Descripción de la Exposición
INDÓMITA LUZ
Homenaje a Antonio Pérez
Obras de la colección Irene Cábez – Ignacio Muñoz
La luz se esconde en los imanes del silencio/ y de la luz se desprenden sílabas de oro
Antonio Gamoneda
Indómita luz está compuesta por una serie de obras de la colección Irene Cábez – Ignacio Muñoz cuidadosamente seleccionadaspara rendir homenaje a Antonio Pérez, artista de gran sensibilidad, maravillosa persona y promotor infatigable del saber, en este año en el que se cumple el 20 aniversario de la Fundación que lleva su nombre.
Todas son obras de grandes artistas. Algunos han alcanzado ya el calificativo de históricos y su trabajo está reconocidoen todo el mundo: GenevièveAsse,JoachimBandau, Domenico Bianchi, Irma Blank, Bram Bogart, Wolfgang LaibyEttoreSpalleti.
Otros, aunque más jóvenes, tienen una gran proyección internacional: Prudencio Irazábal, CvetoMarsič, Sahlan Momo o José María Sicilia. Tambiénse ha querido incluir a dos artistas jóvenes de gran talento:Rafael Miranzos y Alexis MargueriteTeplin, con dos interesantes obras.
La ocasión sugería crear una exposición de carácter poético que invitase a la meditación, centrada en el tema de la luz. Por eso se han buscado obras de formas puras, de gransimplicidad formal (aparente), que acogieran el don de la luz.Si hay un elemento que preocupa a todos los artistas aquí representados es la luz: los cambios de la luz, eldeseo obsesivo de alcanzarla y la imposibilidad de dominarla. Basta con ver los títulos de algunas de sus exposiciones: desde La luz que se apaga, de Sicilia, a la explosión de laLuz que no tiene noche, de Irazábal, desde la Luz que se condensa y se hace volumen, de Spalletti, a las descriptivasFluctuaciones atmosféricas de la luz, de Asse.
La luz también es protagonista de sus reflexiones. Para Spalletti, “la materia misma parece perder materia para convertirse en luz”. Para Irazábal, “el color es la encarnación de la luz”, aunque se resiste a hablar de ella“porque es una esencia demasiado divina, por encima de nuestra capacidad”.
La luz se busca, va y viene, es inaprensible, como Antonio Pérez, también él luz indómita, ejemplo para todos. Godsave Antonio!
Geneviève Asse
Nace enVannes (Francia), en 1923. En 1940 se incorpora a la Escuela Nacional de Artes Decorativas y expone en el Salón de menores de treinta años y en el Salón de Otoño de París. A partir de 1943 forma parte del grupo l'Échelle con Jacques Busse, Calmettes y Patrix.
Desde los años cuarenta, GenevièveAsse elabora obras de extraordinaria riqueza cuya profundidad invita a la contemplación y al silencio. En sus telas solo hay un color: “Le bleuestvenu à moi”, declara la artista. Un azul que es sinónimo de infinito, lejanía y plenitud, atravesado por líneas horizontales o verticales que dividen la tela en dos, como una cicatriz de luz. Esta división, recurrente en su obra, plantea el problema de la separación y la reunión de lo lleno y lo vacío, y es esencial para la artista.
Realiza su primera exposición individual en 1954 en la Galerie Michael Warren de París y desde entonces su trabajo ha podido admirarse en múltiples galerías y museos de todo el mundo, entre ellos el Centro Pompidou de París (2013).
Joachim Bandau
Nace en Colonia (Alemania) en 1936. En 1966 es cofundador del grupo K66. Vive y trabaja entre Aachen (Alemania) y Stäfa (Suiza).
