Descripción de la Exposición ------------------------------------------------------- ------------------------------------------------------- La Sala Municipal de Exposiciones de la iglesia de las Francesas presenta, coincidiendo con la celebración del DIA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS, la exposición 'ICONS OF VIDEO ART. El cuerpo y el espacio' Una vez más el Ayuntamiento de Valladolid ha querido acercar al público vallisoletano uno de los medios más importantes del arte que no deja indiferente a nadie. Así podremos disfrutar de una decena de obras de artistas internacionales que nos acercan desde un punto de vista concreto, el del cuerpo, a este medio. Por eso la selección que se ha hecho para esta muestra tiene como hilo conductor el cuerpo y el espacio, dos conceptos que han estado siempre presentes en las representaciones artísticas y que ahora podremos contemplar desde una óptica totalmente distinta gracias a la riqueza de la imagen que conlleva estos videos. Obras de MARINA ABRAMOVIC / BILL VIOLA / CANDICE BREITZ / DMITRY BULNYGIN / HUSSEIN CHALAYAN / NATHALIE DJURBERG / A. K. DOLVEN / ANTHONY GOICOLEA / DIONISIO GONZALEZ / DOUGLAS GORDON / ZILLA LEUTENEGGER / ELIASSON OLAFUR / MARCELLVS L. / MICHAEL REES y MARTIN SASTRE, se presentan en esta muestra única. Como se sabe, el siglo XX fue una autentica revolución para el arte, no solo en el aspecto estético sino también en cuanto a su socialización, lo que hizo posible su acceso a un publico muy amplio. Gracias a la proliferación de las galerías, así como por la ruptura con el concepto estático y exclusivo que existía, los artistas lograron por primera vez un contacto más directo con sus seguidores. La irrupción de las ferias internacionales, de las galerías de arte, de las bienales, de los museos y de otras instituciones, permitieron que el arte se divulgara y se convirtiera en un elemento integrante de la sociedad moderna. El desarrollo del capitalismo, que se produjo con fuerza a mediados de los años treinta, conllevó ese cambio radical en el way of life de la población que tuvo consecuencias directas para el mundo del arte. Por eso el siglo XX es un siglo de rupturas en muchos aspectos, artísticamente la rapidez con la que avanza el mundo requiere cambios de pensamiento constantes. Los artistas son conscientes de ello y por eso no dejan de evolucionar. En su búsqueda por conectar con los nuevos gustos y las necesidades sociales, experimentaron con distintos soportes sin limitarse únicamente a los tradicionales como eran el dibujo, el óleo, la escultura y la fotografía. Así, a mediados de los años sesenta surge el apogeo de la performance, de los vídeos, del arte conceptual... ¿Qué mejor manera que conceptualizar el arte a través de un relato visual o audiovisual? El videoarte se proclama como una alternativa perfecta para el desarrollo de las inquietudes de los jóvenes artistas que, a través de este medio, pueden crear nuevas narrativas y formas de visualización que establecen una nueva relación entre el artista y el espectador. Este nuevo lenguaje implica una nueva comunicación más directa entre el creador, la obra y el que la observa. Los parámetros del espacio y del tiempo surgen como un medio de interacción distinto. La riqueza del videoarte reside también en todas las posibilidades que ofrece: el artista puede realizar así sus performances y poder mostrarlas a un público mayoritario. El arte deja de ser estático y rompe los límites de la quietud, del lugar, del tiempo... desafiando la tradición y lo anteriormente establecido. El acceso plural a las tecnologías ha permitido igualmente la proliferación estos últimos años de este medio artístico, siendo una manera directa de llegar a otros públicos, de forma que hay artistas que cuelgan en sus páginas web algunas de sus obras. Esto podría llevarnos a pensar en el videoarte como un medio poco interesante o