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Muestra colectiva que manifiesta, la multiplicidad imaginativa, el alcance de y las singularidades estéticas registradas hoy en la producción de artes visuales iberoamericanas y también una sistemática investigación en los lenguajes de expresión artística, cuyos contenidos superan críticamente las distinciones entre global y local dictadas por el flujo cultural hegemónico que va de los centros de poder hacia las periferias.

Las obras de diez artistas conforman un itinerario que incluye diferentes corrientes y tendencias presentes en la cartografía estética iberoamericana. Este panorama visita una diversidad de posiciones poéticas que van desde la neofiguración pictórica, pasando por vertientes postconceptuales y postminimalista hasta evocaciones visuales neopop, vinculadas a la expresión de las problemáticas que hoy atraviesan a la ... realidad sociocultural iberoamericana.

Muchas de estas propuestas reflexionan sobre cómo la intensificación de los fenómenos globales tanto económicos como socioculturales y políticos, han provocado la homogenización de diferentes formas de vida, bajo un esquema etnocéntrico que establece la hegemonía del centro sobre las periferias. Esta ideología construye un sistema jerárquico donde las culturas hegemónicas, se auto distinguen como universales (globales), dejando para el resto el papel de culturas particulares (locales). Así las culturas globales, reclaman para sí el establecimiento de modelos hegemónicos de representación simbólicos hacia las periferias. De este modo un verdadero interés por la diferencia desde el horizonte global en la búsqueda de una supuesta "autenticidad local", pasa a ser una frívola atracción por lo exótico que, empacado desde el centro, se distribuye en forma de estereotipos por las redes de consumo globales del mercado cultural.

"IBEROAMÉRICA GLOCAL. Entre la globalización y el localismo" recoge las contestaciones hacia unos mecanismos hegemónicos de representación simbólica ante los cuales los artistas a través de distintas vías de expresión como fotografía, vídeo, pintura, instalación, diseño y escultura, establecen estrategias que les permiten hibridar ambos códigos (global y local) para producir mensajes de oposición diferentes a las retóricas culturales vigentes.

LAURA BELÉM (Belo Horizonte. Brasil, 1974) artista multimedia que trabaja con fotografía, vídeo, instalaciones e intervenciones en sitio específicos. Su obra aborda problemáticas relacionadas con la arquitectura de lugares concretos y el paisaje. En otro orden, articula aspectos de la vida cotidiana y referencias históricas relacionadas con aspecto socioculturales de Brasil. Ha expuesto en América y Europa. Formó parte de la representación brasileña en la edición 51 de la Bienal de Venecia.

JUAN FERNANDO HERRÁN (Bogotá. Colombia, 1963) Es uno de los artistas colombianos de mayor proyección internacional. Su trabajo se expresa en diversas formas artísticas como la escultura, el vídeo, instalación y fotografía, para adentrarse en el drama que vive la sociedad colombiana por la guerra interna entre el gobierno, las guerrillas y los carteles de la droga. Expone activamente en América Latina, Europa y Estado Unidos. Ha sido invitado a las bienales de São Paulo, Estambul y Johannesburgo.

JACQUELINE LACASA (Montevideo. Uruguay, 1970). Es curadora y artista, además de una infatigable activista de las artes contemporáneas uruguayas. Desde su plataforma artística La hija natural de Joaquín Torres García (artista maestro, e inspirador de varias generaciones de creadores uruguayos), esta autora ha desarrollado una serie de conferencias/performance acompañados de un periódico que cuenta con 11 ediciones. Su participación en la exposición de Casa de América contará de una edición especial donde se reflexionará en torno a la amnesia y la memoria histórica.

JUAN IRIBARREN (Caracas. Venezuela, 1956), es uno de los pintores venezolanos más sólidos de su generación. La obra destaca por un gran rigor compositivo y el rico universo cromático, matizados por delicadas líneas y firmes pinceladas dispuestas en espacios, que se mueven en formas verticales y horizontales por todo el plano pictórico. El original diálogo entre pintura abstracta y neofigurativa que plantea el lenguaje de su poética, proyecta un estilo muy personal. Sus obras se encuentran en prestigiosas colecciones de América Latina, Europa y Estados Unidos, donde expone regularmente.

