Descripción de la Exposición ------------------------------------------------------- ------------------------------------------------------- Este nuevo proyecto surge de la imperiosa necesidad de demostrar la existencia del arte como una necesidad, así como nuestro compromiso y obligación con la sociedad de ofrecerlo. Debemos entender el arte como termómetro de su civilización y cultura y como tal el valor utilitario del arte y la consideración del artista como ser práctico, histórico y social que, al humanizar la naturaleza con su actividad, crea un mundo de relaciones, valores y productos, del que forman parte los valores estéticos de la obra de arte. El título de todo el proyecto global sería «Grey Flag», un título que surge a partir de Black Flag, el periódico anarquista británico y white flag la bandera de rendición, conjugando una recuperación de la actitud y estética anarquista y la necesidad de ver todas las escalas de grises posibles, especialmente ante la situación actual. También alude a lo formal, a desarrollar una serie de carteles gigantes que funcionen como bandera o estandarte CONTEXTUALIZACIÓN HISTÓRICA Uno de los antecedentes de esta tipología de cartel podría encontrarse en el afiche. El afiche o cartel callejero fue uno de los grandes protagonistas de la transición de la dictadura a la democracia en nuestro país, en los años 70 y 80 del pasado siglo. El afiche constituía y simbolizaba a un tiempo la difícil recuperación de la libertad de expresión -negada durante decenios- y la progresiva conquista de la calle. Inicialmente el cartel actuó como emisor de mensaje, de un mensaje preciso, de una convocatoria, una manifestación, una asamblea, una huelga. Era también una labor militante, que permitía a las organizaciones disputar el espacio visual de la calle y la dirección de una progresiva opinión pública. El mensaje se sintetizaba en eslóganes y el aparato gráfico disputaba con la palabra a partir del humor, la ironía, la transgresión o la eterna contundencia de la denuncia. Por otro lado dentro de la estética ácrata destaca como postulado esencial la consideración del arte como un fenómeno social. En la síntesis estético-política y social que los anarquistas llevan a cabo pretenden destruir el estatus de la obra de arte como el goce exclusivo de las clases pudientes y como producto exclusivo de los artistas profesionales. Además de esta misión revolucionaria, el básico optimismo de las teorías ácratas exigía del arte una luminosa misión: labrar la senda del porvenir humano y ser mensajero del ideal. En este sentido, los anarquistas deberían referirse no a la realidad sino a la verdad, realidad y verdad que en el sentido hegeliano coinciden. Sus carteles eran generalmente alegóricos, con una sintaxis óptica especial, concentrando visualmente el mensaje para una aprehensión inmediata y global. Por medio del juego tipográfico, el lector se condicionaba para entender los mensajes a dos niveles: uno comunicativo o expresivo, y otro tipográfico y casi icónico También, al considerar la colaboración directa del arte a los fines de la vida social y como ventaja para la sociedad, este carácter eminentemente utilitario, liga a esta estética con las del socialismo europeo del siglo XIX. La función esencial del dibujo anarquista era propaganda, por ello el dibujo se vuelve expresionista ya que trataba de comunicar el mensaje ideológico de la forma más emotiva posible. Los personajes eran fácilmente identificables (el militar, el cura, el burgués), y predominaban la caricatura, la hipérbole y la deformación. Participaban de la temática de los bajos fondos cara al s. XIX, y por ello apreciaban a los neo-impresionistas ácratas como Seurat, Signat, Pisarro..., o algunos ejemplos anteriores como Goya o Brueguel De este modo los intentos anarquistas consiguen sacar a la obra de arte de lo que Adorno llamó la «dialéctica feudal de señorío y servidumbre». En resumen, la obra artística libertaria es elocuente, popular, épica, violenta y optimista a la vez. Son obras de artistas comprometidos que no dibujaban para la eternidad, sino para la gente de su época, para sus compañeros de lucha. Descubren que la imagen puede también ser un arma, que, multiplicada y difundida, atrae la convicción más rápidamente que la palabra. DESARROLLO DEL PROYECTO EN ARTIUM En un momento de crisis económica como la que nos ocupa, un proyecto como este se plantea como necesario al mostrar un esquema de las relaciones constitutivas de la realidad del arte que puedan servir para la interpretación de la crisis social capitalista. Al mismo tiempo, busca reflejar la propia idiosincrasia del mundo del arte, sus particularidades, necesidades y contradicciones en un momento tan particular como este. Dentro de estas líneas se plantea invitar a una serie de artistas a realizar una pancarta de dimensiones gigantescas (10 x 10 m), que cubrirá parte de la fachada del museo destinada a Biblioteca y oficinas. El edificio quedará así flanqueado por dos pancartas que coincidirán en el tiempo y se irán alternando consecutivamente, de modo que exista en todo momento un diálogo entre ellas, y unas relaciones dialécticas entre la anterior y la siguiente. ARTISTAS LA NECESIDAD DEL ARTE Kepa Garraza (Berango, 1979) Su obra pictórica utiliza una deliberada literalidad para plantear una reflexión acerca del mundo del arte y su papel dentro de la sociedad. Desde una sólida inmediatez, utiliza el metalenguaje para cuestionar los procesos de legitimación institucionales y hablar con ironía de sus discursos hegemónicos, así como de la fragilidad estructural que refleja el estado de una sociedad en permanente crisis. A partir de recursos como el apropiacionismo, el autorretrato y el cliché -en esta ocasión el propio artista frente a un marco vacío en lo que parece ser la sala