Descripción de la Exposición
Nectar, en colaboración con la Galería Carles Taché & ON MEDIATION_Platform on Curatorship and Research, presenta "Land(e)scapes", una exposición colectiva con Netai Halup (Israel), Aki Hoshihara (Japón), Sasha Sime (Rusia) y Nanao Tsukuda (Japón).
Esta exposición muestra los proyectos desarrollados por los cuatro artistas durante el programa multidisciplinar de residencia artística Nectar, que ha tenido lugar del 18 de mayo al 8 de junio de 2018. Los textos de cada artista son fruto de la colaboración con invitados especiales y de su visita al Open Studio en Nectar.
El programa de residencia se basa en una convocatoria para propuestas de proyectos, el cual permite a los artistas residentes profundizar en su proceso artístico y creativo en un entorno rural y conectar su práctica con la escena artística de Barcelona con la colaboración de On Mediation y la muestra en la Galería Carles Taché.
En el Espacio Negro encontramos las obras de los artistas Aki Hoshihara y Nanao Tsukuda
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AKI HOSHIHARA.
La serie realizada durante la residencia en Nectar establece una conexión íntima entre entorno, proceso y espectador. Las pinceladas fluidas y sensuales –fusión del negro característico de la tinta sumi-e y la paleta cromática brillante de las acuarelas occidentales– reverberan la naturaleza del Parque Natural de Las Guilleries –sus montañas, sus árboles, sus hojas, sus rocas, también el agua, el sonido o la temperatura– para llevarnos a un momento de contemplación y armonía. Los pictogramas, que recuerdan cuerpos femeninos y masculinos, revelan el carácter dual de la cosmovisión oriental, el yin y el yang.
Nacida en Japón y radicada en Estados Unidos desde hace casi dos décadas, el doble background la ha llevado a situar como uno de sus centros de interés la combinación del acervo del lugar de procedencia con la cultura del país adoptivo.
Aki Noshihara se formó como calígrafa según el método tradicional de los 5 a los 17 años. Habilidad manual cultivada con esfuerzo, disciplina y constancia, la caligrafía es, además de un modo de entender el mundo que pone en relación el lenguaje con la estética, un ejercicio espiritual. El calígrafo debe ejecutar la pincelada en un único movimiento, sin titubeos. Esta precisión gestual sólo es posible cuando se alcanza el mushin (“mente sin mente”), estado meditativo en el que los movimientos fluyen libremente. Las obras de Hoshihara traducen entonces las energías del ki y el chi en un momento concreto. Las texturas, colores y formas que vemos sólo podían emerger en ese tiempo y en ese lugar.
Gisela Chillida, crítica de arte y curadora independiente.
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NANAO TSUKUDA.
Para Nanao Tsukuda, la materialidad y el espacio están en el centro de la obra. Nanao convoca la memoria de objetos antiguos que recoge en los lugares donde trabaja como artista. Como si estuviesen fabricados de un material fotosensible que registrase los recuerdos de un lugar, estos elementos se convierten en narradores de las historias humanas de las que han sido testigo.
Nanao complementa la selección y recogida de estos objetos con la realización de exquisitas esculturas en cerámica o textil. En unas ocasiones, éstos recrean los objetos encontrados, y en otras funcionan en diálogo con ellos. A menudo emplea telas o papeles de color blanco, que funcionan como una suerte de podio o marco que permite “hablar” a los objetos, desvelando su poder evocativo y poético.
Durante su residencia en Nectar, Nanao ha seguido este mismo procedimiento: recuperando restos de anteriores ocupantes de la masía y disponiéndolos sobre varias capas de papel artesanal, ha logrado aislarlos y resaltarlos. Después, la artista ha adjudicado un lugar de la casa para cada una de estas composiciones, que queda documentado fotográficamente. Buscando trabajar con la relación entre el espacio de origen y el de destino, la artista finamente pide a los futuros propietarios de estas obras que le envíen fotografías del nuevo emplazamiento. Así, podrá completar el círculo de las distintas vidas de estos los pequeños clavos, goznes o cerraduras oxidadas que en su propia materialidad registran el paso del tiempo, así como la existencia de aquellas personas desconocidas que han vivido en la masía de Nectar a lo largo de los años.
