Descripción de la Exposición
“Quien controla el pasado, controla el futuro y quien controla el presente, controla el pasado” (1)
“Manual de sabotaje” es un nombre extraño pero revelador para una exposición de pintura, un título que
apela directamente a ese tipo de libros en los que se recoge lo sustancial sobre una determinada materia,
esos manuales que seleccionan y almacenan la historia (una de las posibles historias) contada desde el poder
y transmitida por las universidades, institutos y escuelas. “Manual” también se refiere a la manufactura
táctil y física de una pintura de resistencia en una era donde el nuevo adoctrinamiento reside en esa red de
redes llamada Internet, un canal global, desmaterializado, digital, de apariencia insondable, pero no exento
de un control que se encarga de transmitir, de forma abusiva, las genealogías clásicas (aunque perfeccionadas)
del poder dominante. (2)
La palabra “sabotaje” es la que introduce el carácter distópico en este proyecto, la que plantea la necesidad
de activar el cambio desde este presente que, cuando fue futuro, imaginábamos de otra manera. Los artistas
y los gobiernos, parafraseando a Orwell, saben que quien controla las imágenes ostenta el poder, (3) y es
precisamente en ese punto de fricción entre la libertad del creador y la estricta vigilancia de las instituciones,
entre la censura, lo oculto y lo que ha sido ocultado, entre lo destruido y lo iconificado, entre la historia
convencional, la realidad material y la apariencia de realidad con la que nos engañan constantemente, (4) el
lugar desde el que se inicia la elaboración de este compendio de acciones de ataque, contraataque y defensa:
de este auténtico manual pictórico de sabotaje, disidencia y resistencia.
La selección de obras y artistas de “Manual de sabotaje” también tiene una tensión historiográfica que
consuma su estudio de las fuentes, de las tradiciones y de las influencias entre las diferentes generaciones
que componen la propuesta. El análisis de la transmisión de los relatos por medio del arte, su supeditación
o no al poder y la creación de los iconos, de los anti-iconos y, en definitiva, de las imágenes que componen
ese acervo visual y cultural que va conformando la historia, son uno de los objetivos más evidentes de esta
investigación. Equipo Realidad (1966-1976), José Luis Puche (Málaga, 1976) y Ana Ciscar (Valencia, 1993)
muestran algunos de esos flujos donde la semilla de las imágenes germina y va extendiendo sus ramas, esos
itinerarios recorridos desde perspectivas tan diferentes como las que marcan sus contextos personales y sus
experiencias, pero que, sin duda, mantienen relaciones evidentes entre ellas. (5)
“Lo que nos interesa no es la realidad sino su imagen” (6) es una frase de Equipo Realidad que podría
servirnos como uno de los statements del presente proyecto. Este colectivo de artistas extendió su trabajo
durante una década tan abrupta como la que marcó el final de la Dictadura en una España pre-democrática.
Comprometidos con la situación social, económica, política y cultural, aplicaron una crítica de línea marxista
para denunciar el régimen franquista desde formalizaciones de carácter pop que, en muchas ocasiones,
parecían entrar en contradicción con los temas tratados, cuando, en realidad, conseguían hacer más efectiva
la invectiva. Las tres piezas que se han seleccionado para “Manual de sabotaje” sitúan, de alguna manera, las
bases del discurso anti-historicista y no-lineal de la propuesta: “Brigadas internacionales” (1973), “La Sierra
de Caballs bombardeada por la tropa” (1973) y “Alcázar de Toledo” (1974). Sujetos, contexto y símbolo, el
poder de las imágenes y su subversión, el icono revertido, la narración de la historia reinterpretada a partir
de los mismos protagonistas, los mismos paisajes y los mismos signos. La Guerra Civil examinada de manera
dialéctica y valiente durante el gobierno dictatorial, censor y represor de quién la ganó. Una vía opuesta de
construir una historia que es múltiple, contradictoria con el poder, pero en la que ambos emplean (casi) la
misma imaginería, (casi) la misma iconografía.
El Equipo Realidad fue uno de los pioneros, desde el arte contemporáneo de nuestro país, en la reivindicación
de la situación de la mujer en la sociedad. Ese es, precisamente, el tema de investigación que José Luis
Puche ha escogido para esta exposición, examinando los símbolos clásicos, patrones de comportamiento,
clichés y estereotipos de lo masculino y lo femenino, para darles la vuelta desde la ironía, la descontextualización
y recontextualización en ámbitos ajenos, incluso sutilmente hostiles, que revierten el sentido de los
iconos elegidos, en ocasiones desactivándolos, en otras ridiculizándolos y en otras enfatizándolos. Puche asume
que la imagen es uno de los agentes más poderosos para activar el cambio y decide emprender un camino
que logre impulsar esa evolución a partir de la modificación, resignificación y reclasificación de los símbolos
de los que habitualmente nos servimos. Su “Neocastizo sumergido” (2018) se refiere al casposo machirulo
que objetualiza y cosifica a la mujer, mientras que su “Mujer torpedo” (2018) y su “Mujer laureada” (2108),
encarnan a dos féminas empoderadas que usurpan dos representaciones que, convencionalmente, siempre
habían sido protagonizadas por hombres. (7) El artista opta por emplear como base de su intervención pictórica
imágenes que nos remiten a la primera mitad del siglo XX, para hacer más efectiva su crítica y dejar en
evidencia que, desde el poder de las imágenes y su transformación, se pueden y se deben cambiar las cosas.