vacuo. Pero nada más lejos de la realidad, no debemos de confundir la democratización de la imagen con su vulgarización o su trivialidad. Al contrario, el videoarte se implanta en nuestros días como uno de los medios artísticos que están atravesando un mayor desarrollo y que permiten a los creadores lograr ser más multidisciplinares, evolucionando y evitando estancarse. Gracias a esto podemos incluso conocer a los artistas, es decir, durante años hemos visto autorretratos y era la única imagen para poder identificar a un artista. Ahora, con el videoarte somos testigos de cómo trabajan, algunos videos son autobiográficos, otros en los que vemos sus reflexiones y sus emociones, e incluso algunos vídeos en los que el creador se considera así mismo la obra de arte. SOBRE LA EXPOSICIÓN Esta exposición se presenta en Valladolid gracias a la cortesía de Teresa Sapey y Miguel Fernández Ballesteros. De MARINA ABRAMOVIC veremos 'SKELETON' 2002. Marina Abramovic es una imprescindible artista serbia de performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa por más de tres decádas, recientemente ha sido descrita por sí misma como la 'Abuela del arte de la performance'. El trabajo de Abramovi? explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente. La obra Skeleton que presenta, puede considerarse extraña e impactante. Pero en conclusión no es más que una autentica realidad: nos recuerda el peso de nuestros huesos, de nuestro cuerpo, de nuestra estructura, de nuestro estado de ánimo; del peso de la historia del comportamiento humano. La fusión entre performance-multimedia-arte concluye con un resultado de gran calidad, lleno de energía y de desolación, junto al toque de la muerte que nos recuerda que estamos vivos. De A.K.DOLVEN, veremos IT COULD HAPPEN TO YOU, 2001Nacido en Oslo en 1953, el video que veremos rinde homenaje a una pintura de su compatriota Edvard Munch, es una revisión contemporánea de la imagen famosa de Munch de El Niño Enfermo. La obra conserva muchos de los matices de la composición del cuadro original, aunque cambiando dramáticamente su énfasis. Llevada a cabo con una cámara estática elevada, es una obra imponente gracias al marco íntimo y sumamente cinematográfico que conlleva. Los dos protagonistas se mueven haciendo gestos sensibles que no sólo revelan la profundidad de su relación, sino que sugieren que el dolor que experimentan tiene a su vez una base emocional y una física. Esta obra Podría Pasarle (it could happen to you) es un cuadro viviente profundamente privado y personal con una universalidad que nos conmueve. ANTHONY GOICOLEA nos presenta 'CLASSROOM', 2002 Goicolea es un fotógrafo asentado en Nueva York y nacido en Atlanta, Georgia. En esta obra que presenta, el artista nos muestra a dos estudiantes muy ansiosos a los que aún les queda un buen rato sentados, están nerviosos. Pero a pesar de que nervioso/nerviosismo es un término universal y es claro el sentido preciso de la palabra, vemos como lo objetivo se convierte en subjetivo cuando se aplica a la esfera humana. En realidad, podemos ver perfectamente que, a pesar de que los dos adolescentes están sufriendo la misma 'patología', lo viven de una manera completamente distinta: uno tira de su pelo arrancándoselo a tirones y el otro, construye con sus uñas un juego que le permite cubrir una pizarra en una explosión. Cuando el video termina, estos dos jóvenes preocupados se mueven con vergüenza, contemplando el resultado de sus comportamientos. CANDICE BREITZ nos muestra 'BECOMING CAMERON' 2003. Nacida en Johannesburgo en 1972, actualmente reside en Berlín. En este trabajo, Breitz se somete a una comparación con un icono de Hollywood, una actriz, e investiga como obtenemos el lenguaje, y a su vez la educación de los medios de comunicación. La artista selecciona escenas triviales de comedias románticas que reflejan no sólo un diálogo ridículo de mujeres, sino también