Exposición inaugural

Exposición / Carles Taché / Mèxic, 19 (pasaje interior) / Barcelona, España
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Cuándo:
Desde 22 sep de 2015

Inauguración:
22 sep de 2015 / 19:30

Precio:
Entrada gratuita

Organizada por:
Galería Carles Taché

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Etiquetas
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Descripción de la Exposición

A partir del martes 22 de Septiembre, la Galeria Carles Taché inaugura su nuevo espacio de la calle México con la presentación de "Exposición Inaugural", una muestra que reúne trabajos de algunos de los artistas que representa la galería: Tony Cragg (Liverpool, 1949), Antoine d`Agata (Marsella, 1961), Michael Joo (Ithaca, NY, 1966), Cornelia Parker (Cheshire, 1956), Javier Pérez (Bilbao, 1968), Sean Scully (Dublín, 1945), Bosco Sodi (México DF, 1970) y Keith Tyson (Ulverston, 1969). Cabe destacar a Michael Joo y Keith Tyson como nuevas incorporaciones a la galería. Muy representativa de la línea de trabajo que viene desarrollando desde hace varias décadas la galería, la muestra aglutina artistas nacionales y extranjeros, de generaciones y lenguajes diversos y se ajusta a las características de un espacio que brinda nuevas posibilidades expositivas. Tony Cragg Tony Cragg (Liverpool, 1949) es uno de los renovadores de la escultura contemporánea tal y como lo demuestran su concepción y su práctica de la misma. Creador de nuevas realidades mediante la resignificación de los materiales, la desfetichización de objetos o la modificación de escalas, Cragg remite en muchas de sus obras a la naturaleza, a la figura humana y a su entorno. Tony Cragg representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia en el mismo año en que recibió el Premio Turner (1988). Ha sido galardonado y distinguido en múltiples ocasiones, es Doctor Honoris Causa por diferentes Universidades y su trabajo puede verse en las más importantes colecciones y museos del panorama internacional. La escultura Sinbad (2000),en bronce, es una de las últimas de la serie Early Forms, en la que Cragg reflexiona sobre el contenedor y el contenido, el interior y el exterior. En la intersección que tanto interesa al artista entre figura, objeto y paisaje, Sinbad demuestra que la noción de paisaje del artista incluye aspectos del entorno urbano e industrial además del geológico y biológico. Por su acabado, la escultura tiene un cierto aire utilitarista. Antoine d`Agata Antoine D`Agata (Marsella, 1961) personifica la disolución de los límites entre el fotógrafo y lo fotografiado, con lo que todo su trabajo fotográfico debe entenderse en términos autobiográficos. Nómada y errático, D`Agata descubre, confronta el miedo, experimenta y arriesga adentrándose en el mundo de las adicciones, el sexo, la prostitución o la obsesión. En 2001 fue merecedor del Premio Niépce de fotografía. Forma parte de la prestigiosa agencia Magnum Photos desde el 2004 y ha publicado numerosos libros de fotografía como Antibodies (2014, Prestel). Ha expuesto internacionalmente en repetidas ocasiones. Recientemente, el centro de fotografía documental Le Bal (París) le dedicó la exposición Anticorps, comisariada por Fannie Escoulen y Bernard Marcadé. La fotografía S.T. Phnom Penh (2008) forma parte de la serie titulada Agonie. Disparado íntegramente en Camboya, este trabajo muestra la presencia del deseo y el inconsciente en su vida y obra. Michael Joo Michael Joo (Ithaca, NY, 1966) investiga, mediante una extensa variedad de medios, cuestiones relativas al ser humano y a la historia natural. Las nociones de identidad, cuerpo, naturaleza, espacio o territorio son centrales en su obra. Audaz y a menudo plagado de influencias científicas, Joo experimenta con un amplio abanico de materiales y tecnologías. En Consistent-seen-touched (2009) la extrañeza producida por la unión de una zebra y una bandeja en una suerte de objeto escultórico discontinuo incita a la reflexión sobre el encuentro y la convivencia entre lo cultural y lo natural. Axis (Africanized Wurst) (2008) es una instalación en que conviven un print animal de clara alusión a lo africano con unas salchichas. Piel y producto de animal. Jugando con estas dislocaciones, Joo se interesa por el modo en que percibimos la escena más que por aquello que estamos observando en sí en un sentido literal o simbólico. Michael Joo representó a Corea del Sur en la 49ª Bienal de Venecia (2001). Su trabajo está presente en colecciones como la del MOMA, el Guggenheim o el Whitney (New York) o la del Centro Samsung para el Arte y la Cultura (Seúl). Cornelia Parker Cornelia Parker (Cheshire, 1956) proyecta una mirada audaz sobre la realidad, una mirada que desvela lo cotidiano y lo subvierte en un giro poético inusitado. A través de su personal lenguaje -lleno de guiños, asociaciones, metáforas y alusiones- los objetos más ordinarios se transforman y adquieren nuevos significados. Cornelia Parker es una de las artistas contemporáneas más destacadas de la actualidad. Su obra está presente en importantes colecciones internacionales como las de la Tate Gallery, el MOMA o el Centre Pompidou. Fue nominada al Premio Turner en el 1997. Recientemente, en el 2015, la Whitworth Art Gallery de Manchester le dedicó una gran retrospectiva. Prison Wall Abstract (A man escaped) (2012-2013) es una serie de fotografías del muro perimetral de la prisión de Pentonville (Londres) tomadas justo después de que el personal de mantenimiento hubiera enmasillado unas grietas. El muro fue pintado a continuación y, esa misma noche, escapó un preso. Endless Column IV (2012) y Alter Ego (Snuff) (2013) fueron realizadas aplastando los objetos que las conforman con una apisonadora, gesto brutal que contrasta con la belleza y la levedad de las