Descripción de la Exposición
La dimensión escénica de Jordi Colomer toma el MACBA.
El nomadismo, la periferia, el imaginario popular, el humor, la comunidad, la provisionalidad, la ficción y la utopía son algunos de los temas subyacentes en las obras de Jordi Colomer (Barcelona, 1962).
Bajo el título Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus la muestra comisariada por Martí Peran reúne esculturas, collages, instalaciones, fotografía, vídeo y acciones en vivo realizadas por el artista desde finales de los años ochenta hasta el presente. La exposición altera el orden cronológico y propone una contaminación entre geografías, relatos, objetos e implicaciones del público dentro y fuera del museo.
Esta es la más amplia muestra dedicada hasta hoy a la obra del artista catalán, que fue el representante del pabellón español en la 57 Bienal de Venecia (2017), y reúne producciones llevadas a cabo en contextos concretos de ciudades de todo el mundo, con un marcado sentido performático.
Con motivo de la exposición, se han desarrollado tres nuevas producciones: Abecedario argentino, 2023/2024, en el marco del programa de la Fundación “la Caixa”. Apoyo a la Creación’22. Producción y con la colaboración del Institut Ramon Llull; Spanish Coast, 2017/2024, y El balcó, 2024, que cuenta con la colaboración del Casal dels Infants del Raval. Además, la obra No? Future!, 2006, se presenta en colaboración con el CCCB.
La muestra se acompañará de una publicación que se presentará al final de la exposición. El libro, un recorrido por el universo creativo de Colomer, incluirá textos de Martí Peran, Benedetta Casini, Ignacio Duarte, Carolina Olivares y Núria Gómez Gabriel, que ponen el foco en distintos aspectos de la práctica del artista.
Título: Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus Inauguración: 8 de mayo, a las 19.30 h Fechas MACBA: del 9 de mayo al 24 de septiembre de 2024 Producción: MACBA Museu d'Art Contemporani de Barcelona Comisariado: Martí Peran
«Todo lo que no puede decirse de una manera literal o directa tienes que decirlo a través del humor, y entonces el humor puede ser más trágico que la tragedia», afirmaba Jordi Colomer (Barcelona, 1962) en una entrevista en Ràdio Web MACBA (Fons d’Àudio RWM 27, 2014). El humor, en efecto, pero también la participación, las tradiciones, las citas históricas o el urbanismo, son aspectos que se ponen en juego en la obra del artista. La exposición construye un ambiente «profundamente nómada», donde conviven distintos proyectos con una diversidad de recorridos, en una suerte de urbanismo ambulante propio de las ferias y otras arquitecturas precarias.
Colomer propone la dimensión escénica –donde lo ilusorio y lo real confluyen en un continuo vaivén– como eje, voluntariamente ambiguo, que atraviesa toda la muestra. Desde esta perspectiva se plantean varios interrogantes: ¿cómo y dónde se construyen comunidades? ¿Quiénes son sus actores? ¿Cuáles son sus temporalidades? ¿Cómo se constituyen sus imaginarios? Son algunas de las cuestiones que impregnan y comparten las distintas propuestas que conviven en la exposición.
HOJA DE SALA
Comoquiera. El rótulo de Maravillas (fragmento) (1995-2004) puede señalar tan pronto la entrada como la salida de la exposición. Su letrero luminoso es como una FACHADA a través de la cual acceder a un universo donde lo real se mezcla con lo ficticio o, si ya estamos de vuelta, dar la muestra por visitada y tornar allá donde lo ficticio se mezcla con lo real. Tantas diferencias y ninguna entre lo que acontece dentro y fuera del museo. Todo va a depender de cómo se relacione cada espectador con la narración y del tipo de distancia que establezca con ella. La recomendación es que se aproxime con la dosis suficiente de esa distancia irónica que, precisamente, suprime las distancias: como si asistiera a una FIESTA cuyas convenciones sabemos de antemano que no respetará. Hay que ocupar las sillas y las gradas porque, así como sirven para el receso, también son un acceso para coparticipar en las distintas escenas.
La muestra, en efecto, se organiza como una concatenación de escenas, (des)ordenadas de manera orgánica solapando geografías, relatos, objetos y personajes. Nada se expone como una FOTO fija, sino cual cuadros teatrales, pero dispuestos al mismo tiempo y en un ambiente ambulante, propio de las ferias y otras arquitecturas precarias. Cada proyecto es un escenario en el que se desarrolla una acción —ya sea tan leve como un tatuaje (Idea, 1987; Espejo, pulga, lirismo, 1990; 45 Gold-fish, 1992) o como una auténtica FIESTA colectiva (La, Re, Mi, La Festa de la roba bruta, 2014; Svartlamon Parade, 2014; Modena Parade / Corteo modenese, 2022;)— que aúna el tiempo real de la narración y el de su propia exposición. Una doble puesta en acto.