Junto con Gerhard Richter, Joseph Beuys e ImiKnoebel, Bandau pertenece al notable grupo de artistas alemanes que sale de las aulas de la Kunstakademie de Düsseldorf en 1961. Por esta época empieza a crear una serie de esculturas móviles en fibra de vidrio, figuras futuristas-orgánicas que se asemejan a un híbrido de hombre, máquina y objeto, y culminan en la Kabinen-Mobile que presenta en la Documenta 6 (1977). A partir de 1983 explota el principio de la estratificación en sus obras de laca y sus acuarelas negras, en las que aplica lavados de pintura fuertemente diluida en varias capas sobre un grueso papel elaborado a mano. Las sucesivas capas son transparentes, casi invisibles y, dado que la pintura debe secar entre una y otra aplicación, el proceso tarda meses, ya veces incluso años, en terminarse.
Su obra está representada en más de 45 colecciones de museos, incluido el Kunstmuseum de Basilea (Suiza), el Museo Ludwig de Colonia (Alemania) o la Colección Achenbach de los Museos de Bellas Artes de San Francisco (EE. UU.). En 1986 recibe el Premio WillGrohmann de la Academia de Artes de Berlín.
Domenico Bianchi
Nace en Sgurgula (Italia) en 1955. Estudia en la Academia de Bellas Artes de Roma, ciudad en la que vive actualmente.
Autor de una obra abstracta en la que la relación entre la figura y el fondo es de suma importancia en la búsqueda de un equilibrio entre forma y color, Bianchi crea una pintura hecha de elementos mínimos, signos dibujados o tallados sobre materiales que elige por su cromatismo y su brillo natural: cera, metales preciosos, fibra de vidrio o madera pulida. Su trabajo, que profundiza en el estudio del espacio y la luz, se ve enriquecido por la fuerza de los valores esenciales que solo la simplicidad de las materias primas puede transmitir. En las obras de Bianchi es recurrente el elemento circular, un núcleo central que se convierte en el principio de ordenación de la percepción visual del espectador, un signo que siempre está abierto al significado y que por esta razón no conquista la certeza.
A partir de 1979 participa en numerosas muestras colectivas, como la importante exposición Ateliers (Roma, 1984) comisariada por Achille Bonito Oliva. También cabe reseñar su participación la Bienal de Arte de Venecia (1984, 1986 y 1993), el Castello di Rivoli de Turín (1989), la III Bienal de Estambul (1992), el MoMA de Nueva York (1999), el MACRO de Roma (2003), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (2004), el Museo de Arte de Tel Aviv (2007) o el Palazzo Fortuny de Venecia (2015).
Irma Blank
Nacida en Celle (Alemania) en 1934, es ciudadana italiana desde finales de los años cincuenta. Durante la década de los setenta colabora repetidamente con la prestigiosa poeta, performer y crítica de arte Mirella Bentivoglio(1922-2017). Actualmente vive y trabaja en Milán.
Su obra, que se expresa a través de la escritura, el dibujo y la pintura, a menudo se centra en la grabación del tiempo como gesto, con referencia a la escritura y el espacio del libro. Como ella misma explica: «La palabra es engañosa. Desde las críticas literarias de la década de 1960, la fe en la palabra se ha perdido en gran medida. Lo vemos todavía hoy: palabras, palabras, palabras que no dicen nada. La palabra está vacía de su significado. Intento recuperar el espacio del silencio, lo no dicho […] En algunas de mis obras… el lenguaje está destrozado. Todavía trato de leer el mundo como escribiendo; escribir es mi herramienta para entender el mundo».
Irma Blank es una artista reconocida internacionalmente que ha participado en importantes actos y exposiciones, como la Documenta 6 (Kassel, 1977), la Bienal de Venecia (1978, 2001 y 2017), el Centro Pompidou de París (1985, 2009, 2010 y 2013) o el Palazzo Reale de Milán (2010).
Bram Bogart
Nacido en Delft (Países Bajos) en 1921, Bram Bogart muere en Sint-Truiden (Bélgica) en 2012. A los 25 años, después de la Segunda Guerra Mundial, se instala en París, donde es uno de los fundadores del Arte Informal. Inicialmente experimenta con el cubismo y la figuración y pinta flores, naturalezas muertas y autorretratos, pero a partir de los años cincuenta comienza a trabajar con los impastos: utilizando gruesas capas de pintura de color, desarrolla un estilo expresionista que se va haciendo cada vez más abstracto con el paso del tiempo.
