Descripción de la Exposición
La Fundación Montemadrid presenta la exposición Generación 2018, comisariada por Ignacio Cabrero y surgida como resultado de la XVIII edición del Certamen de Apoyo al Arte Joven Generaciones, una convocatoria cuyo principal objetivo es ofrecer una plataforma, dedicada al arte actual, para mostrar el trabajo de creadores emergentes y difundir estas propuestas artísticas entre la crítica especializada y el público general.
Los artistas y proyectos premiados en esta edición son Antoni Hervàs (Barcelona, 1981), Autogruta; Antonio Gagliano (Córdoba, Argentina, 1982), Sistema nacional de innovación; Elena Lavellés (Madrid, 1981), Dark Matter; Fran Meana (1982, Avilés), Starter Cultures; Irene Grau (Valencia, 1986), Ningún lugar en particular; José Díaz (Madrid, 1981), El sueño de la M30; Levi Orta (La Habana, Cuba, 1984), El heredero; Lola Lasurt (Barcelona, 1983), Duelo por la España negra; Marco Godoy (Madrid, 1986), La ficción del poder; y Serafín Álvarez (León 1985), Umbral.
Como cada edición, se ha editado un catálogo bilingüe español/inglés que acompaña a la exposiciones con textos de Margarida Mendes, Julián Cruz, Lucía Lijtmaer, Julia Ramírez Blanco, Enrique Vila-Matas, Marc Navarro, Sofie Crabbé, Blanca de la Torre, Alejandro Alonso Díaz y Gretel Medina.
La sombra de la noche
La caída de la tarde, el nacimiento de la noche, más que un tiempo, siempre ha sido un espacio inspirador para el desarrollo del arte. Dejarse llevar a través de la oscuridad y las tinieblas ha sido y es también una reivindicación y una resistencia frente a la luz cegadora de lo ya conocido. Quizás el arte es señalar lo que no se ve, descubrir aquello que está oculto detrás de lo evidente, o mirar detrás de lo que se cree ver. La búsqueda de esa “percepción de lo insólito” sigue moviendo a muchos de los artistas actuales a adentrarse en el mundo de la caverna y de la oscuridad, a esas zonas donde no está quizá la belleza ideal pero sí la tenue sombra de su ser. El arte contemporáneo es sensible a esos espacios oscuros, propios de la noche, como manera de transgredir lo establecido, enfoque al que no son ajenos muchos de los artistas presentes en esta edición de Generación 2018.
PROYECTOS GANADORES GENERACIÓN 2018
Serafín Álvarez
León, 1985. Vive y trabaja en Barcelona
Umbral
2018
Instalación
3D en tiempo real, espuma de poliuretano, hierro
2,80 × 2,80 × 2,20 cm
Con la colaboración de Carlos Fdez. Rovira y BaseTIS
En 1971, los hermanos Strugatsky escribieron Picnic junto al camino, libremente llevada al cine por Tarkovsky en Stalker y en la que posteriormente se basó la serie de videojuegos S.T.A.L.K.E.R. Hay un importante elemento que todos ellos comparten: La Zona, el extraño, prohibido y abandonado paisaje en el que se desarrollan. Un lugar donde la naturaleza se ha abierto camino ante viejos restos de un pasado industrial catastrófico. En La Zona suceden fenómenos incomprensibles y está plagada de trampas que dificultan el avance. Se dice que contiene un lugar recóndito con propiedades supernaturales que concede los deseos de quienes consiguen acceder a él. Con La Zona como la primera de muchas referencias nace Umbral, un proyecto sobre aquellas “zonas” que representan accesos a lo desconocido dentro de la ficción. De la estructura general compartida por una gran cantidad de relatos procedentes de todas las culturas y tiempos, para su trabajo le interesan principalmente las etapas que suponen el tránsito entre el mundo conocido y el mundo por descubrir. La formalización del proyecto consiste en la producción de un escenario 3D en tiempo real, un paisaje virtual a recorrer por el usuario. El resultado seráì una aplicación de ordenador, similar a un videojuego de acción en primera persona pero desprovisto de la acción.