una obsesión en el contexto de los hombres y en sus relaciones con ellos. Breitz busca que el público analice el material de la cultura popular y el papel que este juega en la sociedad. Con este vídeo, acentúa la naturaleza peligrosa de este tipo de cultura, que se ha convertido en una imposición violenta y forzada en la vida de las personas a través de la televisión, la música y películas. Becoming plantea muchas cuestiones complejas que que tienen que ver con la subjetividad contemporánea, centrándose especialmente en la manera en que la identidad cada vez se inspira más en los prototipos producidos. Por el contrario, su trabajo también puede ser interpretado como los iconos alcanzan el estrellato en última instancia, porque nos imaginamos que son gente 'real'. en los medios de comunicación prototipos producidos. 'Por cierto, el título de la instalación Breitz alude a un programa de MTV, en los que los adolescentes se les da la oportunidad de volver a realizar un vídeo musical protagonizado por sus estrellas favoritas del pop. El español DIONISIO GONZALEZ presenta 'PAULICEIA DESVAIRADA' Aunque asturiano de nacimiento (Gijón 1968) vive y trabaja en Sevilla desde hace varios años, donde viene desarrollando un trabajo escultórico muy relacionado con los medios de comunicación, la imagen publicitaria, reutilizando esos medios para fines de 'activismo' artístico, de resistencia. La obra que tenemos en esta exposición se caracteriza por una increíble combinación de arte, arquitectura y reclamaciones político-sociales. El artista se nos presenta como un experto a la hora de combinar la crítica, al narrarnos un hecho sobre 'las favelas' de Sao Paulo, y la representación artística de una situación dramática. Este video no es solo una denuncia o una reclamación, también nos ofrece una solución al problema: la reinvención de la terrible situación arquitectónica de las favelas. Con esta perspectiva el artista plantea un reciclaje parcial partiendo de la realidad pre-existente. Dionisio González plantea una reestructuración radical de la edificabilidad mejorando unas condiciones de habitabilidad precarias. DMITRY BULNYGIN presenta 'UNTITLED (TENNIS). Artista nacido en Novosibirsk (RU) en 1965. Estudió en el el Novosibirsk Architect Institute. Desde 1998 se dedica al video arte y a las nuevas tecnologías: cortos, instalaciones de video, animaciones. En el año 2000 fundó el Festival de cortos cinematrográficos Extra Short Film festival ESF, www.esff.ru. Vive y trabaja en Moscú Rusia. Forma parte del grupo de artistas 'Blue Noses' y es el organizador del Festival de cortometrajes de Novosibirsk. Este artista ruso ha expuesto en el Museo de Bellas Artes de Ekaterinburg (Rusia), Novosibirisk, y ha participado en distintos festivales como el de Sydney (Australia) o el de Hamburgo y el de Oberhausen (Alemania), Madrid o Barcelona. Este video de 9 minutos en los que se enfoca desde abajo la falda de una tenista, fue presentado en la feria de Arte Basel Miami Beach de 2007, dedicada ese año a Rusia. El video causó gran expectación pues se rumoreó que se trataba de la tenista Rusa Maria Sharapova. Este video trata de una mujer que aparece jugando al tenis. De hecho, la mujer no es el personaje principal por que no esta filmada en primer plano, ni cara a cara, el plano del video esta tomado por debajo de la falda blanca de tenis que lleva puesta. Esta jugando un partido de tenis. Nos esta permitido ver sus piernas, que contrastan con el blanco extremo de su ropa interior y de su falda. También podemos percibir la luz azul de un cielo despejado... El gran DOUGLAS GORDON presenta 'THE LEFT HAND DOESN'T CARE WHAT THE RIGHT HAND ISN'T DOING/ THE RIGHT HAND DOESN'T CARE WHAT THE LEFT HAND ISN'T DOING'. Douglas Gourdon es un artista escocés nacido en Glasgow en 1966. Gordon ganó el Premio Turner en 1996 y al año siguiente representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia. En 