En 1957 participa en una exposición itinerante del Arts Council del Reino Unido junto a artistas como Dubuffet, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages y su compatriota KarelAppel. Bogart se hace muy amigo de Appel y sus compañeros del grupo CoBRA, pero se pelea con el establishment cultural holandés al percibir su obsesión por este movimiento a expensas de cualquier otro estilo. En 1961 se instala definitivamente en Bélgica, país del que en 1969 adquiere la ciudadanía. Por esta época comienza a trabajar en tres dimensiones con una mezcla de cemento, polvo de tiza, barniz y pigmentos, que aplica sobre grandes y pesadas estructuras de madera.
Bram Bogart es un artista de primera línea en la escena internacional. Sus obras pueden admirarse en colecciones de toda Europa y en museos como el Louvre y el Centro Pompidou de París, o el Guggenheim de Nueva York.
Prudencio Irazábal
Nace en 1954 en Puentelarrá (Álava, España). Estudia Bellas Artes en Sevilla y Barcelona y completa su formación en la Universidad de Columbia, Nueva York, ciudad a la que se traslada en 1986. Ya desde entonces el color y la luz se convierten en la principal preocupación de su trabajo. A mediados de la década de 1990 se consagra con dos exposiciones en Nueva York en las que presenta pinturas de gran luminosidad y complejidad cromática que aspiran a alcanzar una síntesis entre imagen, materialidad y significado. Actualmente Prudencio Irazábal vive y trabaja en Madrid.
Sus obras se caracterizan por las sutiles gradaciones del color que el artista aplica en numerosas e imperceptibles capas de veladura para crear manchas indefinidas, sin forma, con resultados profundos, intensos y espirituales. De sus obras se ha dicho que son un reto para el ojo humano por su extrema transparencia y luminosidad, por lo inapreciable de las pinceladas y por la superposición de colores en un mismo punto.
Prudencio Irazábal expone en Nueva York desde comienzos de los 90 y presenta regularmente su trabajo en Alemania, Italia y España. Sus obras forman parte de las colecciones del Museo Guggenheim (Bilbao), la Fundación Helga de Alvear (Cáceres), el Museo Patio Herreriano (Valladolid), el Museo Artium (Vitoria), la Fundación Akzo Nobel (Ámsterdam) o la Colección H+F (Róterdam).
Wolfgang Laib
Nace en Metzingen (Alemania) en 1950. Tras finalizar sus estudios de medicina comienza una trayectoria artística extraordinariamente personal marcada por su temprano interés por las culturas orientales, la religión y el misticismo. Wolfgang Laib es considerado desde hace muchos años como uno de los más respetados y admirados artistas alemanes a nivel internacional.
En su trabajo utiliza materiales naturales que poseen una fuerte carga simbólica y vital, como la cera de abeja, la leche, el polen o el arroz, con los que pretende suscitar un encuentro entre arte, naturaleza y espiritualidad. Sin embargo, en contraste con su fragilidad, sus obras muestran cualidades perdurables y eternas y aluden a la trascendencia y belleza de las cosas que son a la vez sencillas y esenciales para la vida diaria. De alguna manera, la obra de Wolfgang Laib se opone a lo que nuestro mundo actual considera obligadamente necesario: la innovación constante, la necesidad de ser siempre original.
Laib expuso en el Pabellón Alemán de la Bienal de Venecia en 1982. En 1987 recibió el Premio Arnold Bode en el Documenta de Kassel y en 2015 el PraemiumImperiale concedido por el Emperador de Japón. Sus obras se han presentado en los principales centros de arte internacionales, como elMoMA de Nueva York, el Museo Hirshhorn de Washington DC, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Centro Pompidou de París, el Kunsthaus de Zúrich o el Kunstmuseum de Bonn, entre otros.
CvetoMarsič
Nace en Koper (Eslovenia) en 1960. Estudia en la Academia de Bellas Artes de Ljubljana. Tras diversas estancias en Madrid, Turín y Lisboa, actualmente vive en Grajal de Campos (León), donde tiene su taller y se ha involucrado en un interesante proyecto de rehabilitación de su sugestiva herencia renacentista.
