Descripción de la Exposición ------------------------------------------------------- ------------------------------------------------------- Desde mediados de los años 70, una serie de artistas de la Costa Este norteamericana comenzaron a desafiar las convenciones del medio fotográfico desde sus aspectos técnicos y morales con una influencia enorme en los usos de la representación de finales del siglo XX. La defensa de la veracidad se manifestaba a través de un grado desconocido de intimidad expuesta, al mostrar modos de vida no legitimados por el conjunto social, como personajes de la noche, vidas marginales, adicciones, afectos, experiencias sexuales y con el género o la irrupción de nuevos modelos de articulación social. Su aportación fundamental consiste en convertir en narrativas atractivas motivos cotidianos que hasta aquel momento nunca se habían considerado de interés como asunto de una pieza de arte. A lo largo de los años 90, este grupo fue rebautizado como 'Boston School' a partir de una broma de la artista Nan Goldin que luego sería popularizada por la exposición del mismo título en el ICA de Boston en 1996. El hecho es que en un momento concreto de mediados de los 70 en Nueva Inglaterra se concentraron una serie de artistas que a lo largo de la década de los 80 se convertirían en algunos de los nombres fundamentales en la cultura artística de su país. Relacionados a partir de afinidades personales y por compartir sus estudios en la School of the Museum of Fine Arts o en la Massachusetts College of Art, ambas en Boston, fueron trasladándose progresivamente a Nueva York para participar activamente en la construcción de la escena del Bowery, durante una etapa fundamental para el desenvolvimiento y consolidación de las estructuras artísticas de la ciudad: junto a galeristas que se trasladaron con ellos, pertenecen a la generación que fabricó el mundo del arte neoyorkino en torno a la Whitney Biennial, el mercado galerístico, los estudios del SoHo y la movida del East Village. Precisamente, Pat Hearn, artista y modelo presente en diversas obras en la muestra abría una influyente galería en Manhattan en 1983 y luego sería una de las fundadoras del Armory Show. En un nivel sociológico, la muestra de más de 150 piezas a lo que se añade numerosa documentación de época vinculada a la irrupción del movimiento punk en los Estados Unidos, convierte sus imágenes en un retrato de un momento preciso y fundamental: el último aliento de la libertad moral y sexual nacida de los 60, justo antes de la crisis que supondría la irrupción del sida. Por otro lado, la reivindicación de la subjetividad en la que toman parte, se acabaría convirtiendo en uno de los ejes principales de la producción artística internacional en la década de los 90. En cuanto a su narrativa, la exposición toma como punto de partida a dos precursores fundamentales para la historia de la fotografía: Diane Arbus, con una selección de imágenes del final de su trayectoria, y Larry Clark, con una muestra de su primer y revolucionario trabajo de 1971, Tulsa, que retrata sin cortapisas el consumo de heroína y la tenencia de armas en una comunidad de jóvenes de esa localidad americana. Es precisamente ese año cuando Nan Goldin comienza a realizar su primera serie de imágenes en blanco y negro: los retratos de sus amigos travestis en la localidad de Provincetown, imágenes con las que buscaba captar, con la elegancia de las imágenes de moda de Harper's Bazaar o Vogue, la posibilidad de fabricar una nueva identidad a partir de las apariencias en las actitudes de las drag queens. David Armstrong mostrará una selección de sus famosos retratos en blanco y negro, que componen una memoria de su juventud con tintes de unos años 50 actualizados, pero también una serie inédita hasta el momento de imágenes en color que nos lo muestran como documentalista de intimidades, fiestas y escenas nocturnas en un momento cercano al trabajo coetáneo de Nan Goldin y que luego sería icónico para la fotografía publicitaria posterior. Philip-Lorca diCorcia reformuló la estética de la instantánea a través del control de la luz a partir de flashes electrónicos. En el CGAC, expondrá obras tempranas que muestran la evolución de su capacidad para la puesta en escena, habilidad que lo acabaría convirtiendo en uno de los nombres fundamentales de la crítica de la representación fotográfica. Muy vinculada a este modo de hacer, Shellburne Thurber se presenta por primera vez en España con una amplia muestra de sus primeros trabajos, retratos de familiares y de los espacios que ellos habitan que destilan una melancólica construcción de la memoria personal. Por otra parte, Mark Morrisroe, artista fallecido en 1989 a consecuencia del sida a los 30 años de edad, trabajaba la fotografía como si fuese pintura, experimentando con el medio y las modalidades del autorretrato hasta extremos como la manipulación fotográfica de las radiografías médicas de sus últimos días. Gail Thacker muestra otra cara del pictorialismo: reedita polaroids antiguas convertidas en negativos para impresiones que muestran todo el dramatismo de la decadencia física de la imagen. La producción de Jack Pierson combina un sentimiento de pérdida filtrado por un cierto romanticismo con el aprendizaje del arte conceptual de los años 70, mostrando una gran parte de su primera producción de formación, inaccesible hasta ahora para el gran público. Finalmente, Tabboo! es un personaje caleidoscópico -pintor, grafista, performer, drag y modelo fotográfico- que construye sus lienzos y tintas imitando procedimientos fotográficos. Tempranas películas en Súper 8 de Mark Morrisroe, que cuentan con Pierson, Tabboo! o Pat Hearn como actores, completan la revisión de ese momento de efervescencia en términos más allá de lo fotográfico. Finalmente, el engranaje central de la muestra lo constituye el ya mítico diaporama con banda sonora de The Ballad of Sexual Dependency de Nan Goldin que figura en colecciones como la de Tate Modern de Londres o el MoMA de Nueva York y del que se muestra la última versión, compuesta de nuevo en 2009. Las más de 700 imágenes que lo articulan en sus 40 minutos de duración recorren la autobiografía de la propia artista y la de todo el resto de sus compañeros de generación, desde los excitados 70 a las consecuencias del sida y la adicción a la heroína, de tal modo que permiten al espectador introducirse en la cadena de afectos que constituye el sentimiento de la familiaridad. En definitiva, Familiar Feelings no trata tanto de reivindicar las afinidades de la llamada 'Boston School' sino de, a partir de un planteamiento expositivo que suma diversas muestras individuales que permiten la comprensión completa de cada uno de los artistas, detectar otro tipo de cercanías emocionales o de actitudes personales que permitirán al público asumir el vínculo de lo familiar como una categoría leve y al tiempo más acogedora, que trasciende las etiquetas tradicionales de la historia del arte para reivindicar otros modos posibles y todavía productivos de subjetivación.
Exposición de más de 150 piezas (en su mayoría fotografías) y numerosa documentación sobre los integrantes de la llamada Escuela de Boston. Artistas: Diane Arbus, David Armstrong, Larry Clark, Philip-Lorca diCorcia, Nan Goldin, Mark Morrisroe, Jack Pierson, Tabboo!, Gail Thacker, Shellburne Thurber, Starn Twins, Kathleen White.
Exposición. 17 nov de 2024 - 18 ene de 2025 / The Ryder - Madrid / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