2005 realizó una exposición en el Deutsche Guggenheim, Berlín llamada 'La vanidad de la alegoría. En 2006 hubo una exposición suya en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, llamada 'Línea de tiempo'. El trabajo de este artista explora principalmente temas en los que establece dicotomías éticas como entre la religión y la fe, el bien y mal, la inocencia y la culpa, la vida y la muerte. Como en muchos de sus trabajos, en esta obra Gordon usa su cuerpo como un elemento para el debate, explorando cómo puede ser de contradictoria la naturaleza humana, e implica al espectador como confesor y testigo de sus investigaciones. Así vemos en dos imágenes partes de su cuerpo que actúan de una forma u otra. Con estas imágenes examina el camino de como el significado puede ser comunicado y de como la percepción está definida por el conocimiento colectivo. HUSSEIN CHALAYAN nos muestra 'AFTERWORDS, 2000. Hussein Chalayan MBE es un diseñador de moda británico de origen turco-chipriota. Este revolucionario de la moda nació en Nicosia (Chipre), en 1970, pero se cargó de toda la influencia londinense al mudarse a la capital inglesa en 1982, junto a su familia. Para su graduación en la Central St. Martin's School of Art, en 1993, presentó una colección de prendas de seda que había enterrado para ver cómo se descomponían. Fue un camino de ida. Dos veces consagrado 'British Designer of The Year', nombrado Miembro de la Orden del Imperio Británico en junio pasado y con 20 colecciones en su haber, ha exhibido sus trabajos en la 51 Bienal de Venecia (2005, representando a Turquía), el Institute of Contemporary Arts (Londres, 2003), Victoria & Albert Museum (Londres, 2001), Tate Modern (Londres, 2001) y Musée de la Mode, Palais du Louvre (París, 1999), entre otros. Junto a su negocio de la moda, Chalayan concibe, produce y vende objetos, instalaciones y películas de edición limitada para coleccionistas de todo el mundo, cuyos beneficios se reinvierten en su etiqueta. Su pasión por el arte le ha llevado a combinar su talento como diseñador en varias obras artísticas como la que podemos disfrutar en esta exposición. Es una obra muy interesante, en especial por que el artista juega con el arte y la moda, mezclando y uniendo estos dos conceptos de una manera brillante. Podemos considerar como protagonista a unas modelos que visten una falda. La falda va convirtiéndose en otros objetos... MARTIN SASTRE muestra'MONTEVIDEO: THE DARK SIDE OF THE POP', 2004. Martín Sastre, nacio en Montevideo, Uruguay. Es un director de cine y artista contemporáneo que trabaja con películas, vídeo, escultura, fotografía y dibujo, considerado uno de los artistas Latinoamericanos más representativos de su generación. The Dark Side of the Pop' es una fábula futurista que tiene lugar en un momento en que la capital uruguaya, Montevideo, ha sido abandonada. Las potencias mundiales concentran sus esfuerzos en la búsqueda de las causas de este extraño suceso, y tratar de descubrir lo que sucedió con la población local. En este contexto, un adolescente superdotado es enviado a Montevideo. 'Montevideo: the dark side of pop' representa un punto de partida para la construcción de una ficción llena de referencias musicales populares e iconográficas, que ocultan una moralidad cáustica sobre un futuro desconocido, incierto y sombrío para la Unión Europea. Con esta obra Martin Sastre ganó el primer premio de artistas jóvenes en la Feria ARCO de Madrid en 2004. El brasileño MARCELLVS L presenta 52º 30'50.13'' N 13º 22' 42.05'' E, Marcellvs L. es un video artista brasileño nacido en 1980 en Belo Horizonte, Brasil. Actualmente reside y trabaja en Berlin. Expone internacionalmente desde mediados desde 2005. El título de la obra de Marcellvs L. 