La raíz última del arte de CvetoMarsič debe buscarse en las salinas de Pirán, el paisaje de su infancia. Allí, en el lodo, juega con sus amigos y comienza a experimentar la plasticidad y el color de la materia. Los primeros años de su trayectoria artística giran en torno al movimiento esloveno Nueva Imagen. Después ha trabajado en numerosos lugares, donde el paisaje ha sido siempre el elemento fecundante de su pintura: sus telas son trozos de tierra representados mediante pintura que apelmaza con las manos, pintura que trata como un alfarero salvaje trataría la arcilla. Marsič no utiliza herramientas para pintar, sino solo sus manos, sus pies, su cuerpo: “una forma muy íntima de acercarse al proceso creativo”, en palabras del propio artista.
CvetoMarsič está consagrado como un talento de la abstracción contemporánea. Ha realizado exposiciones individuales en prestigiosas galerías de Eslovenia, España, Italia y Portugal. Su obra se expone en ferias internacionales como ARCO, Arte Lisboa, Art Cologne, Art Brussels o Art Chicago y se encuentra en colecciones y Museos de toda Europa, como el Museo de Arte Moderno de Rijeka (Croacia), la FundaçaoDom Luis I de Cascáis (Portugal), Es Baluard (Palma de Mallorca), el IVAM (Valencia) o la Fundación Antonio Pérez (Cuenca).
Rafael Miranzos
Nace en Cuenca en 1964, donde reside actualmente. Desde 1997 ha realizado diversas exposiciones individuales en Cuenca (galería Jamete en 1998 y 2000, galería La Escalera en 2002) y Madrid (galería La Zúa, 2010). También ha participado en numerosas muestras colectivas, entre las que destacan la realizada en la Galería Rosalía Sender, de Valencia (2000), diversas ediciones del Espacio Arte Marbella 68, en Madrid (2002-2005) o el Espacio Arte Antonio Pérez, en Guadalajara (2009).
En 2007 su obra, junto con la de otros prometedores artistas jóvenes, fue seleccionada por la Fundación Antonio Pérez y el Instituto Polaco de Cultura para el Primer Encuentro de Artistas Polacos y Españoles, cuyo objetivo era realizar un encuentro artístico entre dos ciudades europeas que en ese momento optaban a la capitalidad cultural europea: Gdansk (Polonia) y Cuenca (España).
Sahlan Momo
Nace en Villareggia (Italia) en 1944. Hacia 1966, tras finalizar sus estudios de Ciencias Políticas, inicia una carrera artística profundamente personal. Su trabajo de esta época es mecánico y manual, casi automático, pero al mismo tiempo intensamente intelectual; su objetivo, casi metafísico, es convertir la materia en espacio y luz. La rítmica repetición de las curvas, que se suceden en lentas oleadas, introduce en el plano un movimiento alterno de expansión y contracción que crea sorprendentes tensiones sobre la superficie del papel.
Entre 1976 y 1993, Momo desarrolla en Roma una labor docente que ejemplifica bien su vocación interdisciplinar: profesor de Pintura y Fotografía en la Academia de Bellas Artes, profesor de Historia del Arte Contemporáneo en la Universidad de «La Sapienza» o profesor de Historia del Teatro en el Instituto Europeo de Diseño. También comienza a interesarse por temas relacionados con la sostenibilidad, la conservación del patrimonio cultural y el libro como expresión artística.
Sus obras se encuentran en prestigiosas colecciones privadas e institucionales de todo el mundo, entre las que destacan el Museo de Arte Contemporáneo de Frankfurt am Main (Alemania), el MoMA de Nueva York (EE. UU.), la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma (Italia) o el Victoria and Albert Museum de Londres (Reino Unido). Actualmente vive y trabaja entre Roma y La Haya.