Mediante la estrategia escénica, se «supera la distinción entre el juego y la vida corriente». Realidad y fantasía se retroalimentan en un vaivén al que se convocan el imaginario y la cultura popular, las ficciones utópicas, numerosos hitos de la arquitectura moderna y tantos otros fragmentos de procedencia variopinta. Con humor, y priorizando siempre determinados entornos disponibles —las periferias urbanas (Avenida Ixtapaluca [Houses for Mexico], 2009; New Palermo Felicissima, 2018), las azoteas (Crier sur les toits, 2011; Medina Parkour, 2014;) o los balcones (El balcó, 2024)—, se producen acontecimientos en los que ya no se distingue la acción de la potencia. La vida se realiza y se emancipa mientras se imagina de otras maneras. En la descripción que hiciera Charles Fourier de una vida utópica, entre las tareas más placenteras, subrayó el arte culinario. Así, unos FIDEOS a la cazuela o un arroz (L’Avenir, 2011) pueden convocarnos a una experiencia que tiene tanto de gastronómica como de política. El pensamiento utópico tradicional imagina el FUTURO como una FOTO acabada, como una imagen proyectada hacía un porvenir en el que se consumará la perfección; pero también hay «utopías realizables» (X-Ville, 2015), ejercicios colectivos en los que el FUTURO se materializa. Se llama prefiguración, aquella modalidad de acción directa en la que todos los implicados prestan sus capacidades y solo conoce el tiempo del acontecimiento. Cada escena compone un evento determinado, un presente pleno, capaz de reactivar ensoñaciones pasadas (Prototipos 1, 2004) o futuras (¡Únete! Join Us!, 2017) sin distinción.
En el tiempo desordenado del acontecimiento (No? Future!, 2006) también se alborotan los códigos establecidos. Las escenas se construyen con una osada reunión de sistemas y de medios. La sinestesia —la confluencia creativa de dominios tan diversos como la palabra, la imagen, la materialidad de los objetos o las vicisitudes del territorio— combina ingredientes cual receta de cocina para condimentar de manera sabrosa unos insípidos FIDEOS. Hay que sazonar la arquitectura y el urbanismo hasta convertirlos en objetos parlantes (Un crime, 2004; Spanish Coast, 2017), y hay que ahumar el lenguaje para insuflarle ambigüedad y multiplicar sus jergas (Frase [Der Wachtturm], 1991). Cada escenario es un umbral que conduce a un universo entrópico, donde la precariedad no es una pobreza sino una fuerza de versatilidad. Cada escena es una FACHADA que reúne el flanco del tiempo ordinario con el de su propia tergiversación. Si una sola letra, por lo pronto, es así de capaz, ¿qué podremos con el alfabeto entero? (Abecedario argentino, 2023/2024).
PUBLICACIÓN
Jordi Colomer. Façana Foto Festa Futur Fideus
Eclecticismo, acumulación, superposición, relación, celebración… Estas son algunas de las palabras que sirven para describir la publicación de Jordi Colomer (Barcelona, 1962), un recorrido por el universo creativo del artista mediante una cincuentena de obras que van desde finales de los años ochenta hasta la actualidad y que se materializan en forma de esculturas, collages, fotografías, instalaciones, vídeo y acciones en vivo. El libro incluye textos de Martí Peran, Benedetta Casini, Ignacio Duarte, Carolina Olivares y Núria Gómez Gabriel, que ponen el foco en distintos aspectos de la práctica de Colomer. Se publica en catalán, castellano e inglés.
