humana.»
Clarice Lispector, Agua viva, 1973.
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Cerrar los ojos con mucha fuerza. Ni aún así conseguimos estar en la oscuridad absoluta. El negro detrás de las membranas de los párpados está rodeado de una reverberación rojiza. Cuanto más fuerte es la acción de cerrar, más destellos blancos aparecen y desaparecen. Abrir los ojos y mirar directamente a una fuente de luz. La claridad es tal que tampoco se pueden distinguir otros contornos. Es una oscuridad blanca y resplandeciente. Entreabrir los ojos mirando directamente al sol. El círculo es lo único siempre presente, vibrante.
Los ojos humanos no son útiles en la negrura total o en la luminosidad plena. Su función perceptiva se trastoca, casi se anula. Tenemos que aprender a relacionarnos con lo otro, con las que nos rodean -entidades, historias- con sus formas que se disuelve ante nuestra visión, ante nuestra lógica. El intelecto normativizado se ve superado como único agente de ordenación del mundo.
La piel, como la del párpado, es ahora la interfaz, extendida. El susurro, en un silencio que nunca es absoluto, es el que nos da indicios. El cuerpo, en el tiempo y en el espacio, toma otra densidad, otra medida, otra forma de moverse.
Aquí, intentamos pasos de nuevas coreografías que recorren estratos físicos, temporales, pero también matéricos, matemáticos, narrativos… seres de composiciones impensables, algoritmos entendidos como ciclos abiertos y no como límites computados, las voces subalternas de los que vivieron en un margen de la estructura definida y absoluta, que dieron cuerpo y aire y fueron sumidos en un olvido, cercas de campos que están para saltarlas, burocracias que no definen una identidad ni una relación con la tierra.
Queremos superar el binomio oscuridad–luz, civilizado–salvaje y humano–naturaleza, cuyos límites se borran en una propuesta de volver a mirar no (sólo) con los ojos. Abrirse a otras posibilidades de nuevas concepciones del espacio y al reconocimiento de otras agencias que lo habitan –ocultas en la sombra, sucediendo en el margen– que disuelven la forma, la consensuada, y dan el tiempo para plantear nuevos modos de relación. Superada también la necesidad de un contorno definido, no por negar su identificación, pero si por negar en él todo lo que queda fuera: de la historia de los vencedores, de los sistemas socioeconómicos globalizados, de la productividad útil y utilitaria, de lo existente en toda su potencialidad.
Entre todas nosotras, artistas y obras y todas las que nos movemos acompasadamente o no a su alrededor, se cruzan palabras en silencio, ecos de preguntas y posibilidades, en un diálogo en voz baja y lento.
En la piel de la roca queda el rastro del martillo golpeado por la mano anónima. Pero está oscuro y solo bajando a los subterráneos y abriendo dilatadamente el obturador con una nueva luz, lo vemos. Y al mismo tiempo se convierte en abstracción en el grano de la fotografía. Rescatar su pre-esencia, como la del material industrial reunido, resignificado y dotado de otra estabilidad, bajo la presión de la mano que moldea la masilla y el resplandor del color difuminado. Enfrentarse a esta reverberación de tonos donde se adivinan las formas de la imagen y del signo del poder, en un frente de guerra entre el monumento y quien habita a su alrededor. Habitar las múltiples áreas geométricas, que salpican el terreno infiltrándose en la supraestructura, donde el cuerpo se tumba para medirlos, y la palabra, en una construcción semántica absurda, los reclama. Nueva situación para una partitura de ciclos vitales ignorados, de aparición y desaparición, representados en la forma impresa, pero también en la luz rosada que permite crecimientos interiores y que baña todo. Y entonces, descubrir huellas, orgánicas en su esencia, pero también de orígenes inanimados o surgidos de lo emocional, en una serie de compendios de imposibilidades del sentir.
Entonces, en el movimiento, en la coreografía, en las historias que se filtran, en la presión de la piel, se produce la posibilidad de exorcismo de lo racional, del encuentro sensorial con lo que se ha denominado irreal o inexistente. Aquí, se puede comenzar, inclasificablemente, las múltiples tentativas de ser.
Marta Ramos-Yzquierdo
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Artistas
Gabriel Alonso
https://gabrielalonso.net/
(Madrid, 1986) Artista visual, su formación la ha desarrollado entre Madrid, Berlín y Nueva York. En sus trabajos, a través de diferentes formatos como instalación, escultura, fotografía o video, investiga las relaciones contemporáneas entre estética, ciencia y post-naturaleza. En sus últimos proyectos incursiona en la visión post-romántica y la conjunción de componentes de lo natural, la activación del cambio de perspectiva de la mirada en las relaciones entre arqueología, geología y cultura humana.