José María Sicilia
Nace en 1954 en Madrid, donde inicia sus estudios de Bellas Artes. En 1982 se traslada a París y realiza su primera exposición en la galería Trans/Form. En 1984 inaugura una muestra individual en España, donde se le considera uno de los artistas jóvenes más prometedores de su generación. Pronto entra en los circuitos internacionales más prestigiosos. En 1989 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España y en 2015 el Premio Nacional de Artes Gráficas.
Desde sus primeras pinturas sobre cera de abejas en 1992, la luz se convierte en el centro de su búsqueda. Luz o su ausencia, su brillo o su desaparición. A través de este proceso el artista aborda, de manera indefectible y persistente, el misterio de la muerte. José Maria Sicilia persigue el declive de la flor como una metáfora de la vida, del universo.
Junto con Barceló y Campano, Sicilia forma parte de una generación de artistas que transformó la forma de entender el arte en la España de los noventa. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en las principales ciudades del mundo y su obra se encuentra representada en instituciones tan prestigiosas como el MoMA, el Museo Guggenheim de Nueva York o el Museo Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Actualmente vive y trabaja entre París, Madrid, Nueva York, Tokio y Sóller, donde ha creado una fundación dedicada a jóvenes artistas.
EttoreSpaletti
Nace en 1940 en CappellesulTavo (Italia), cerca de Pescara, donde estudia Bellas Artes y todavía hoy vive y trabaja. A pesar de que llega a la mayoría de edad artística en plena eclosión del Arte Povera, su amor por el color lo separa de los característicos tonos pardos de este movimiento. En su lugar, prefiere inspirarse en los frescos renacentistas de Masaccio y Piero della Francesca, de quienes toma prestados los azules y rosas polvorientos que a menudo emplea en su trabajo.
En su obra explora la geometría, la precisión y el poder de los materiales simples. A partir de mediados de los setenta crea un lenguaje suspendido entre la pintura y la escultura cuyos protagonistas son la luz y el espacio. Primero dibuja formas. Luego las traslada a materiales como la madera, el papel o la piedra. Finalmente, aplica sobre ellas sucesivas capas de una mezcla de yeso y pigmentos. Sumado a los tiempos de secado, este proceso convierte su obra en un oficio de lenta ejecución cuyo resultado es, tal vez por ello, maravilloso: superficies aterciopeladas en las que se descubre una infinita gama de matices y variaciones tonales.
Entre sus numerosas exposiciones destacan las del Museo Nacional de Arte de Osaka, en Japón (1980), la Documenta de Kassel, Alemania (1982 y 1992), el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York (1993) o el Museo de Arte Moderno de la Villa de París (1991). Ha participado cuatro veces en la Bienal de Venecia (1982, 1993, 1995 y 1997).
Alexis MargueriteTeplin
Nace en California (EE. UU.) en 1976. En 1998 termina sus estudios de Bellas Artes en la Universidad de California Los Ángeles. Completa su formación en el Art Center College of Design de Pasadena (California, EE. UU.) y en la Royal AcademySchools de Londres (Reino Unido) tras recibir una beca de estudios en el año 2002.
El trabajo de Alexis Teplin se orienta hacia la pintura abstracta, la escultura y la performance, un campo en el que utiliza referencias históricas del arte para construir instalaciones basadas en la seducción, la artificialidad y la significación cultural. Sus pinturas —luminosas ráfagas de colores intensos, rojo sangre, azules exuberantes, mentas, duraznos y rosas— recuerdan a las creaciones de la expresionista abstracta estadounidense Joan Mitchell. El deslumbramiento sensual de su obra tiene, sin embargo, un precedente anterior: la pintura rococó, con sus festones de nubes, flores y encarnaciones, y muy especialmente las deliciosas pinturas eróticas de Fragonard.
Desde 2003, Alexis Teplin desarrolla una intensa actividad expositiva y colabora con destacadas galerías internacionales de arte contemporáneo, como Mary Mary (Glasgow, Escocia), Gavlak (Los Ángeles, EE. UU.) y CAR Projects (Bolonia, Italia). Actualmente reside y trabaja en Londres.
Exposición. 19 nov de 2024 - 02 mar de 2025 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
