Descripción de la Exposición
El Museo Guggenheim Bilbao presenta "Obras maestras sobre pape/ de Budapest", una extensa panorámica de dibujos y estampas realizados a lo largo de siete siglos, desde el XV hasta el momento actual, que incluye obras de grandes figuras como Alberto Durero, Leonardo da Vinci, Rafael, Rembrandt, Francisco de Goya, Miklós Barabás, Henri de Toulouse Lautrec, Pablo Picasso, Egon Schiele, Víctor Vasarely, Vera Molnar, Judit Reigl, Dóra Maurer e, incluso, Georg Baselitz, Katharina Grosse y Gerhard Richter.
Esta muestra tiene lugar gracias de la colaboración entre el Museo Guggenheim Bilbao y el Museo de Bellas Artes - Galería Nacional Húngara de Budapest, una prestigiosa institución que alberga tesoros de arte internacional que abarcan desde la Antigüedad hasta siglo XXI, y constituye la presentación internacional de los dibujos y estampas más preciados. En torno a 150 piezas maestras han sido seleccionadas con el fin de arrojar luz sobre las centenarias tradiciones de estos géneros, su constante apertura a la innovación, y sus variadas soluciones formales, rasgos esenciales y característicos efectos estéticos.
La exposición se articula a partir de doce secciones temáticas que muestran las características distintivas de cada época, resaltando al mismo tiempo las conexiones y cuestiones más relevantes en el ámbito del dibujo y el grabado. Si bien las piezas se exhiben siguiendo una disposición cronológica y respetando la división por periodos históricos, cuando resulta pertinente se opta por una aproximación narrativa que trasciende las clasificaciones tradicionales, ofreciendo una comprensión de mayor calado, que permite la exploración de diferentes perspectivas y contextos en el arte.
Por un lado, la presentación pone de manifiesto la diversidad técnica de estas obras, con ejemplos que van desde dibujos al carboncillo, al clarión, a tinta china y a la acuarela hasta otros realizados a lápiz y mixtos (a tinta y lápiz), y desde las xilografías, calcografías y litografías hasta las serigrafías y las últimas tecnologías digitales de impresión. Por otro lado, desvela diversas funciones de estas piezas, que pueden servir como bocetos, estudios y dibujos preparatorios o bien adquirir el carácter de dibujos autónomos o experimentales, piezas individuales, series, u obras que se transforman en otros medios.
La experiencia de contemplar esta gran selección de dibujos y grabados brindará una visión profunda sobre su impacto en la cultura visual y su capacidad para inspirar y provocar reflexión a lo largo de la historia, enriqueciendo el entendimiento del arte.
El dibujo, como forma de expresión artística más antigua, se erige como un puente que conecta ideas y emociones con la representación visual. Su carácter dinámico y su capacidad para adaptarse a las exigencias de todas las épocas evidencian su relevancia y actualidad.
Por su parte, el grabado, que emergió y se consolidó a partir del siglo XV, transforma radicalmente la producción y difusión de imágenes, democratizando el acceso al arte. Este medio no solo facilitó la circulación masiva de obras, sino que también actuó como catalizador en períodos influyentes, como el Renacimiento y la Reforma. Al examinar estampas de maestros como Alberto Durero, comprenderemos cómo estas obras no solo funcionaron como modelos para la pintura, sino que también fueron vehículos de ideas y estilos que trascendieron fronteras geográficas y temporales.
RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN
Sala205
Las cuatro secciones de esta sala recorren la evolución del dibujo y el grabado en los siglos XV y XVI. La primera sección, titulada "Los comienzos: estampas y dibujos del siglo XV", destaca el contexto de los dibujos europeos en el siglo XV, un periodo caracterizado por la anonimidad de sus creadores y el uso colectivo en talleres artísticos.
La proliferación de molinos de papel a partir de 1400 facilitó la creación de dibujos. También fomentó la producción de estampas, comenzando con la técnica del grabado sobre plancha de madera y posteriormente, hacia los años de 1430, sobre plancha de metal, tanto para fines religiosos como seculares, como la producción de naipes.
Las obras reunidas en "El siglo de Durero", la segunda sección, dan cuenta del papel crucial de este artista alemán en la difusión de las innovaciones del Renacimiento italiano en el norte de Europa. Su versatilidad como pintor y grabador tuvo un impacto duradero, influenciando a sus contemporáneos como Hans Baldung Grien y Lucas Cranach el Viejo.
En paralelo, tal y como puede verse en la tercera sección "El nacimiento del paisaje autónomo", el interés por el paisaje comienza a florecer, con Dürer y sus contemporáneos capturando escenas urbanas y naturales, integrando la observación del entorno en su arte. Este enfoque se expandió, culminando en la obra de Pieter Brueghel el Viejo, quien, junto a sus seguidores, elevó el paisaje como tema de atención artística en la pintura y el dibujo.
En la Italia del siglo XVI, según refleja la cuarta y última sección titulada "La representación del cuerpo humano", el estudio del cuerpo humano se convirtió en un pilar del arte, impulsado por figuras como Leonardo da Vinci y Raphael. Leonardo, figura central del primer Renacimiento y del Alto Renacimiento, buscó una representación fidedigna, mientras Rafael desarrolló un estilo más idealizado caracterizado por figuras dinámicas.
