Formas industriales. Arte-Arquitectura o la integración de las artes (1950-1970)
Descripción de la Exposición
En la España de los años 50, 60 y 70 hay un grupo de creadores que quieren ser modernos y romper las barreras entre arte, diseño y arquitectura. Una exposición en Madrid reúne el resultado, una selección de pinturas, esculturas y muebles creados por algunos de los grandes nombres del siglo XX.
Una caja de Jorge Oteiza se encuentra con un lienzo de Agustín Ibarrola. Del pintor José María de Labra encontramos un óleo, una maqueta para una celosía de madera y un juego de café de porcelana para Bidasoa. Una silla del Equipo 57 se sitúa junto a una mesa de Néstor Basterretxea que sirve de soporte a una escultura de Ángel Duarte. Descubrimos, firmando sillas, al escultor Andreu Alfaro o al arquitecto Javier Carvajal. Todos son ejemplos de esa generación de creadores que no fueron fieles a una disciplina y buscaban mejorar el espacio con la fusión de arte y diseño. “En esa búsqueda, muchos de ellos creyeron encontrar la solución en la industrialización y la disolución de las categorías artísticas en un arte integrado en la arquitectura como eje articulador”, afirma Pedro Reula, fundador de Studiolire y comisario de la exposición Formas industriales. Arte-Arquitectura o la integración de las artes (1950-1970).
En la España gris de la posguerra hay un grupo de artistas, arquitectos y diseñadores que se suman a la utopía de transformar el mundo mediante la mejora del espacio habitable. Impulsada por el Movimiento Moderno, esta iniciativa encontró un aliado en los padres de la abstracción geométrica como Kandinsky, Malévich o Mondrian. A mediados del siglo XX el ejemplo a seguir por nuestros compatriotas es la obra de los italianos Gio Ponti o Alberto Sartori o, más cerca, la del propio Jorge Oteiza.
“Antes de su largo viaje americano, Jorge Oteiza conoció de primera mano las inquietudes de la incipiente modernidad practicada en San Sebastián en los años treinta y guardó entre sus ideales el modelo y la doctrina de la Bauhaus. Estos propugnaban la eliminación de las fronteras de las disciplinas artísticas y ponían el diseño en un lugar preeminente”, explica Reula. Oteiza realiza algunos muebles para su mecenas Juan Huarte, pero es a través de sus cajas vacías –a las que llamaba muebles espirituales– como prefirió estudiar la ordenación del espacio. Su trabajo ejerció una poderosa influencia para que algunos artistas asumieran que la práctica del diseño formaba parte, también, de esa idea de modernidad. Durante su etapa de trabajo junto al arquitecto Rafael de la Hoz en la Cámara de Comercio de Córdoba, puso en este camino a varios de los artistas que formarían, primero, el Grupo Espacio y, luego, el Equipo 57. En la muestra encontramos trabajos de algunos de sus miembros como Néstor Basterretxea, Ángel Duarte o Agustín Ibarrola.
Durante un lustro (de 1956 a 1961), en Valencia, otro conjunto de artistas forma el Grupo Parpalló.
Entre sus inquietudes está transformar la sociedad mediante el arte experimental. Aquí destacan los artistas Andreu Alfaro o el diseñador Martínez Peris. Esta nueva forma de entender el arte y la arquitectura tuvo su mejor ejemplo en dos proyectos firmados por el arquitecto Javier Carvajal: el Pabellón de España en la Triennale de Milán (1957) y el Pabellón de España en la Feria Mundial de Nueva York (1964). En ambos casos, Carvajal cuenta con la colaboración de José María de Labra -también miembro puntual de Parpalló-, destacando sus celosías para el pabellón de Nueva York. Del propio Carvajal encontramos la butaca Granada, que diseñó para el mismo pabellón. El barcelonés “fue el arquitecto que mejor supo integrar la escultura mural –véanse sus trabajos con José Luis Sánchez– y el que más atención dedicó al diseño de mobiliario. Además de la icónica Granada, también realizó mobiliario como la silla producida por Biosca y usada por el arquitecto en la emblemática tienda madrileña de Loewe”, afirma el comisario.
Esta exposición conjunta de las galerías José de la Mano –especializada en arte de los 50 a los 70– y Studiolire –centrada en diseño español del siglo XX– muestra ejemplos de cómo el diseño industrial se convirtió, entre los años cincuenta y setenta, en uno de los elementos imprescindibles para conseguir la ansiada integración de las artes y reafirmar nuestra modernidad.
Sobre la Galería José de la Mano
Una doble línea de investigación es la que marca el trabajo de la Galería José de la Mano en todos sus proyectos expositivos desde 2005, año de su inauguración. Por un lado, un firme compromiso por ir recuperando la memoria de muchos de los artistas que se sirvieron, en España y Latinoamérica en los años 50 y 60, de la abstracción geométrica a modo de moderna fórmula de interpretación artística o incluso de comprometida reivindicación política. Y por otro, un intento por redescubrir a los primeros artistas conceptuales españoles que transgredieron con sus radicales propuestas la escena artística de nuestro país a principios de los 70.
Esta galería es pionera en la reivindicación de los artistas del Centro de Cálculo como uno de los episodios artísticos más trascendentales de los últimos años de la Dictadura, y gran parte de sus proyectos expositivos están viniendo a rescatar las relaciones entre los artistas españoles y latinoamericanos de estas décadas. En la última edición de ARCOmadrid la galería presentó un proyecto de mujeres olvidadas de los años 60 y 70, donde se recuperó la memoria de Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926-2011), la única mujer española expuesta en nuestros días en la colección permanente del MoMA de Nueva York.
En la última edición de ARCOmadrid, la Galería José de la Mano presentó una de las creaciones más emblemáticas del artista vasco Agustín Ibarrola, ‘Guernica Gernikara’, un monumental lienzo desaparecido durante décadas cuya presentación en la feria madrileña supuso uno de los incomprensiblemente escasos homenajes que se ha hecho este año en España al 40 aniversario de la llegada del Guernica de Picasso a Madrid.
Sobre Studiolire
En 2015 el músico y doctor en Historia del Arte Pedro Reula funda la primera galería especializada en diseño español del siglo XX. Entre sus objetivos está el empeño de sacar a la luz nuestro patrimonio creativo, conservarlo y demostrar que también hubo una España moderna. En esta labor ha reunido más de 300 piezas de entre los años 30 y 80. En su catálogo encontramos obras icónicas firmadas por grandes nombres como Javier Carvajal, Federico Correa, Miguel Milá y Luis M. Feduchi..., pero también de autores más desconocidos como Gregorio Vicente Cortés o Fernando Ramón Moliner.
Pedro Reula ha sido comisario, junto a Pedro Feduchi y Patricia Molíns, de la exposición H Muebles, entre la industria, la arquitectura y el arte, celebrada en 2020 en el COAM. Igualmente, colaboró como asesor e investigador en la exposición Darro. Diseño y arte (1959-1979), organizada por la galería Machado-Muñoz en el Madrid Design Festival 2019.
Exposición. 19 nov de 2024 - 02 mar de 2025 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