Umbral es un mundo vivo en el que, aparentemente, eres el único habitante y en el que no podrás hacer nada más que caminar contemplativamente mientras lo descubres.
José Díaz
Madrid, 1981. Vive y trabaja en Madrid
El sueño de la M-30
2018
Instalación pictórica
5 óleos sobre lienzo, listones de madera
6 × 7,15 m
El sueño de la M30 centra el interés en los espacios subterráneos de la ciudad como son los Clubs de baile, el metro y las zonas sin luz natural, en relación con modos de experiencia virtual y simulacro de realidad como son los videojuegos y los modelos de organización esquizoide como el imaginario fantástico de “exploración de mazmorras” o las distopías Sci-Fi y cyberpunk. La propuesta instalativa vendrá dada por una organización espacial de los elementos, pinturas y materiales, atendiendo a la organización propia de estos sistemas de representación, como son las losetas de territorio, los contadores, indicadores y su pertinente parafernalia. El proyecto pretende poner en valor la importancia de las poéticas subterráneas como generadoras de luz y la evasión como potencia emancipadora.
El sueño de la M30 es una propuesta de instalación pictórica que continúa con el trabajo desarrollado durante los tres últimos años en las series Baba de caracol, enjundia de gallina, moco verde de sapo y Motorik. Estos trabajos giran en torno a la idea de ciudad tecnológica y la experiencia urbana del individuo. El proyecto toma como motivos las relaciones similares entre la práctica pictórica, la ciudad como ecosistema y la aceleración tecnológica como paradigma.
Antonio Gagliano
Córdoba, Argentina, 1982. Vive y trabaja en Barcelona
Sistema Nacional de Innovación
2018
Vídeo / animación
15 min
El nacimiento de los dibujantes de patentes y el capitalismo industrial ocurrieron al mismo tiempo. Sumergirse en el archivo de la Oficina Española de Patentes y Marcas también significa descubrir cosas sorprendentes: barcos esféricos de cien metros y experimentos con pólvora rosa, corazonadas lentas que van mucho más allá de la fregona y el Chupa Chups. En España, desde hace varios siglos, el dibujo contribuye tanto a la creación de conocimientos comunes como a su privatización, es una práctica que se equilibra en la paradoja de compartir y custodiar. La propuesta de Antonio Gagliano es elaborar un diagrama de piezas en donde recrear prototipos tecnológicos antiguos con técnicas contemporáneas, utilizando software de modelado tridimensional como Maya y de animación como Toon Boom. A partir de aquí, produce piezas videográficas cortas, de menos de seis minutos cada una. El propósito de estas películas es desbordar totalmente el proceso de prototipado para sugerir una suerte de reconstrucción de los mundos posibles encriptados adentro de todas estas patentes. Lo más importante es activar ese poso de imaginación.
“Me fascina la posibilidad de explorar qué pasa cuando le damos la palabra a visiones tecnológicas aparcadas en la banquina del tiempo. Parto de la hipótesis de que existen futuros borrosos y mundos exuberantes, nunca acontecidos, almacenados en su interior”.
Marco Godoy
Madrid, 1986. Vive y trabaja entre Madrid y Londres
La ficción del poder
2018
Videoinstalación
(vídeo, objetos escultóricos)
Dimensiones variables
En el parlamento inglés, el trono tiene una piedra incrustada debajo del asiento llamada “La piedra del destino”. Ésta marcaba el lugar de coronación de los monarcas escoceses, hasta que los ingleses la robaron en 1296. Desde entonces, los británicos se coronan sobre el trono de los vencidos. La densidad histórica de este objeto sirve como una ilustración de las distintas capas de dominio que están aun presentes en el poder. Partiendo de esta historia real con tintes de leyenda, este proyecto trabaja sobre la construcción de la autoridad y su uso de la imagen para cimentar su legitimación. Entendiendo la autoridad como una construcción teatral, llena de acciones, objetos y parafernalia simbólica, los diferentes objetos pueden verse como elementos de un vocabulario destinado a lograr sometimiento. Esta serie traza un recorrido a través de esos elementos a lo largo de la historia, una cinta de Moebius donde se unen las historias en donde los objetos y las imágenes están hechas de agregados de poder. Empleando el vídeo y la instalación se trata de comprender la producción del respeto y la autoridad a partir de elementos simbólicos. Y cómo estos, tras pasar por lo afectivo se convierten tan efectivos como un documento de la ley.