BIOGRAFÍAS
Jordi Colomer nació en Barcelona en 1962. Estudió Arte en la Escuela EINA, Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Barcelona y Arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Entre 1991 y 2016, vivió a caballo entre Barcelona y París. A principios de los años noventa empezó a experimentar con las posibilidades de una escultura que se expandía hacia terrenos escenográficos y arquitectónicos. Sus primeras obras comparten un lenguaje formal minimalista construido con materiales pobres, frágiles y cotidianos, que ya ponen en evidencia una de sus principales inquietudes a lo largo su trayectoria: la revisión del lugar que ocupa el espectador dentro del ámbito expositivo. A partir de 1996, Colomer comienza a trabajar con el formato vídeo, que le permite introducir el elemento narrativo, la ficción y la figura humana. En 1997 presenta su primera videoinstalación en una sala de proyección construida con este propósito en del MACBA: Simo (1997), un relato en clave trágica y burlesca en torno a las paradójicas relaciones que mantenemos con los objetos. A partir de 2001, con una serie de obras planteadas como micronarraciones cinematográficas, Colomer traslada a sus actores a la calle para que interactúen con la realidad y la contaminen de ficción. La investigación escenográfica del artista se abre así al espacio urbano explorando varios escenarios de la vida social como barrios, carreteras, desiertos o azoteas. Más adelante, en trabajos creados a partir de 2011, Colomer investiga las múltiples posibilidades de la utopía y la distopía, tanto en lo referido a su enunciación como a su realización. Jordi Colomer ha realizado escenografías teatrales para obras de Joan Brossa, Samuel Beckett y Valère Novarina, así como para una ópera de Robert Ashley.
Ha presentado numerosas exposiciones individuales de ámbito nacional e internacional. Entre otras, en Manifesta 12 de Palermo (2018), Arts Santa Mònica de Barcelona (2015), FRAC Basse-Normandie de Caen (2013), Matadero de Madrid (2012), Bozar de Bruselas (2011), Jeu de Paume de París (2008), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (2005), Institut d’Art Contemporain de Villeurbanne (2004), ECCO Espaço Cultural Contemporâneo de Brasilia (2003), Shedhalle Rote Fabrik de Zúrich (1992) i Espai 10 de la Fundación Joan Miró de Barcelona (1986). En 2017, representó al Estado español en la Bienal de Venecia 57. Y en 2024, el MACBA de Barcelona presentó una exposición monográfica sobre su trabajo reciente. La obra de Colomer se encuentra en colecciones como la del Museo Reina Sofía de Madrid, la Fundación “la Caixa” de Barcelona, el Centro George Pompidou de París, el MUMOK de Viena, el FRAC Rhône-Alpes de Lyon o el MACBA de Barcelona, entre muchas otras. Desde 2018 impulsa, con la productora Carolina Olivares, La INFINITA, laboratorio de creación y lugar de encuentro entre artes visuales y artes en vivo, basado en L’Hospitalet de Llobregat.
Martí Peran es profesor titular de Teoría del Arte en la Universidad de Barcelona. Crítico de arte y comisario de exposiciones, ha sido coeditor de distintas publicaciones (Transversal. Revista de cultura contemporània, 1996-2002; Roulotte, 2006-2013, entre otras) y ha colaborado en publicaciones especializadas, como Artforum International y Exit Express. Ha impartido talleres sobre crítica y comisariado en varias instituciones. Es codirector de la plataforma de formación curatorial On Mediation (onmediationplatform.com). Ha impartido seminarios y conferencias en distintos museos y universidades, entre los que destacan MACBA, Barcelona; MNCARS, Madrid; USP, São Paulo; Trienal de Milán; CCEBA, Buenos Aires; Townhouse, El Cairo; Contemporary Art Center; Larissa; New York University; Art Beijing; Jeu de Paume, París. Entre 2001 y 2008 fue director del programa de intercambios internacionales Roundabout Encounter Program entre Barcelona y otras ciudades (Ciudad de México, Jerusalén, Estambul, Santiago de Chile, Bangkok, Reikiavik).
Ha comisariado numerosas exposiciones: Arquitecturas para el acontecimiento, EACC, 2002; Mira cómo se mueven. 4 ideas sobre movilidad, Fundación Telefónica, 2005; GlasKultur. ¿Qué pasó con la transparencia?, Koldo Mitxelena/La Panera, 2006; Post-it City. Ciudades ocasionales, CCCB, 2008 e itinerancia internacional 2009-2012; After Architecture. Tipologías del después, Arts Santa Mònica, 2009; o Esto no es un museo, itinerancia internacional 2011-2015, entre otras. Durante la temporada 2015/2016 desarrolló la programación de Fabra i Coats. Centre d’Art Contemporani de Barcelona. Sus últimos libros publicados son: Indisposición General. Ensayo sobre la fatiga (2016); Escribir y dibujar, en el fondo, no son lo mismo (amb Anxo Rabuñal, 2019) y El idiota. Ensayo sobre cualquiera y, a ratos, sobre arte (en prensa).
Exposición. Desde 19 dic de 2024 / Fernando Pradilla / Madrid, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España