's consiste en las coordenadas geográficas del lugar donde las imágenes surgieron. Cinco pantallas paralelas nos muestran cinco vistas de pasillos que son cruzados por pasos. Las vistas son interrumpidas al azar por el cruce de la gente por los pasillos. Observar el lugar se convierte en una abstracción irritante. Los datos geográficos son tan exactos como ellos son abstractos, mientras la simetría del lugar restringe el movimiento humano a dos dimensiones: la gente cruza el campo de la cámara horizontalmente o ellos trasladan en las profundidades del espacio. Los vídeos fueron registrados durante un período de seis meses, aún en intervalos diferentes. Marcellvs L. crea un lugar que parece existir únicamente en el presente y que no podemos situar en realidad. MICHAEL REES presenta PUTT0. Michael Rees es un artista estadounidense dedicado a la escultura, instalación, animación, computación interactiva e ingeniería estética. Su obra ha sido expuesta en el Museo Whitney en la Bienal de 1995 y nuevamente en 2001 en los flujos de bits de exposiciones. Ha tenido exposiciones internacionales en el Museo de Marta en Alemania, y se muestran en galerías de Nueva York. El trabajo está incluido en las colecciones públicas en el Museo Whitney de Arte Americano y también en el Museo de Arte Contemporáneo Kemper, de la ciudad de Kansas con una gran instalación pública permanente de la escultura y la animación Putto 2x2x4. Putto es una figura creada usando múltiples tecnologías que comienza con un modelo original de ordenador y que es diseñado con una variedad de software sofisticado. En este caso cuatro pares de piernas rechonchas de bebé, que nos recuerdan a los putti (querubines) del Renacimiento, y cuatro dedos se unen a lo largo de un cuerpo sin rasgo anatómico. En esta animación el significado del trabajo se hace claro, los accesorios rechonchos parecen funcionar con su propia inteligencia, y deben de cooperar los unos con los otros para poder moverse. La criatura parece solucionar internamente un problema complejo de locomoción, que causa un movimiento que tira y que se refiere NATHALIE DJURBERG nos ofrece 'THE RHINOSAURUS AND THE WHALE'.Nathalie Djurberg es una videoartista sueca nacida en 1978 en Lysekil, que actualmente vive y reside en Berlín. Nathalie es conocida por su producción de videos y cortometrajes de estilo en apariencia naïf pero con una fuerte carga violenta y erótica. En este video podemos observar el nacimiento de un rinoceronte y todo lo que sucede a su alrededor. En sus videos vemos una animación hecha con figuras de plastilina, con un formato similar a los de los cortos infantiles. Así el espectador tiene la sensación de que es un niño de nuevo, sin embargo, esas imágenes tienen un lado oscuro y amenazante... De ZILLA LEUTENEGGER veremos SPELL NOSTIGELS. Esta artista suiza (Zurich, 1968) se formó en la escuela de negocios de Chur y posteriormente en la escuela de artes visuales de Zúrich. Muchos de sus trabajos giran en torno a recuerdos de infancia y vivencias propias, la soledad y la incomunicación, no como estados amenazadores sino como poéticos e íntimos, cualidades que la artista consigue realzar con desenfado. La artista realiza sus trabajos mayoritariamente en vídeo, en los cuales aparecen dibujos que anima posteriormente con el ordenador. En sus obras reflexiona sobre su posición como mujer y artista dentro de la sociedad a través de una relectura de los estereotipos femeninos existentes. Adoptando distintas personalidades imaginarias, como Cenicienta, El Zorro o una estrella del pop anónima, que ocupan lugares imposibles? recorren las Montañas Rocosas sobre un extraño caballo, orinan en la luna?, Leutenegger transporta al espectador a un mundo onírico, lleno de magia y romanticismo, que se presenta como reflejo del deseo infantil. La obra de Zilla Leutenegger se nos presenta como inusitadamente sincera e íntima lo cual se debe, en parte, a que la artista misma es la protagonista de sus videos. Este último es un vídeo esta hecho con un dibujo en movimiento. De