JORGE MACCHI (Buenos Aires. Argentina, 1963), tiene unas de las propuestas más interesantes de las escena artística argentina y, en el general, dentro de panorama de las artes visuales contemporáneas internacionales. Su obra posee una dimensión expresiva casi borgiana por la estrecha relación que guarda mucha de ella con la ciudad de Buenos Aires, pero también por la imaginación que despierta en el espectador, al que le convida a combinar la compresión lógica del mundo y su percepción sensible como un hecho rodeado de magia. Ha representado a Argentina en las bienales de Venecia, São Paulo o Mercosur, entre otras. Sus exposiciones recorren las principales galerías y museos de arte contemporáneo de Europa, América Latina y Estados Unidos.

FRANCIS NARANJO (Las Palmas de Gran Canarias. España, 1961), es uno de los vídeo-artistas españoles más importantes en el panorama actual de las artes visuales iberoamericanas. Parte de su obra visiona al sujeto postmoderno inmerso en una gigantesca interfaz informática de control y vigilancia, tanto del espacio público como del privado, donde el espectáculo y la simulación como experiencias de consumo efímeras pero omnipresentes, diseñan el ritmo de nuestro mundo de vida. Sus últimas vídeo instalaciones, investigan sobre las transformaciones de instancias contemporáneas como son el contexto, la puesta en escena y su relación con realidades personales. Ha expuesto regularmente en Latinoamérica, Europa y Estados Unidos con repuestas muy positivas por parte de la crítica especializada.

NOÉ SENDAS (Bruselas. Bélgica-Portugal, 1972), es una de las figuras más prometedoras de las jóvenes generaciones de artistas portugueses. Destaca por un eficaz manejo tanto de formatos escultóricos, como fotográficos o instalaciones para reflexionar sobre los sentimientos humanos y su naturaleza contradictoria. Sus obras cuentan historias recreadas muchas veces a partir películas del cine negro u otros elementos de la cultura pop, que nos obligan a interrogarnos sobre nuestra condición humana. Estas obras son cada vez más conocidas fuera del ámbito artístico de Portugal y España y comienza a proyectarse a Europa donde ha expuesto ya en varios países como Alemania y Francia.

GASTÓN UGALDE (La Paz. Bolivia, 1946), es uno de los creadores bolivianos de mayor trayectoria artística internacional. Sus formas creativas abarcan escultura, fotografía e instalación. Este autor hunde sus raíces creadoras en la cultura popular boliviana, donde la historia y singular sensibilidad de los mitos, iconos y tradiciones indias ocupan un importantísimo lugar. El empleo de materiales como tejidos autóctonos, barros secos y hojas de coca, son una forma de reivindicar las tradiciones indias en el conjunto de la cultura nacional boliviana. Sus fotografías e instalaciones han representado a Bolivia en prestigiosas bienales como la de Venecia y La Habana. Su obra es conocida ampliamente en América Latina y Estados Unidos.

TERESA MARGOLLES (Sinaloa. México, 1963), constituye una de las creadoras más heterodoxas y originales de la actual escena artística internacional. Su obra marcada por una traumática visión sobre la vida y la muerte, muy presente en la cultura mexicana, es abordada en forma de vídeo e instalaciones y esculturas con restos de fluidos humanos, sonidos e imágenes de las morgues mexicanas. En los trabajos denuncia la situación espeluznante de cientos de personas muertas de forma violenta, cuyas familias, dada su extrema pobreza, no cuentan con medios para darle un entierro digno. Sus últimos trabajos tratan el terror social desatado por la guerra entre los diferentes carteles de la droga que operan en la frontera entre México y Estados Unidos. Ha expuesto ampliamente en Europa y América Latina.

WILGER SOTELO (Cartagena de Indias. Colombia, 1979) es un artista emergente que se mueve en el ámbito de la fotografía y la escultura. Sus obras recogen un desgarrador testimonio sobre la violencia que asola a la ciudad de Cartagena de Indias y las huellas criminales que ha dejado en la generación de este joven autor. Su última propuesta resume el proceso de pedir prestadas armas blancas y de fuego que portan jóvenes de barrios pobres de la ciudad, a las que el autor hace un vaciado en yeso para luego fundirlas en una placa en la que cada dueño del artefacto pone sus inscripciones a mano. Sus obras han sido exhibidas en Colombia y España.