Irene Grau
Valencia, 1986. Vive y trabaja en Santiago de Compostela
Ningún lugar en particular
2018
Instalación
12 fotografías: copia ultrachrome sobre papel baritado, 65 × 85 cm c/u
Cuadro: acrílico sobre lienzo, 35 × 27 cm
Cuaderno en conversación con Enrique Vila-Matas a disposición del público
Desde el pasado noviembre, Irene Grau viaja siempre con un cuadro blanco en la maleta. Allá donde va a pasar al menos una noche, ya sea casa particular, apartamento, hostal u hotel, descuelga el cuadro que haya en la pared y en su lugar cuelga el que lleva consigo; pintado de blanco y de las dimensiones máximas que permite una maleta de mano. De este modo ha acabado por asumir una práctica que apunta directamente a la cuestión perceptiva del objeto-cuadro. Nada tiene que ver el contexto expositivo, aséptico, con el doméstico; donde el cuadro participa de una alta contaminación perceptiva. Esa contaminación se convierte aquí en reivindicación. El cuadro, uno más entre otros objetos, no se ve incomodado por la proximidad de las cosas que lo rodean. Al contrario. Está allí, en efecto, pero podría estar perfectamente en otro lugar, no reivindica ningún lugar en particular. Bajo la luz directa, iluminado de lado o en la penumbra, cortado en dos por el halo de una lámpara o por la sombra proyectada de un mueble, el cuadro tendrá la apariencia que le otorgue el ambiente que lo rodea. El cuadro, portátil por naturaleza, huésped errante, graba en su aparente vacío una historia en la que la disposición del mundo que le rodea se le adhiere, pues como decía Félix de Azúa en su Diccionario de las Artes “toda relación estética precisa de un lugar, pues nunca se da en el vacío de la pura conciencia”.
Antoni Hervàs
Barcelona, 1981. Vive y trabaja en Barcelona
Autogruta
2018
Instalación pictórica en forma de gruta. (Dibujos sobre plásticos, pintauñas, crisco, fotocopias, risografía, cadenas, ojales, hierro, monitores, esculturas híbridas y viscosas)
Dimensiones variables
Un circuito circular que conduce al espectador a través de una intervención espacial multidisciplinar, que permite le permite realizar un viaje corporal a través de la des-figuración del dibujo, con el fin de establecer una compleja narrativa capaz de vincular la mitología griega, el éxtasis (sensual, místico y lisérgico) y el activismo deportivo desde el fenómeno del Roller Derby. Símbolo del desenfreno, esta gruta invita al artista a investigar sobre la pérdida del control y la deformación en el dibujo a través de la acción.
El artista entiende el dibujo como medio transformador y esta investigación le permite relacionar el trabajo realizado en el ONE archives sobre Robert Prager, Chuck Arnett y el pub germen de la cultura leather de California, The Catacombs.
La investigación se centra en la abstracción performativa del dibujo, mediante fenómenos altamente influenciados por el dibujo y el mundo del cómic. Desde las referencias a Chuck Arnett, Tom of finland o Martin of Holland en la subcultura leather (consiguiendo dar forma a la fantasía presentándola de manera tan deseable que afectó a la realidad) como en el roller derby con el uso de pseudónimos y la creación de alteregos basados en el mundo del comic (reivindicando el dolor y el deporte de contacto desde una abrumadora hiperfeminidad como forma de resistencia al sistema heteropatriarcal). Con el fin de redimensionar y ahondar en estas particularidades, el artista desmiembra la forma mientras explora y expande los límites de lo que entiende por dibujo.