En 2020 funda el Instituto de Estudios Post-Naturales (https://instituteforpostnaturalstudies.org/), plataforma dedicada a la investigación y creación desde la que plantear de manera crítica nuevas aproximaciones a la práctica artística a través de la ecología política, estéticas post-naturales y nuevas éticas de creación que contribuyan a la disolución del binomio naturaleza-cultura.
Su trabajo se ha mostrado en diferentes galerías y exposiciones internacionales en Matadero 2019 (Madrid), John Doe Gallery 2018 (Nueva York), IIAF 2018 (Nueva York), Poor Media Leuven 2016 (Bélgica), Espacio Las Aguas 2015 (Madrid), Mila Gallery 2014 (Berlín), entre otros espacios. Ha sido profesor asistente en el Barnadr College of Columbia University (NYC) y en el Master en Proyectos Arquitectónicos Avanzados de ETSAM, además de haber dado numerosas conferencias en diferentes instituciones internacionales, museos y universidads. En 2020 ha recibido la Beca de Creación del Ayuntamiento de Madrid por su proyecto La Retina mamífera. En 2015 recibió el premio FAD por su publicación Desierto, y en 2016, recibió la Fine Art Grant de la Graham Foundation.
Elena Asins
https://www.galeriafreijo.com/es/artistas/states-y-fondos/elena-asins
(Madrid, 1940 – Azpirotz, 2015). Artista, escritora, conferenciante y crítica de arte. Fue autodidacta por elección en sus más fundamentales aspectos, estudió esporádicamente y de forma más experimental que escolar, en la Escuela de Bellas Artes de París, en la Universidad de Stuttgart (semiótica con el profesor Max Bense), Universidad Complutense de Madrid (Centro de Cálculo), New York (The New School for Social Research y Columbia University, Department of Computer Science: Computer Art), donde fue invitada como Visiting Scholar para la investigación de la aplicación digital en las artes plásticas.
Realizó más de 40 exposiciones individuales en distintos países. Como labor teórica desarrolló y publicó una serie amplia de ensayos sobre estética y poemas de poesía experimental en publicaciones especializadas en arte, en España, Francia, Alemania y Estados Unidos.
Galardonada en 2006 con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, en el 2011 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas y el MNCARS presentó la exposición retrospectiva Elena Asins. Fragmentos de memoria. En el 2012 recibió el Premio Arte y Mecenazgo, Fundación La Caixa, Barcelona.
Una de sus más importantes aportaciones fue la investigación sobre computación en arte, labor en la que fue pionera desde 1967. Las últimas contribuciones de su trabajo estuvieron encaminadas hacia el urbanismo como estética y como necesidad, a la arquitectura como habitáculo y a la intervención estética en general del espacio y el tiempo. Durante los últimos cinco años de su vida, trabajó el vídeo y la música; el resultado fue una serie de piezas de vídeo arte, tituladas Antígona por Sofocles.
Taxio Ardanaz
http://www.taxioardanaz.com/
(Pamplona, 1978). Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, ha ampliado su formación en seminarios y talleres impartidos por artistas y comisarios como Itziar Okariz, Esther Ferrer, Julie Mehretu, Miroslaw Balka o Peio Aguirre. En los últimos años ha realizado residencias en Italia, el Kurdistán Iraquí, Cuba, Austria, México y China.
Su trabajo artístico se centra en el estudio de los diferentes modos de representación de los ideales políticos en momentos de fe absoluta, a partir de las construcciones memoriales y de los restos físicos e ideológicos que estas situaciones de alta conflictividad han dejado entre nosotros. A través de las investigaciones de estas coyunturas y sus testimonios físicos busca explorar la capacidad del arte para dar respuesta a las necesidades personales y colectivas en resistencia a una realidad siempre adversa.
Ha expuesto individualmente en Madrid: Tabacalera Promoción del Arte (2017), Galería Raquel Ponce (2013), RMS El espacio (2011); Bilbao: Galería Carreras Múgica (2017), Gio Bat (2015), Sala Rekalde (2014); La Habana: Artista x Artista (2016); Ciudad de México: Ateneo Español de México (2012), AN Studio (2011), y Pamplona: Polvorín de la Ciudadela (2008). Entre otras exposiciones colectivas, destaca su participación en “Entornos Próximos 2008”, Artium, Vitoria-Gasteiz.
