Descripción de la Exposición
Las fotografías realizadas por la artista Jenny Holzer incluidas en la muestra [I feel you, The Rest y The Ambiguities Of My Desires] muestran intervenciones de la artista en las cuales proyecta diferentes mensajes sobre edificios o escenarios outdoor, paisajes urbanos, empleando como recurso visual el reflejo y la distorsión de la imagen que el agua de un estanque puede proporcionar, o la nitidez, por contraposición, de proyectar unas letras en una fachada, un muro, o una tela de inmensas dimensiones. Estos efectos crean a su vez diferentes planos de proyección (más cerca-más lejos) que sin duda influyen de manera afectiva en el significado del mensaje.
La artista utiliza neones y estructuras luminosas para generar la luz, que una vez proyectada se funde y confunde con las luces de la ciudad, generando un nuevo tejido visual de una postal urbana que nos puede remitir a una suerte de tatuaje, como un método de integración inmaterial, aludiendo a las propias fotografías donde el mensaje está impreso con pigmento.
Los significados de estos textos sintéticos tienen como función principal la interacción con el espectador y el auto cuestionamiento de este último, donde los significados emocionales - también políticos – no quieren establecer un dogma o idea, sino generar la situación de ponerlo en duda, como un reto o juego intelectual con quienes quieran participar.
La serie de siete dibujos de la artista Raha Raissnia hacen referencia a las distintas secciones de un canto o poema, que mantienen un diálogo entre ellas. Estos dibujos representan la interpretación pictórica de la artista, el discurso plástico de las fotografías tomadas de la primera serie de obras de una mezquita abandonada construida en el periodo del Sultanato en la India.
Impulsada por el deseo de romper con la pantalla cinematográfica convencional, las instalaciones de Raissnia se proyectan a través de pantallas colgantes y semitransparentes para crear instalaciones arquitectónicas que articulan la luz a medida que se mueve por el espacio, difundiéndola por las distintas capas de la pantalla y las sombras que producen.
En Parthenon, Raissnia vuelve a recoger un lenguaje más cercano a sus dibujos anteriores pero llevado al gran formato. Esta obra se realiza durante la residencia que pasa en Madrid en 2019 en frente del Parque del Retiro.
Todas las obras de la artista comparten la fusión de lo analógico con lo digital, lo pintado a mano con lo fotográfico. Las formas arquitectónicas y los pasajes en la diáfana imaginería de Raissnia están cargados de nociones sobre la historia y existencia humana.
En el video de la exposición Nueve segundos de negro de Alex Reynolds, se presenta el testimonio de un paciente mientras se somete a una operación ocular. Mediante una experiencia corporal, se plantea una pregunta intelectual... ¿Hasta dónde llega el cuerpo, el ojo? ¿Cuáles son sus límites? ¿Se puede o considera válida la tecnología, las cámaras, para extender el alcance del cuerpo? ¿Eso cambia la relación que establecemos con otras personas, con el entorno? Cuando hay luz se plantean esas preguntas. Pero en el vídeo hay también un momento de ceguera, nueve segundos de negro absoluto entre imágenes cuyo ruido digital nos revela una cámara esforzándose por ver entre linternas y flashes; búsquedas en la oscuridad.
Las tres artistas perciben luz y oscuridad en sus obras que, afectivamente como medios técnicos en una obra cinematográfica actúan para trasmitir el mensaje de una manera determinada, para alumbrar u oscurecer una cuestión, difuminarla y así permitir al espectador poder atisbar entre las sombras y las luces. Se resalta o se apaga una cuestión que está implícita en la propia visión, en la tecnología, la extensión del cuerpo del individuo, como el lugar que habita, los edificios, en la ciudad, en los individuos en plural… Estas tres mujeres artistas que pertenecen a las décadas de los 50, 60 y 70 disfrutan de un hilo conductor entre sus obras, el diálogo entre ellas es fluido, y esto sucede al detenerse ante preguntas similares y ante la percepción por parte del espectador.
Jenny Holzer (1950, Gallipolis, OH) vive y trabaja en Hoosick, NY. Su obra ha sido expuesta en Palm Springs Art Museum, CA; Centro de Artes Visuales Helga de Alvear, Cáceres; BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead; DHC/ART Foundation for Contemporary Art, Montreal; Whitney Museum of Art, NY; Museum of Contemporary Art, Chicago; The Contemporary Museum, Honolulu; MAK, Vienna; Australian Center for Contemporary Art, Melbourne; Mönchehaus Museum, Goslar; New National Galerie, Berlin; Instituto Cultural Itaú, Sao Paulo; Contemporary Arts Museum, Houston; Williams College Museum of Art, Williamstown; Collection of Mort and Marlene Meyerson; Dallas Museum of Art, Dallas. Entre los premios que ha recibido se incluyen: León de Oro, XLIV Biennale di Venezia; Crystal Award, World Economic Forum, Ginebra; Berlin Prize Fellowship, The American in Berlin, Berlin; Urban Visionaries Award, The Cooper Union, NY; LA MOCA Award for Distinguished Women in the Arts, Los Angeles. Su obras se encuentran en las colecciones de Museum of Modern Art, NY; Solomon R. Guggenheim Museum, NY; Tate Collection, Londres; San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco; Walker Art Center, Minneapolis; Museum of Fine Arts, Boston, MA.
Raha Raissnia (1968, Teherán, Irán) recibe su BFA de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y su MFA del Instituto Pratt. Raissnia presenta una exposición individual en 2017 en el Drawing Center (Nueva York). En 2016, su trabajo es objeto de una exposición individual en el Museo de Arte Moderno (Nueva York). En 2015, el trabajo de Raissnia se incluye en la 56a Exposición Internacional de Arte de All the World Futures, comisariada por Okwui Enwezor, Bienal de Venecia. Recientes exposiciones individuales son The Drawing Center (Nueva York), Ab / Anbar Gallery (Teherán), Galería Marta Cervera (Madrid), Galerie Xippas (París) y el Museo de Arte Contemporáneo de Isfahan (Irán). Las proyecciones-performances de Raissnia se han realizado en el Whitney Museum of American Art (NY), REDCAT (Los Ángeles), Kunsthal Rotterdam, Arnolfini - Center for Contemporary Arts (UK), el Drawing Center (NY), Issue Project Room (NY), y la Emily Harvey Foundation (NY), entre otros.
Alex Reynolds (Bilbao, 1978) vive y trabaja entre Bruselas y Berlín. Su obra opera a través de múltiples registros y formatos, centrada en la imagen en movimiento y la performance, pero también trabajando la instalación, el texto o la fotografía. Sus películas se deshacen de la distinción entre el análisis de códigos cinematográficos estructuralista y el cine narrativo. Al permitir que estos dos enfoques entren en contradicción y coexistencia en su trabajo, el cine se erige como una investigación de lo interpersonal. La práctica de Reynolds, profundamente afectiva mientras se nutre del legado del cine experimental y conceptual, genera reflexiones sobre la intimidad, la mirada y la comunicación, invitando al público a cuestionar de manera activa su rol como espectador.
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