Descripción de la Exposición
El CCA Andratx se complace en presentar la exposición colectiva Le Hasard et la Nécessité, que reúne cuatro expresiones artísticas diferentes que profundizan en el azar y la necesidad. Inspirada en el título del libro del bioquímico francés Jacques Monad, ganador del Premio Nobel en 1970, el CCA trata de cuestionar la relación entre los encuentros fortuitos, las coincidencias y las oportunidades y la irremediable necesidad de elección.
Monad concluye, inspirado por los Existencialistas, que "el hombre por fin sabe que está solo en la insensible inmensidad del universo, del cual ha surgido sólo por casualidad. Su destino no está explicado en ninguna parte, ni tampoco su deber. El reino de arriba o las tinieblas de abajo; le corresponde a él elegir".
Karl Monies cree menos en el azar, pues trabaja siguiendo los7 Principios Herméticos, uno de los cuales es la correspondencia, "Como es Arriba, es Abajo"; otro es el movimiento pendular del Ritmo; pero quizás el más interesante en este contexto es el principio no. 6: "Causa y Efecto", afirmando que la casualidad no es más que un término para describir algo que es desconocido en nuestros planos de existencia. Sirviéndose de su archivo personal, consistente en una recopilación de recuerdos y fragmentos de su vida de los últimos 10 años, durante el último mes ha estado reuniendo estas nuevas/viejas imágenes casi "olvidadas" en constelaciones de Principios.
Durante su residencia en el CCA Andratx, Monies ha continuado desarrollando dos series de trabajos: sus Containers de cerámica y poliestireno y sus tapices Comforts. Los primeros funcionan literalmente como sorprendentes contenedores escultóricos de cualquier cosa, cualquier pensamiento, cualquier idea, cualquier propósito o simplemente pura energía. Se puede pensar en la teoría de la bolsa de mano de Ursula K. Le Guin, que explica cómo los contenedores han jugado siempre un papel esencial, y quizás subestimado, a lo largo de toda la historia de la humanidad; el contenedor es entendido como el cuerpo, el espacio de la vivienda, la biblioteca, el museo, el útero, la matriz.
Comforts consiste en una serie de textiles meticulosamente bordados a mano, que además de sus patrones geométricos y sus particulares esquemas de colores blanqueados y teñidos, desencadenan inmediatamente el sentido háptico y quizás incluso sinestésico del observador, que es capaz de imaginar lo cómodo que es estar envuelto en una manta y cómo cualquier tipo de tejido se convierte en un elemento protector; como una capa separadora o punto de conexión entre nuestros cuerpos y el mundo.
"Cuando tenía nueve años, el mundo también tenía nueve años. Al menos, no había diferencia entre nosotros, ni oposición, ni distancia. Sólo paseábamos desde el amanecer hasta el atardecer, la tierra y el cuerpo tan parecidos como dos peniques. Y nunca hubo una palabra dura entre nosotros, por la sencilla razón de que no había ninguna palabra entre nosotros; nunca nos dijimos una palabra el uno al otro, el mundo y yo.
Nuestra relación iba más allá del lenguaje y, por lo tanto, también más allá del tiempo. Éramos un espacio grande (que era, por supuesto, un espacio muy pequeño). Y justo en ese momento (en el que no había momentos en el tiempo), la escuela comenzó a enseñarnos sobre todos los momentos del mundo en el tiempo.
Cuando cumplí diez años, el mundo de repente cumplió diez millones de billones de años".
En COMFORT 732/00/ Elisabeth Molin aborda la entropía - el "desorden perfecto" o "la aleatoriedad de un sistema cerrado" - que resulta de la curiosidad de cómo la arquitectura y los artefactos urbanos afectan al cuerpo humano. Su trabajo entrelaza fotografía y breves textos poéticos, creando un prisma de diferentes enfoques sobre el tema. Mientras que las fotografías visualmente se refieren a momentos de intersección, el texto describe encuentros corporales con materiales sintéticos, pantallas y datos.
Las obras de Molin actúan como una serie de encuentros fortuitos; los motivos en sus imágenes nunca están escenificados, sino que siempre son encontrados y se fotografían tal cual aparecen. Apuntan a lo microscópicamente pequeño, a las transformaciones del día a día y a un estado entre estados. En lugar de separar lo natural de lo artificial, las fotografías muestran los encuentros, a menudo surrealistas y mágicos, entre los ritmos mecánicos y orgánicos de la ciudad.