Ha recibido numerosas becas de creación artística y diferentes reconocimientos, como el Primer Premio en el XV Concurso Pamplona Jóvenes Artistas (1999) y el Segundo Premio en el XXIV Certamen Encuentros de Navarra (2007); siendo seleccionado en el Premio Itzal Aktiboa (2018), Premio Ciutat de Palma (2014), Certamen Internacional de Artes Plásticas de Pollença (2010) y la muestra itinerante Ertibil (2008), entre otros.
Nicolás Combarro
http://nicolascombarro.com/
(La Coruña, 1979). Emplea diferentes formas artísticas como la fotografía, la instalación o el cine, es además docente y comisario independiente de exposiciones. Su trabajo es el resultado de la investigación sobre el proceso de transformación del espacio construido. La reflexión e interacción con las construcciones y los materiales propios del entorno, ya sea por medio de la fotografía, la pintura o la escultura, le permiten buscar la esencia de su forma, jugando con su naturaleza inorgánica hacia una reinterpretación orgánica de la misma, proponiendo una contemplación activa que produzca una determinada disposición o expansión de la sensibilidad, a nivel formal pero también conceptual, en relación a las disposiciones estructurales históricas y socioeconómicas.
Como artista realizado exposiciones individuales en museos como la Maison Européenne de la Photographie (París), el CGAC (Santiago de Compostela), MARCO (Vigo), Palexco (A Coruña), Institut Français (Madrid), OCEMX (Méjico DF) y en galerías como la Solo Galerie (París), Galería Moriarty (Madrid), Kwanhoon Gallery (Seúl), Galería Taché (Barcelona) o la PABLO Gallery (Manila). Ha realizado piezas site specific en la I Manila Bienale (Filipinas), Tabacalera (Madrid), Kreativquartier (Munich), 42 Salón Nacional de artistas (Cartagena de Indias) y ha participado en el Pabellón de España de la XV Bienal de Venecia de Arquitectura, entre otros.
Ha obtenido becas y premios como la beca de la Real Academia de España en Roma, 20º beca Fotopress de La Caixa, Laureat de la Cité Internationale des Arts de París, el Premio Saab a la mejor exposición del Festival Off de Photoespaña, Primer Premio de Fotografía INJUVE.
Ha dirigido el largometraje documental Alberto García-Alix. La línea de sombra, estrenado en el Festival Internacional de cine de San Sebastián y premiado en distintos festivales de cine como Guadalajara o Toulouse.
Entre otros, ha publicado los libros Interventions (RM), Arquitectura y resistencia (Editorial Cabeza de Chorlito) y Arquitectura Espontánea (Fundación La Caixa).
Esther Gatón
http://esthergaton.net/
(Valladolid, 1988). Doctorada en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, ha completado su formación en la Universidad de Liège, Barcelona y este mismo año en Goldsmith, Londres, donde ha recibido su MFA.
Construye entornos específicos para cada espacio a través de esculturas, piezas audiovisuales o iluminación. Con su trabajo distorsiona los significados que cada material lleva incorporados, dando lugar a formas que modifican nuestro movimiento o postura, pues la forma que impera no es la que el objeto hace, sino la que hace hacer.
Su trabajo se ha expuesto en instituciones como Matadero Madrid, La Casa Encendida, Museo Patio Herreriano, Museo Picasso Barcelona, Fabra I Coats, Etopía Zaragoza, Biblioteca Rio Grande Brasil, CENTEX Valparaíso Chile y The Watch Berlín. Ha publicado textos en La Raya Verde, El Estado Mental, Materiales Concretos y Nero. Recientemente ha recibido los premios de Circuitos de las Artes Plásticas, Injuve y Ayudas a la Creación de la Comunidad de Madrid.
Carla Souto
https://carlasouto.com/
(La Coruña, 1994). Graduada en Bellas Artes en la Universidad de Vigo, ha continuado su formación en la Universidade do Porto especializándose en Arte Multimedia, en CEART-UDESC en Florianópolis se acercó al trabajo desde y para el cuerpo con mención especial en Artes Visuales, Artes Escénicas y Moda, y finalmente en el Máster en Escultura en la Universidad de Lisboa.
Desde todos sus destinos ha derivado una manera de trabajar situada, en relación con el entorno, interactuando desde los cuidados y la poética. El cuerpo de trabajo de Carla fluye entre formatos, medios y técnicas: sus proyectos van desde la pintura, la performance, pasando por la documentación fotográfica o el video; también la creación textil con bordado o patronaje forman parte de su práctica artística.
