Catálogo
Descripción de la Exposición
Estamos felices de recibirlxs nuevamente en nuestra sala, en esta ocasión presentamos la exhibición individual Los colores de los días del artista Lucas Di Pacuale con la curaduría de Eugenia González Mussano. La apertura está prevista para el viernes 12 de marzo con cita previa cumpliendo con los cuidados necesarios.
Los colores de los días, se articula en tres grandes sectores que tienen su anclaje fundamental en la estructura arquitectónica de la sala de exhibición y en tres pinturas de Malevich. Por un lado, la proyección de Círculo negro (1924) sobre el plano del espacio, la cual convertimos en una ronda de lectura donde irán sucediendo diferentes actividades durante la exposición. Por otro lado, saliendo del círculo negro y pasando por debajo de la pasarela de la galería, se encuentra un gran degradé de dibujos de diferentes tiempos de realización, los cuales dejan un vacío que conforman la segunda pintura de Malévich, Cruz negra (1915). Por último, en una sala cúbica amarilla y desde una superficie cuadrada que evoca la tercera pintura de Malévich, Cuadrado negro (1915), se proyecta un diálogo de imágenes que sintetizan charlas por correspondencia entre el artista y la curadora, sus contagios y diferencias. Esta muestra está pensada como una continuidad de los trabajos de Lucas en general y especialmente de las exhibiciones Querido Margen (Galería Hache, 2019) y de 2222 (El Gran Vidrio, 2016).
TEXTO CURATORIAL
Por Eugenia González Mussano
CCC3
El tres es un número de eminente simplificación en el que el yo monómano y el contraste dualista han sido superados para comenzar lo colectivo.
Oskar Schlemmer
Los colores de los días alza en sus hombros una convicción cargada de dudas sobre lo que el arte es capaz de transformar en cada individuo y su aporte para una sociedad diferente. Aquí lo singular y lo plural se mezclan, se amasan, se distancian. Desde los aspectos más intangibles hasta los más materialmente visibles construimos esta muestra a partir de la creencia de que el ser es un movimiento constante de contagios y variaciones. En definitiva es un acto (Jean-Luc Nancy, 1996). En este proceso nuestras propias singularidades se anuncian confusas una a otra mientras circulan entre el espectro de referencias a las que fuimos arribando mientras nos escribíamos cartas. Acompañar a Lucas Di Pascuale en la construcción de este espacio para que sus trabajos se vean, se disfruten, se toquen, nos seduzcan, y para que sucedan muchas otras cosas como encontrarnos a charlar, dibujar o leer una carta en voz alta que nunca será entregada, propone una muestra que es un llamado al acto de participar, al acto de ser con y entre otres. Comprometernos con la idea de que cada une de nosotres construye este espacio –y cualquier otro– en la medida en que nos animamos a ir un poco más allá: sacarnos los zapatos, entrar en una ronda de lectura que también es una pintura de Malévich–, acostarnos, hojear lo que Lucas dejó allí para nosotres, mirar hacia arriba, quedarnos en silencio, entrar al color. ¿Somos capaces de dejarnos comer por la fuerza gravitatoria de este agujero negro? ¿Estamos dispuestes a dejarnos atrapar por esta región finita del universo?
Una exhibición es ante todo una pronunciación política. No es una trama solitaria sino que es una serie de sucesos que salen de ese singular-plural hacia un encuentro con lo extraño. Un virus, nos dice Preciado tomando a Deleuze, es eso extraño, es en definitiva lo extranjero. En medio de una pandemia mundial que nos mantiene a todes aislades con terror a ese virus extranjero, nos convoca en esta exhibición a preguntarnos cómo hacer comunidad. ¿Por qué seguir insistiendo en ir al encuentro con lo extraño? Este virus –nos dice Preciado– no es más que la afirmación de las políticas de implementación de las fronteras sobre los territorios nacionales y sus límites. Es decir, un síntoma de nuestro propio miedo xenófobo a lo desconocido. Y nos propone que sanarnos a nosotres como sociedad no significaría la imposición de la separación, sino inventar una nueva comunidad más allá de las políticas de identidad y las fronteras con las que hasta ahora hemos sido producides.