Sala206
Las obras reunidas en esta sala ofrecen un recorrido por el dibujo y el grabado desde el siglo XVII hasta mitad del siglo XIX a través de cuatro secciones: "Aspectos de la realidad en el Norte", "De la 'Grandeur' clásica a los sueños idílicos", "Roma y Venecia en el siglo XVIII" y "De la Ilustración a la época de las Revoluciones".
Las primeras creaciones destacan el notable carácter naturalista de los artistas neerlandeses, quienes, influenciados por la doctrina de la Iglesia y el pensamiento calvinista, observaron con gran minuciosidad las características del rostro humano y la topografía paisajística. Este enfoque realista llevó a la consolidación de géneros artísticos como paisajes, naturalezas muertas y escenas de género, además de incrementar el valor del dibujo autónomo.
En Francia, la fundación de la Academia Real de Pintura y Escultura en 1648 por Charles Le Brun marcó un hito en la enseñanza del dibujo, centrando su atención en la representación del desnudo masculino y la historia. Nicolas Poussin y Claude Lorrain, con enfoques complementarios, influyeron en la estética neoclásica, mientras Antaine Watteau exploró ideales poéticos con su representación de la vida íntima. A pesar de las dificultades políticas y económicas, Italia, y más concretamente Venecia y Roma, permaneció como el núcleo del arte europeo en el siglo XVIII. El principal artista veneciano fue Giovanni Battista Tiepolo, mientras que Canaletto destacó en la producción de vedute, reflejando la fascinación de los viajeros europeos por sus paisajes. El auge del Iluminismo trajo consigo una crítica social, ejemplificada en la obra de William Hogarth y Francisco de Goya, quienes, a través de la sátira y la crítica, abordaron las injusticias y la brutalidad inherente a la naturaleza humana en tiempos de guerra.
Sala207
"Aquí y ahora" y "Emociones en el foco" son las dos secciones que constituyen el núcleo de esta galería. La selección de obras pone de manifiesto cómo el arte del XIX puede definirse por su enfoque en la observación, que permitió a los artistas realistas e impresionistas representar la realidad. Los impresionistas se dedicaron a capturar la atmósfera y los sentimientos del momento presente. Artistas como Courbet, Degas y Pissarro, al igual que sus coetáneos realistas, demostraron maestría en el dibujo, logrando no solo reproducir formas, sino también la esencia de la vida misma. Posteriormente, los postimpresionistas, como Van Gogh y Munch, exploraron las pulsiones del alma humana, creando obras que unían la naturaleza con emociones intensas. La intersección entre arte y psique también se evidenció en Viena, donde Klimt, Schiele y Kokoschka abordaron audazmente temas de sexualidad y psicología, desafiando las convenciones de su tiempo.
Sala209
La cuarta galería de la exposición, que acoge las secciones "Tendencias constructivas y expresivas anteriores a 1945" y "Distintas direcciones a partir de 1945: referentes formales, históricos y personales", se centra en las transformaciones artísticas del siglo XX y XXI, destacando el impacto de los cambios políticos y sociales en el arte.
En las décadas de 1910 y 1920 surgieron movimientos como el Expresionismo Alemán, Dadá y el Constructivismo, impulsados por un espíritu transnacional y el intercambio ideológico a través de publicaciones y álbumes de artistas. Tras 1945, se buscó una nueva dirección para el arte abstracto, mientras que, desde los años 1980, emergieron tendencias postmodernas que enfatizaban la individualidad y la diversidad. El dibujo y el grabado, en este contexto, han evolucionado hacia una práctica autónoma y compleja, trascendiendo su función tradicional para convertirse en un medio de exploración y descubrimiento, incorporando tecnologías innovadoras y enfoques experimentales.
Por último, esta exposición también ofrece una visión de la rica y azarosa historia de la Colección de Estampas y Dibujos del Museo de Bellas Artes de Budapest, los fondos más valiosos de Hungría y más importante legado nacional de estampas y dibujos europeos. En este contexto, se ha reunido un conjunto de elementos de archivo -documentos, fotografías, diseños y planos arquitectónicos- en las 4 galerías para narrar sus orígenes-partiendo de la colección de arte de los Esterhazy, la principal familia aristocrática de Hungría-y los logros alcanzados gracias a la infatigable labor de muchos entregados directores de museo, conservadores y comisarios, que han llevado a que la colección se amplíe considerablemente, sea estudiada y expuesta lo más extensamente posible.
CATÁLOGO
La exposición irá acompañada de un catálogo que narra la historia de la Colección de Estampas y Dibujos del Museo de Bellas Artes de Budapest, y articula las obras de la muestra en doce secciones temáticas como reflejo no solo la peripecia de estos fondos, sino de la extensa panorámica del arte realizado a lo largo de siete siglos, desde el XV hasta el momento actual.
Premio. 01 feb de 2025 - 28 feb de 2025 / Madrid, España
Exposición. 18 feb de 2025 - 15 jun de 2025 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España