instalaciones resultantes. La transformación (mediante explosiones, fundiciones, disparos, etcétera) es un proceso que interesa especialmente a la artista, es una manera de desprenderse del sentido y la forma iniciales de los objetos para adquirir nuevos significados. Javier Pérez Javier Pérez (Bilbao, 1968) lleva décadas indagando en cuestiones relativas a la existencia, a la condición biológica del ser humano y del animal. Sus obras son espacios de resolución de tensiones latentes al propiciar la confluencia y la dialéctica entre opuestos (cultural-natural, interior-exterior, vida-muerte, atracción-repulsión). Su personal narrativa unida a una concepción renovada de la identidad y del cuerpo lo convierten en uno de los artistas más interesantes del panorama actual. Javier Pérez representó a España en la 49ª Bienal de Venecia (2001). Ha realizado grandes exposiciones individuales como la que le dedicó el Centro de Arte Reina Sofía en el Palacio de Cristal (2004). Su trabajo forma parte de importantes colecciones (Centre Georges Pompidou, Centro de Arte Reina Sofía, etcétera) y ha sido galardonado en numerosas ocasiones. Carroña (2013) es una pieza que genera un espacio de tensión y ambigüedad. El colapso violento de una ostentosa lámpara de cristal de Murano contra el suelo es un proceso ya de por sí relevante para el artista: el tránsito entre diferentes estados (en este caso, metafóricamente, entre la vida y la muerte). El color de la sangre, la belleza truncada de una lámpara que recuerda a un animal muerto y los pájaros carnívoros, hacen de la escena un extraño banquete macabro. Sean Scully Sean Scully (Dublín, 1945) es uno de aquellos artistas para quienes la pintura constituye la pulsión artística esencial. Entre la gestualidad del Expresionismo abstracto y la disciplina del Minimalismo, su práctica pictórica despliega preceptos de una gran espiritualidad. Mediante franjas de color horizontales y verticales que colindan unas con otras, Scully construye una andadura paciente y mística que se fortalece con cada gesto. La obra de Sean Scully está presente en colecciones públicas y privadas del mundo. Ha expuesto en los más importantes museos del panorama internacional desde el Metropolitan (NYC) hasta la Tate Gallery (Londres). Distinguido con varios premios y Doctor por varias universidades, Scully es uno de los máximos exponentes de la pintura abstracta actual. Wall of Light Pink Grey Sky (2011) es una pintura de gran formato cuyo orden interno otorga la solemnidad y el sosiego propios de la obra del artista. Bajo los campos de color que la componen, se adivinan capas y capas de color, trazos en cuatro direcciones que se revelan tremendamente humanos por su gestualidad. Bosco Sodi Bosco Sodi (México DF, 1970) encarna la renovación de la tradición muralista mejicana. La materia, su consistencia y su destrucción son los puntales de un proceso creativo que es, casi en paralelo, un proceso orgánico de desaparición. La monocromía se ha convertido en una constante en su obra, e invita a proyectar una mirada atenta y a reflexionar sobre las derivaciones de la pintura contemporánea. Bosco Sodi vive y trabaja en Nueva York, a donde llegó tras haber residido en París, Berlín y Barcelona. Ha expuesto individualmente en instituciones como el Bronx Museum de Nueva York o el IVAM de Valencia. Su obra forma parte de importantes colecciones internacionales. Cabe destacar su proyecto Casa Wabi (Puerto Escondido, Oaxaca), que promueve proyectos sociales, culturales y artísticos. La pintura Untitled (2013) está realizada, como todas sus pinturas, con pigmentos naturales, maderas, tierra, etcétera. Los materiales empleados para sus obras varían en función de la ubicación del artista y de los recursos naturales. Las esculturas Untitled (2013)(2015) tienen formalmente apariencia de creaciones de la Naturaleza, pues son rocas volcánicas esmaltadas. Keith Tyson Keith Tyson (Ulverston, UK, 1969) explora entusiasmado los fenómenos del universo en que vivimos así como la naturaleza del ser humano. En esta búsqueda casi instintiva de interacción con su entorno, Tyson desarrolla un trabajo de marcado carácter basculante entre las artes y las ciencias e investiga conceptos como el infinito o los límites. En su proceso creativo cobra especial relevancia la impredictibilidad pero no como estrategia sino como cualidad consustancial al universo. Nature Painting (2010) es una pintura perteneciente a la serie homónima en la que el artista vierte pigmentos y otras sustancias sobre paneles de aluminio dejando que estos reaccionen según su proceso natural. Así, el título de la pintura se refiere más al proceso creativo que al objeto de la obra en sí. En Wave (2013-2015) y otras pinturas de igual proceso, el artista interviene sobre obras antiguas realizada por otros artistas. Las telas funcionan como zonas de interferencia, como lugares de encuentro entre artistas, estilos, momentos...cobrando especial relevancia la idea del infinito en tanto en cuanto la energía se transforma a lo largo del tiempo. Operator painting: Histrionics (2009) es una pintura realizada con acrílico y hojas de té sobre aluminio. Las Operator paintings son obras creadas partiendo de ecuaciones construidas por operadores matemáticos. Las obras de esta serie que están realizadas en pintura corresponden a aquellas ecuaciones que están resueltas. Keith Tyson recibió el prestigioso Premio Turner en el 2002. Su obra ha sido expuesta en centros como el Georges Pompidou o la Tate Modern. Ha participado en diversas bienales como la de Venecia (2001) o la de Sao Paulo (2002). Su obra se encuentra en grandes colecciones como las del MOMA, el San Francisco Museum of Modern Art o la Tate Gallery, entre otras.

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