hecho, la protagonista, está sentada en una silla en medio de un papel blanco que se convierte en una habitación. Cada línea es negra. Esta pensando y soñando, buscando explicaciones, en su espacio. Sus pensamientos aparecen escritos sobre las paredes, que se mueven alrededor de ella. Además la exposición nos muestra dos DOCUMENTOS de gran interés. Uno de BILL VIOLA titulado THE EYE OF THE HEART. A PORTRAIT OF THE ARTIST, y otro de OLAFUR ELIASSON que lleva por título NOTIN MOTION Bill Viola, uno de los mejores artistas contemporáneos, nació en el año 1951 en New York y desde niño tuvo vocación artística. Estudió arte en la Universidad de Siracusa -instituto pionero en la utilización de nuevos medios de expresión. Viajero incansable, en uno de sus viajes conoció a la fotógrafa Kira Perov, quien se convirtió en su mujer. A principios de la década de 1970 comenzó a trabajar con video. Es así que en su trabajo sobresale la innovación tecnológica, además de su profundo interés por el arte de antaño, principalmente por el arte tardomedieval y renacentista. El artista obtuvo una beca de artes creativas en Japón, donde tuvo que vivir 18 meses. A tierra nipona volvió repetidas veces. Es así que para crear se inspira en la iconografía y la filosofía de las tradiciones no sólo europea sino también oriental. Esto se dio entre fines de los setenta y principios de los ochenta, en que su arte cobró un impulso, debido tanto al desarrollo de los medios audiovisuales, como a su evolución personal, al descubrir la religión oriental, como el budismo, etc. Su obra más conocida son las vídeo instalaciones, en las que aparecen desde representaciones oníricas, hasta temas como el nacimiento o la muerte. THE EYE OF THE HEART. A PORTRAIT OF THE ARTIST fue dirigida por Mark Kidel para la BBC y Francia ARTE, es un documental de sesenta minutos sobre la vida y obra de este artista pionero de vídeo. OLAFUR ELIASSON (Copenhague, 1967) es un artista danés, hijo de padres islandeses. Eliasson estudió en la Real Academia de las Artes de Copenhague entre 1989 y1995, y vive actualmente en Berlín. Representó a Dinamarca en la bienal de Venecia de 2003 y ha expuesto en varios museos y galerías de arte internacionales, incluyendo el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en 2003, y Tate Modern en Londres, donde estuvo expuesto su gigantesco Weather Project. Su obra explora la relación entre naturaleza y tecnología, donde en ocasiones elementos como la temperatura, el olor o el aire se convierten en parte de la escultura cuando se representan en un contexto artístico. Eliasson recibió el Premio Joan Miró, otorgado por la Fundación Joan Miró de Barcelona con el patrocinio de Caixa Girona, en el año 2007. Considerándolo el jurado como uno de los artistas más importantes y comprometidos con su trabajo de nuestro tiempo. La producción artística de OLAFUR ELIASSON no deja indiferente a nadie, puesto que su trabajo, centrado en el empleo de elementos como la temperatura, la luz, las sombras, el agua o el viento, persigue introducir al espectador en un contexto artístico que rompe las leyes de la percepción visual y le sitúa como parte dialogante con la obra. NOTIN MOTION es un retrato del artista. La película presenta el trabajo de Eliasson y las teorías estéticas, ya que los documentos de uno de sus más grandes exposiciones de la historia', noción de movimiento', en el Boijmans van Beuningen en Rotterdam. Un excursus examina Hans Richter y su película abstracta 'Ritmo 21' realizado en 1921.
Artistas: Marina Abramovic, Bill Viola, Candice Breitz, Dmitry Bulnygin, Hussein Chalayan, Nathalie Djurberg, A. K. Dolven, Anthony Goicolea, Dionisio Gonzalez, Douglas Gordon, Zilla Leutenegger, Eliasson Olafur, Marcellvs L., Michael Rees y Martin Sastre.
Exposición. 09 ene de 2025 - 22 feb de 2025 / Galería Freijo / Madrid, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España