Lola Lasurt
Barcelona, 1983. Vive y trabaja entre Barcelona y Londres
Duelo por la España negra
2018
Instalación
7 proyecciones de 20 × 30 cm sobre papel insertado en planchas metálicas de 70 × 50 cm
7 pinturas sobre planchas metálicas de 70 × 50 cm
El proyecto se basa en la recreación del viaje que el pintor asturiano Darío de Regoyos junto con el poeta belga Emilio Verhaeren realizaron en 1888, primero por distintos enclaves guipuzcoanos y de la costa cantábrica -Guetaria, Tolosa, Bergara, Loiola, Azpeitia, San Sebastian, el Cabo Machichaco- para discurrir luego por la entonces llamada ‘España seca’: Pamplona, Tudela, Tarazona, Veruela, Zaragoza, Sigüenza, Madrid, El Escorial, Guadarrama, Ávila y Burgos.
El libro “La España Negra” (1899) recoge las notas redactadas por el poeta belga a modo de crónica del viaje y una serie de grabados de Darío de Regoyos, tratando de representar los aspectos pintorescos y las raíces ancestrales de una realidad popular. Escritor y artista acordaron llegar a los pueblos y ciudades al anochecer para abandonarlos al día siguiente de madrugada con el fin de no desilusionarse de lo que habían visto la víspera ‘entre tinieblas’.
La España Negra, un fenómeno que recoge la influencia del simbolismo europeo, surgió en sus orígenes del cruce de dos miradas, la española y la belga, la propia y la ajena. Con Duelo por la España Negra, lo que interesa a la artista (que vivió en Bélgica entre el 2012 y el 2015) es una revisión de este fenómeno histórico y artístico desde el punto de vista de la psicología, tanto la individual como la colectiva.
El proyecto se sintetiza formalmente en una secuencia de pinturas y proyecciones que funcionan a modo de cronotopo: las películas corresponden a la documentación en película super-8 en blanco y negro del reciente viaje de la artista por los mismos pueblos y ciudades donde el pintor y el poeta pararon durante su trayecto en 1888.
El friso pictórico parte de imágenes que provienen de distintos archivos locales de cada enclave donde Lola Lasurt ha continuado buscando testimonios de la España Negra. Según la artista es mediante el proceso pictórico que el cuerpo llega a interiorizar la imagen. En un ejercicio de arqueología medial, la artista se apropia del estilo divisionista (o puntillismo) de las pinturas de Regoyos en su época de más esplendor.
Elena Lavellés
Madrid, 1981. Vive y trabaja entre Nueva York, Ciudad de México y Madrid
Dark Matter
2018
Videoinstalación
(vídeo, fotografía, textos, objetos, pequeñas esculturas)
Dimensiones variables
Dark Matter explora los procesos de exclusión social, desplazamiento geográfico y explotación de recursos naturales debido a infraestructuras económicas de extracción.. Este tipo de infraestructuras se conectan a su vez con el capitalismo y los flujos de capital desde el periodo colonialista hasta la actualidad como único elemento sin barreras geográficas y que huye globalmente acorde a uno de sus propósitos principales: la disolución de fronteras en función del capital pero no de las personas y el territorio. El oro negro, en sus tres formas naturales: carbón, petróleo y oro negro como metal (específico de la región de Ouro Preto en Brásil), configuran los elementos centrales para analizar estos sistemas de poder que han generado opresión y abuso de diversos grupos sociales a lo largo de la historia en diferentes puntos geográficos. El objetivo principal de Dark Matter es la comunión entre estos “oros negros” como materiales y símbolos de valor, su esbozo en el territorio y su análisis en los procesos de extracción y explotación que da como resultado un mapa visual y relacional de estos elementos. Para ello, se toma como referencia formal el trabajo “Material for a film: Retracing Wael Zuaiter (Part 1)” de la artista Emily Jacir. La instalación final estará compuesta por vídeo, fotografía, textos, objetos y pequeñas esculturas que constituirán un recorrido en forma de libro de recuerdos históricos como trazado hasta la actualidad de estas infraestructuras de poder y formas de resistencia social que surgen en torno a ellas.