El título COMFORT 732/00/ hace referencia a una nota que encontró un día en la calle, que le intrigó pero que no pudo descifrar; parecía contener una paradoja entre un estado de ánimo y un momento particular, aunque el tiempo era obsoleto, una fecha imaginada atrapada entre el pasado, el presente y el futuro.
"Si nuestro espacio, nuestro mundo, no hubiera adquirido tiempo, ciertamente habría adquirido profundidad. Y definitivamente habría sido agitado."
Las dificultades para comprender las cosas que existen fuera de "nuestro" tiempo y a través de "nuestro" lenguaje han llevado a menudo a los artistas a un examen en profundidad de la materialidad de las cosas. Intentando comprender la función y el significado de los materiales (a veces invisibles) con los que nos rodeamos, vemos en las obras de Kristian Kragelund un proceso cuidadosamente organizado, controlado y riguroso de estratificación de la fibra de vidrio sobre el lienzo, sólo para dejarla reaccionar y responder a sus gestos subyacentes, permitiendo que surjan las coincidencias.
Acercándonos a sus obras verticales, podemos vislumbrar el toque humano del artista, que deja su huella en el lienzo con trazos intuitivos, aunque influidos por su conocimiento inherente de cómo forma parte de un sistema mayor. Las líneas diagonales conectadas recuerdan a los esquemas de un código computacional, como la manifestación visual de un algoritmo, tal vez similar al que creó el patrón de la fibra de vidrio, determinado por valores de la máxima fuerza y capacidad. El proceso de estratificación se asemeja a la tensión entre la naturaleza y la tecnología, desde lo biológico -el propio artista- imitando la inteligencia artificial -el algoritmo- hasta la fibra de vidrio generada por ordenador, que imita la flexibilidad del tejido orgánico o la piel. El encuentro entre el dibujo y el lienzo revela accidentalmente un patrón "simulando" la naturaleza realzada por la aparición de las burbujas de aire entre la creación de una superficie como la seda y la fusión del hombre y la máquina en un proceso de lo que el artista considera un colapso moral en la sociedad.
"Toda la superficie de la Tierra debería estar cubierta por sensores colocados con medio metro de separación entre ellos, capaces de recopilar datos que luego serían compilados en una enorme computadora. Pero casi en el mismo momento en que el ordenador iniciaría sus cálculos, aparecerían en los intersticios entre los sensores desviaciones muy pequeñas que al principio darían lugar a cálculos erróneos muy pequeños en el ordenador, errores que, sin embargo, se extenderían y crecerían rápidamente hasta llegar a ser mundiales".
"Los pequeños intersticios entre nuestros sentidos, entre la consciencia y la inconsciencia, entre los espacios, entre las palabras."
La sugerencia del intersticio como un lugar amorfo para el devenir, nos lleva al cuarto artista de la exposición Le Hasard et la Nécessité, Nathan Peter. Con un doble enfoque, Peter utiliza su conocimiento de la historia del arte como punto de referencia, inspirándose especialmente en el teatral mundo Barroco de las ilusiones, trabajando con elementos como el pliegue y el espejo. Partiendo de estas ideas, examina la materialidad de los recursos pictóricos como el color y el lienzo. El resultado se convierte en lo que él llama una pintura "negativa", un objeto escultórico al revés, desmenuzado, plegado y desplegado, desentrañado y, de alguna manera, desensamblado en su laboriosa actuación en el estudio como una forma de destilar información tanto física como filosófica sobre la "pintura" en su esencia misma.
En cuanto al azar y la necesidad, Peter dice que le gusta la posibilidad de que algo se expanda infinitamente, como el pliegue: "En sus movimientos existen infinitas oportunidades de separarse, de volverse a juntar, una y otra vez. Visualmente, uno quiere volver a plegarla, pero debido a la falta de bastidores, que limitarían físicamente la pintura, hay infinitas posibilidades de que la obra crezca fuera del marco en un movimiento continuo".
"Sólo sabemos que hay algo que llamamos azar. Que hay algo que percibimos como casualidad. Sin embargo, puede haber algo acerca de esta oportunidad que no percibimos. El azar podría incluso ser cumplido por una orden, que fluye en frecuencias diferentes a las que nuestros sentidos humanos son capaces de sintonizar".
Exposición. 13 dic de 2024 - 04 may de 2025 / CAAC - Centro Andaluz de Arte Contemporáneo / Sevilla, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España