Por último, Ana Ciscar, plantea un sugerente proyecto en el que analiza la destrucción de obras de arte como
expresión del propio poder de las mismas. Solo se ataca lo que se teme y matar una imagen, de alguna manera,
es hacerla revivir multiplicada y desprendida de la materialidad que la anquilosaba. Esa trascendencia
metafísica de las imágenes, que puede ser una de las expresiones más flagrantes de su aura, de su magia, del
poder transformador que atesoran como transmisor de ideas, de conocimiento y de experiencia, como ídolo
y fetiche (8), es el que se recoge en los relatos que desarrollan las piezas de la serie “Items of Importance
Surrounding Destruction” (2018) que componen esta exposición. Historias de obras de arte acuchilladas,
devastadas, bombardeadas, saboteadas, desde el poder y desde el contrapoder, como forma de situar el foco
sobre una cuestión, de agredir a ese contendiente para el que la imagen representa algo, por propiedad, por
ideología, por valor. Para ello, la artista, apela a recursos formales como el collage de impresiones o fotocopias
de aquellas primeras obras profanadas, un sistema que le permite manipular, a veces agredir, recortar,
rayar o rasgar el papel, convirtiendo la pieza en una nueva (y bella, y fragmentada) ruina, mientras emplea
recursos pictóricos que despistan sobre su posible origen fotográfico, enmascarando la imagen y confundiendo
sobre su reproductibilidad. Una forma de (auto)censura, de nuevo un ataque sobre lo que ya había sido
destrozado, y todo para dejar en evidencia la importancia insuperable de la imagen y de lo imaginado.
FERNANDO GÓMEZ DE LA CUESTA.
[1] George Orwell, 1984, Lumen, Barcelona, 2014.
[2] “Pero ahora, en cierto modo, la globalización y la virtualización están inaugurando un tiempo universal
que prefigura una nueva forma de tiranía”. Paul Virilio, “Velocidad e información. ¡Alarma en el ciberespacio!”,
Le monde diplomatique, París, agosto, 1995.
[3] “La mayoría de las sociedades del pasado exigían del artista que reflejara los conceptos de verdad y moralidad
de la época, el artista egipcio, por ejemplo, tenía que reproducir un prototipo claramente preestablecido;
el artista cristiano tenía que ceñirse a los dogmas del II Concilio de Nicea a riesgo de ser excomulgado, o,
como los monjes de época iconoclasta, trabajar bajo constante amenaza y en la clandestinidad (…) la autoridad
formulaba las reglas y el artista obedecía (…) para que al artista se le permitiera practicar su arte, tenía
que someterse a estas reglas o aparentar sumisión a ellas”. Mark Rothko, La realidad del artista. Filosofía
del arte, Síntesis, Madrid, 2004, p.46.
[4] “Día tras día, somos testigos de la desaparición o relegación de acontecimientos reales que, manteniendo
las apariencias de lo real, son, de entrada, objeto de unas manipulaciones que niegan la realidad misma”.
Gillo Dorfles, Falsificaciones y fetiches, Ediciones Sequitur, Madrid, 2010, p.16-7.
[5] “El narrador toma lo que narra de la experiencia; la suya propia o la transmitida. Y la torna a su vez
en experiencia de aquellos que escuchan su historia”. Walter Benjamín, “El narrador”, Iluminaciones IV,
Taurus, Madrid, 1991, p.115.
[6] Javier Lacruz, Equipo realidad (Jorge Ballester/Joan Cardells), 1966-1976, Mira editores, Zaragoza,
2006, p.365.
[7] “El género es un conjunto de roles culturales. Es un disfraz, una máscara con la que hombres y mujeres
bailan su desigual danza”. Gerda Lerner, The Creation of a Patriarchy, Oxford University Press, New York,
1986.
[8] “Lo sagrado es, por definición, aquello que no podemos ver, aquello que no debe ser visto. Lo profano,
en cambio, es lo común, la experiencia de vida cotidiana. Sin embargo, hay puntos en los que las dos experiencias
se entrecruzan: el momento en que la realidad es trascendida, transformada en algo diferente, algo
que explica nuestras alegrías y nuestros miedos, algo que transforma la realidad banal en una experiencia
espiritual. Esto es, sin duda, el misterio que Baudrillard ha definido como “la irreverencia divina de las
imágenes”. Simon Njami, “La irreverencia divina de las imágenes”, Bamako 03. Fotografia africana contemporània,
CCCB i Institut d’Edicions de la Diputació de Barcelona, Barcelona, 2004, p.126.
Actualidad, 22 nov de 2018
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