Para recorrer estas preguntas quisimos volver a algunes artistas, nos dejamos seducir por las primeras décadas del S.XX para rescatar de aquel entonces las maneras en que las teorías estéticas estaban ligadas a sus teorías políticas. Éstas entrelazaban la autonomía de la representación para crear una nueva sociedad anclada en la democratización del arte y la colectivización de la enseñanza artística. Invocamos aquí a Malévich, Schlemer y a todas las mujeres anónimas de la Bauhaus. Podemos pensar que la revolución no fue lo que esperábamos, pero decidimos tomar de esas formas lo que nos convenía, mientras íbamos construyendo este espacio a puño y letra. En este camino largo de intercambios donde nos dejamos hechizar por las ideas de la revolución e interpelarnos por nuestros contextos, los deseos de cambio iban macerando junto a la pandemia y la reclusión. Lo primero realmente llamativo para mí fue ver que nuestras letras se parecen al punto de que se podría confundir la de Lucas con la mía. Contraté a una grafóloga para que de alguna manera lo reafirmara y diera alguna hipótesis sobre nuestra confusa identidad. Sus letras se parecen y tienen una rusticidad sensual –afirmó ella–, una rusticidad sensual semejante a la de los inmigrantes que llegaron a América en los años 20. Para mí esa fue la clave, no solo estábamos hablando con nuestres antepasades artistas de las primeras décadas del siglo que habitaron en Rusia o Alemania, sino que estábamos dialogando con nuestres propies bisabueles inmigrantes que escaparon de aquellos lugares bajo el horror de las guerras. Quizás estamos aquí para inventar respuestas a esos dolores personales y colectivos. Sin duda el arte es una vía poderosa para curar y romper estructuras que ya no nos sirven, sobre todo en ese lugar en el que escapa a la captura de su especialización y conecta con la maravilla y con la experiencia de lo inexplorado. Repetir los saberes como verdades fijas desconociendo nuestras propias experiencias conforma sociedades alienadas atadas a un pasado de respuestas que ya no nos pertenecen.
Es crucial encontrar formas de pensar, más allá de las palabras, que nos sirvan para relacionarnos con el mundo de manera distinta. Con Lucas llegamos a un acuerdo: no nos interesan las ideas fijas, sino la libertad de visión, sensación y pensamiento que produce la continua curiosidad con las cosas y que invita, a quien quiera entrar a la sala, a enfrentarse directamente con la riqueza de esta pequeña porción del mundo. Nuestra revolución es sutil, nos sumergimos en el levantamiento del polvo, en la calima que solo se nos hace visible cuando un rayo de luz la atraviesa. Esto conlleva asumir el fracaso de las certezas unificantes y la posibilidad de vivir entre la multiplicidad de temporalidades. En todo este proceso nos dimos el tiempo de desorientarnos, de no cerrar, de no imponer; en todo este proceso nos dimos la oportunidad de que lo ya instituido no nos determine; nos dimos la posibilidad de afectarnos mientras trabajábamos, de llorar con una carta. Queremos restituir al arte su uso común, la creación viva opuesta al resultado aurático. Queremos sumarnos como artistas al levantamiento de los huracanes, a las erupciones volcánicas, a las olas en sus días más fuertes, pero también escuchar al esternón cuando respiramos y abrir el pecho para que lo extraño nos acaricie.
SOBRE EL ARTISTA
Lucas Di Pascuale
(Córdoba, 1968)
Realizó estudios de grado y postgrado en la Facultad de Artes de la UNC –donde se desempeña como docente–, y continuó su formación en diversas residencias en arte: Lakshmi Nivas, Kerala, India 2020; La Perla, Córdoba 2011; Rijksakademie, Amsterdam 2008; Shatana, Jordania 2007 y Pintura além da pintura, Belo Horizonte, 2006, entre otras.