Fran Meana
Avilés, Asturias, 1982. Vive y trabaja en Londres
Starter Cultures
2018
Videoinstalación
Dimensiones variables
Los proyectos del artista Fran Meana normalmente se presentan como esculturas, vídeos, textos e instalación. Starter Cultures documenta el trabajo invisible que agentes no-humanos (microbios, bacterias, levaduras y hongos) desempeñan en la industria alimentaria. El proyecto se traslada a una pequeña fábrica de producción integrada, donde un cambio en las instalaciones desencadena una huelga entre los microbios responsables de gran parte de la producción.
El objetivo es proponer un acercamiento desde la práctica artística a teorías neo-materialistas para repensar los ámbitos del trabajo y la producción, no como lugares de explotación y dominación, sino como plataformas desde las que es posible cuestionar la separación radical entre naturaleza y cultura que ha definido la Modernidad y plantear alternativas al modelo de desarrollo actual.
El proyecto se presenta en forma de videoinstalación, articulada alrededor de un vídeo central, híbrido de documental, imagen científica y animación digital, empleando elementos extraídos del ámbito industrial para expandir los contenidos del vídeo al espacio expositivo.
Levi Orta
La Habana, Cuba, 1984. Vive y trabaja en Gerona
El Heredero
2018
De la serie Que se joda el proletariado, yo quiero ser el pintor oficial de la familia Gunther
Videoinstalación
(vídeos, fotografías, pinturas, esculturas)
Dimensiones variables
Gunther IV, un pastor alemán, es el perro más rico del mundo. La Condesa Alemana Karlotta Liebenstain dejó en herencia a su fiel amigo Gunther III su fortuna, después de que ella muriera en 1992. Tras la muerte de Gunther III, su hijo, Gunther IV, heredó la fortuna de su padre, que había crecido a la cifra de 372 millones de dólares. En julio del año 2000, los agentes que actúan en nombre de Gunther IV compraron la antigua residencia de Madonna en Florida.
Detrás de este carismático Pastor Alemán podemos encontrar prácticas de evasión fiscal, nuevas relaciones de poder y dominación, así como una instrumentalización bastante original de la simbología de las clases sociales. Pero, ¿cuáles son las grietas de la ley que permiten que un perro pueda heredar una fortuna de millones de dólares y convertirse en el accionista mayoritario de una corporación transnacional?
La serie de Levi Orta Que Se Joda El Proletariado, Yo Quiero Ser El Pintor Oficial De La Familia Gunther consistió en iniciar los contactos necesarios para ser el pintor oficial de la Familia Gunther. Como primer gesto de acercamiento, el artista le regaló un retrato suyo, del perro, mostrando su elegancia y grandeza como el animal más rico del mundo. Gracias a eso pudo conocer personalmente al can.
Después de ostentar el título de pintor oficial de la familia, desarrolló el proyecto El Heredero en el que investiga a los descendientes de Gunther IV. Siguiendo las noticias de la prensa rosa, encontró a uno de sus posibles herederos en Viena, Austria. En esta segunda fase de su relación con la familia Gunther, el artista investiga las absurdas posibilidades que dan los vacíos legales de la ley de herencias así como su potencial político y artístico para crear nuevas relaciones sociales.
Exposición. 13 dic de 2024 - 04 may de 2025 / CAAC - Centro Andaluz de Arte Contemporáneo / Sevilla, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España