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Permitir encuentros, una sutil tentativa alrededor de la praxis de Netai Halup por Luis Guerra
El trabajo de Netai Halup propone campos anarquitectónicos de intensidades. Los cuerpos surgidos a través de su praxis están expuestos a una intensidad relacional que existe en la fragilidad de su propia cosificación. Cuando vemos su trabajo, no solo estamos viendo los objetos, sino que somos más bien testigos expuestos a un momento de contacto, a un estado imperceptible de contacto, estamos allí en el momento de un encuentro donde se manifiesta materialmente una crítica, en una motilidad aberrante. Esta tensión bruta percibida es una piel desde donde la praxis de Halup tiene lugar. Al igual que los cuerpos ahorcados en el agotamiento, estas acciones parecen aumentar la continuidad ambiental a través de cortes solidarios. El espacio dado y conocido, donde están los cuerpos, es forzado por los propios cuerpos, resultando así intensidades frágiles que hacen visible una metástasis incorpórea.
Halup permite que estos encuentros existan, la reunión casual de un contacto intensivo. Modelando rastros que las líneas sutiles componen a través de accidentes metódicos, las fricciones permiten que surjan las superficies. Posicionando, desplazando, incluso rompiendo, es casi imposible definir ese punto de encuentro que repentinamente deviene más allá del alcance de las cosas. Porque un encuentro lo cambia todo. Lo transforma todo. Un encuentro es un evento a través del cual un sujeto queda vacante.
En las obras de Halup existe una intensidad para delinear inscripciones de conexiones. En esa condición del casi-nada de las cosas que Halup decide usar, las conexiones producidas convocan una poética de la precariedad. Pero esta precariedad es la de sus masas creando inestabilidad en el espacio siempre cambiante. Las cosas se encuentran en la piel del espacio, expuestas en su desnuda concurrencia de pinceladas. Como un teatro de suspensión, donde aparentemente no sucede nada –al menos nada para el recuento capitalista de la vida– las cosas convocadas permiten un espaciamiento que se torna fuerza, como una piel delgada que torna la realidad invisible en silencio.
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El trabajo de Sasha Sime (Rusia, 1982) viene moviéndose entre formas que recuerdan al expresionismo abstracto y al informalismo, pero al mismo tiempo presenta rastros de la cultura visual on y off line de la sociedad contemporánea. En sus proyectos más recientes, la apropiación de materiales cotidianos es una constante, y así se relaciona con tendencias como el pop, los (ya no tan) nuevos realismos o el arte pobre.
En Zero Flags (2018) ironiza con la bandera como signo, proponiendo un salto desde el lienzo hacia el espacio, sin perder por ello la cualidad de superficie de los medios empleados. Estos planos de celofán y cinta adhesiva pretenden funcionar, no como banderas en sí, sino como ideas de banderas, más allá de la politización que tales símbolos suscitan. El plástico, un material post-terrestre, no tiene una vinculación concreta con ningún lugar físico; asimismo, las Zero Flags no remiten a ningún estadonación, ni real ni ficticio, sino a la actual posibilidad de las estructuras de abstraerse del territorio. Como puede observarse en el manifiesto que las acompaña, las banderas han sido programáticamente resueltas mediante un proceso de trabajo al mismo tiempo estructurado y desestructurante. En paralelo, el artista elaboró esquemas procesuales y calendarios de trabajo. Pero estos, como las Zero Flags, fueron voluntariamente desviados, desprovistos de poder regulador a través de un juego de formas y sentidos. Con estas (post)banderas, Sasha Sime nos invita a (re)pensar las estructuras de organización colectiva contemporáneas, entre el brillo artificial y la sociedad de la transparencia.
Exposición. 17 dic de 2024 - 16 mar de 2025 / Museo Picasso Málaga / Málaga, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España