En sus trabajos, el dibujo, la escritura y la práctica editorial tienen un marcado protagonismo, indaga relaciones entre lo íntimo, lo cotidiano, lo público y lo histórico; relaciones entre lo singular y lo plural; entre lectura, dibujo y escritura; habita lo común entre práctica artística y práctica docente; propicia contagios que promueven lo original desde su ausencia.
Ha publicado los libros Lakshmi Nivas (conjuntamente con Sandra Abichain), 2020; Cartel, 2019; Ijota, 2017; Apunte Daleo-Apunte Jouvé Del Barco, 2016; Ali/Lai, Lau/Zip, 2014; Distante, 2014; Hola tengo miedo, 2011; Taurrtiissttaa, 2009, y H31 (conjuntamente con Gabriela Halac),2001.
Entre sus distinciones se destacan las obtenidas en el Salón Nacional, en el Premio Castagnino Macro, en el Premio de la Fundación Klemm y en el Salón Ciudad de Córdoba. Sus trabajos forman parte de importantes colecciones públicas y privadas.
Lucas Di Pascuale es un artista representado por El Gran Vidrio.
SOBRE LA CURADORA
Eugenia González Mussano
(Bahía Blanca, 1983)
Se licenció en Pintura en la Universidad Nacional de Córdoba, ciudad donde actualmente vive y trabaja. Es artista visual, docente, investigadora y curadora independiente. Recibió la beca para el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella (2020-2021) y la beca de formación del FNA (2019-2020) para realizar la residencia URRA en Tigre. Obtuvo además varias becas a nivel nacional que le permitieron continuar su formación en residencias y clínicas dentro del país. Ha realizado muestras en Córdoba, Rosario, Tucumán, Buenos Aires y Madrid. En 2016 coordinó el Programa de Arte Contemporáneo del Centro Cultural Casa de Pepino. Durante el 2017 formó parte del equipo de trabajo de Unidad Básica Museo de Arte Contemporáneo de Córdoba. Recibió el premio Obrar para proyectos colectivos de la Municipalidad de Córdoba en los años 2017 y 2019. Participa del equipo de investigación en arte contemporáneo de Córdoba desde el 2016 hasta la actualidad (FA-UNC). En 2018 fue curadora de la muestra Lo que se hace por amor en el Museo Genaro Pérez, ese mismo año quedó seleccionada en el Salón Nacional de Artes Visuales en la categoría instalación. Actualmente desarrolla el proyecto pedagógico y de investigación La Escuela de la Sospecha y forma parte del proyecto HOTEL INMINENTE 556, espacio de producción de artistas contemporáneos en Córdoba.
SOBRE EL GRAN VIDRIO
El Gran Vidrio nace en el año 2010 en la ciudad de Córdoba (Argentina) como galería de arte y espacio dedicado a la producción, exhibición, venta y cuestionamiento de las prácticas artísticas contemporáneas.
A lo largo de los primeros 8 años de trabajo El Gran Vidrio comenzó a detectar ciertas demandas en la comunidad artística de la ciudad que excedían el aspecto comercial de la galería. Estas necesidades fueron tomadas en cuenta y de allí nacieron iniciativas editoriales, espacios de talleres, residencias internacionales para artistas, ciclos de conversaciones en torno a las prácticas locales y un lugar de encuentro entre comunidades.
Así es como nace Fundación El Gran Vidrio, a finales de 2018, como una plataforma desde la cual fortalecer, enriquecer y ampliar las posibilidades del pensamiento y las prácticas en torno al arte contemporáneo y sus comunidades con una mayor solidez, permanencia y continuidad en el tiempo.
Actualmente Fundación El Gran Vidrio cuenta con diversas líneas de trabajo en las que se destacan la galería con su programa anual de exposiciones y participación en ferias; la producción de ciclos de pensamiento y teoría, la programación de ciclos de artes performáticas, la gestión de residencias, un área editorial y una biblioteca.
Exposición. 13 dic de 2024 - 04 may de 2025 / CAAC - Centro Andaluz de Arte Contemporáneo / Sevilla, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España