Su trabajo ha sido expuesto en Sant Andreu Contemporani (Barcelona), Sala Amadís (Madrid), ART Mustang (Elche), Galeria Monumental (Lisboa), Pazo da Cultura de Pontevedra y Museu da Imagem e Som de Florianópolis (Brasil) entre otros lugares donde ha llegado a parar. Entre sus premios, Carla cuenta con VI Beca Puénting de profesionalización artística e INJUVE 2019 en modalidad de Producción. También ha participado recientemente en las Residencias Artísticas de la Bienal de Cerveira 2017 en Portugal y KH Messen de Noruega.
Proyecto Curatorial.
Marta Ramos-Yzquierdo
Curadora y crítica independiente.
Sus líneas principales de trabajo se centran, en primer lugar, en el análisis de la labor artística y su percepción en la sociedad, estudio que comenzó con el desarrollo del proyecto independiente para el análisis y exposición sobre as condiciones laborales de los artistas contemporáneos, y que continúa actualmente bajo el nombre Trabajar – Hacer +. La última etapa de este proyecto, realizada en la Real Academia de España en Roma, ha servido como el material para un primer ensayo escrito sobre el proyecto (en preparación). Asimismo, ha realizado proyectos y participado en grupos como es parte de Histórias em Display (WT), una investigación interdisciplinar colectiva, para el estudio del arte contemporáneo como discurso crítico en la construcción de narrativas históricas.
Siempre en relación con esas dos líneas de investigación, ha comisariado Felipe Ehrenberg 67//15 en la Galería Freijo, el programa público Partituras Visuales interpretaciones de acciones de Ehrenberg, en Nadie Nunca Nada No; Almudena Lobera. Technical Images en Tabacalera, La Historia la escriben los vencedores en OTR. Espacio de arte, After, Depois, Según, en Salón, Madrid, España; Partir do erro y Trabalhe + Faça -, en la Galeria Pilar, Ícaro Lira, Campo Geral, en la Galeria Central, O sublime e a distopia en el Kunsthalle, y Emmathomastheca: Arquivo aberto da Senhora Thomas en la galería Emma Thomas en São Paulo, Brasil; Rafa Munárriz, Sulla curva chiusa en la Galeria Macca, Cagliari, Italia; The way you read a book is different to how I tell you a story, en Jahn und Jahn, Munich, Alemania; o el programa Aplicación de las diferentes teorías de flujo, con Carlos Amorales y Los Torreznos, Galería Barro, Buenos Aires, Argentina.
Ha escrito numerosos textos para artistas –Carlos Irijalba, Bruno Moreschi, Cristina Garrido, Ana Esteve Reig, Yoshua Okón, Omar Barquet, Jose Luis Landet, Mauro Giaconni, Sara & André, Tercerunquinto, Alberto Casari, Fábio Tremonte, Pontogor, Marlon de Azambuja, Ricardo Alcaide, Julius Heinemann, o Victor Leguy. Colabora también con las publicaciones Arte! Brasileiros, Arte Al Día, artishock, y es crítica habitual de El Cultural del El Mundo y a-desk.org.
Licenciada en Historia de Arte por la Universidad Complutense, magister en Gestión Cultural por el Instituto Ortega y Gasset, ambos en Madrid, España; como curadora es parte del ICI New York (Bogotá, 2013). Fue editora y coordinadora del site masdearte.com entre 2001 y 2003. Ese año se traslada a Sudamérica, primero en Chile, donde colaboró en el Museo de Arte Contemporáneo y el Centro Cultural de España. En 2009 se muda a Brasil donde trabaja como directora de la Baró Galeria. Entre agosto 2012 y julio 2013 fue directora de Pivô, espacio independiente situado en el Edificio Copan de São Paulo. En 2016 fue parte del Grupo de Crítica del Centro Cultural São Paulo, acompañando el Programa de Exposiciones de ese año. Fue curadora del Associate Artists Programm, Liverpool Biennial & ICI. De vuelta en España, ha sido directora de LOOP Barcelona 2017, residente en la Real Academia de España en Roma, 2018-2019, y es profesora de Practicas Curatoriales del Master de la Escuela SUR (Univ. Carlos III, Circulo Bellas Artes).
Exposición. 31 oct de 2024 - 09 feb de 2025 / Artium - Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo / Vitoria-Gasteiz, Álava, España
Formación. 16 nov de 2024 - 17 nov de 2024 / Bizkaia Aretoa / Bilbao, Vizcaya, España
La mirada feminista. Perspectivas feministas en las producciones artísticas y las teorías del arte