de un museo- ironiza en torno al carácter icónico y la fetichización de la obra de arte y los mecanismos de la configuración del gusto oficial. REEDUCACIÓN Juan Pérez Agirregoikoa (San Sebastián, 1963) Su trabajo se articula en torno a un permanente cuestionamiento de lo real y sus canales de escenificación, a través de la cultura y sus medios. Las múltiples lecturas de sus obras, en las que el texto se erige como protagonista, refuerzan la ironía de una serie de representaciones que no permiten una lectura unívoca. En esta ocasión la escena se configura con un perro de presa, en actitud solemne, como el animal obediente y manso por excelencia, portando un collar donde puede leerse la palabra «reeducación». Como telón de fondo, unas banderitas de feria reiteran la palabra en euskera, español e inglés (berriz hezi, reeducación, reeducation). Este concepto nos remite a la Revolución Cultural que abogaba por la reeducación de toda la población china. Bajo el estandarte de la «Re-educación», Mao envió a millones de graduados a las zonas rurales, a aprender de los campesinos, que serían los nuevos encargados de enseñar al pueblo. La estética de verbena de fondo aporta un tono lúdico a la escena, al tiempo que incide en la necesidad de despojarnos de ciertas herencias socio-culturales y mantenernos en un permanente proceso de reeducación. LA MUERTE DEL ARTE Laurina Paperina (Rovereto, Italia,1980) Humor corrosivo que roza lo macabro, matizado con cierto componente naif caracterizan el trabajo de Laurina Paperina. Los protagonistas de sus obras son personajes de la cultura popular, extraídos de la televisión, el cine, la música, y especialmente del propio mundo del arte, que desarrollan ficciones en diversos soportes como cartón, madera, lienzo, papel... y vídeos de animación. El mundo del arte es retratado por la artista con grandes dosis de ironía, subvirtiendo sus propios códigos y jugando con lo absurdo para desarticular los discursos de algunos de los grandes nombres de la esfera artística contemporánea. En esta ocasión, la artista utiliza la ya mítica expresión de Arthur C. Danto «La muerte del arte» para desarrollar una orla de rostros cadavéricos de artistas de renombre. La tesis de la supuesta «muerte del arte» en el mundo contemporáneo, fundamentada en la Estética de Hegel, sirve a Paperina para ironizar de manera radical sobre la figura del artista y el rol del arte hoy día, especialmente en el turbulento momento en el que nos encontramos con el fin de apelar a la conciencia del espectador y sugerir, como el propio Danto, que definitivamente ya es tiempo de cambio. Francesc Ruiz (Barcelona, 1971) El trabajo de Francesc Ruiz, que se centra fundamentalmente desde los años noventa en el dibujo, nos traslada al terreno del cómic y la viñeta. Ruiz utiliza todas las posibilidades del dibujo (claramente influido por el cómic tanto europeo como japonés) para narrar historias a pie de calle, cercanas y cotidianas que, sin embargo, ponen en evidencia y de forma aparentemente ingenua o lúdica, algunos temas que afectan al conjunto de la sociedad. En sus dibujos, la mayoría de las veces en blanco y negro, utiliza el lenguaje de la tira gráfica o incluso del póster callejero, para presentarnos retratos de cualquier ciudad con infinidad de personajes. Los dibujos de Francesc Ruiz, que en ocasiones invaden las paredes, nos hablan de la cotidianeidad y el entorno que nos rodea y nos cuentan acciones realizadas por múltiples grupos de gentes en diferentes escenarios. El procedimiento artístico, en otras muestras suyas, ha estado basado en la digitalización de un dibujo que después se ha exhibido en formato de collage de fotocopias pegadas a la pared, lo que el propio autor ha llamado «cómic expandido». Aficionado al cómic como lector, Francesc Ruiz lo utiliza como medio de expresión y lo saca de su contexto de exhibición tradicional para presentarlo en un contexto artístico, buscando más su poder metafórico que su capacidad narrativa, a la que tampoco renuncia. Aplicando ciertas estrategias provenientes de la tradición del arte conceptual y del situacionismo, crea instalaciones e intervenciones vinculadas a contextos específicos. Entre sus últimas exposiciones individuales se encuentran Gasworks Yaoi (Gasworks, Londres, 2010), The Paper Trail, en el Contemporary Image Collective de El Cairo (2010) y Big Boom en el Centre d'Art La Panera (2008). Artemio (Ciudad de México, 1976) Su trabajo cuestiona a través del humor y el cinismo los temas de la violencia, la guerra y el uso que los mass media hacen de estos. Todo en su obra gira en torno a hacer reflexionar sobre los discursos. Qué decir y cómo decirlo es lo que más le importa. Utilizar el arte como un arma poderosa que puede ampliar la comprensión de lo que está pasando en el mundo. Sabe del poder de los contenidos, de lo vacíos que a veces resultan, de lo fácil que es armar peroratas sin sentido pero con seguidores. En este orden de ideas, alguna vez escribió una revista de arte, con jerga incomprensible y con la prepotencia del «creador», que hizo llegar a diversas personalidades, felicitándolas por haber sido elegidas para recibirla. También, junto con otros, armó un equipo de «especialistas» para dictar conferencias gratuitas donde se disfrazaban de filósofos, politólogos o lo que fuera. Artemio ha expuesto en Estados Unidos y México, Ecuador, Colombia, Panamá, Cuba, Brasil, España y Corea, entre otros. Fue cofundador del espacio La Panadería y ahora es cofundador de SOMA
Artistas participantes: Kepa Garraza, Juan Pérez Agirregoikoa, Laurina Paperina, Artemio, Francesc Ruiz y Ruth Gómez.
Exposición. 09 oct de 2024 - 10 mar de 2025 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
Formación. 15 oct de 2024 - 30 jun de 2024 / Museo Nacional Thyssen-Bornemisza / Madrid, España
