¿Qué hubiera ocurrido si Malevich no hubiese pintado el cuadrado negro sobre fondo blanco, Mondrian usado excluyentemente la línea recta y Kandinski el despliegue formal abstracto en sus obras más radicales? Simple y sencillamente, el mundo del arte se hubiera privado del gran parte aguas que -Picasso y el cubismo analítico mediante- significó la abstracción en el siglo XX. Y lo fue hasta tal punto que no es aventurado decir que ese período, el de las tendencias de vanguardia surgidas durante las primeras décadas de aquella centuria y sus derivaciones posteriores, implicaron una suerte de nuevo renacimiento.

¿Por qué, aún a riesgo de reiterarme, cito aquel cuadro de Malevich? Porque al compás de los movimientos sociales que culminaron con la Revolución Rusa de 1917, Malevich se proponía expulsar del interior del cuadro, cualquier representación realista que tuviera alguna relación con los usos y ... costumbres del régimen anterior. Además, Malevich desechaba el despliegue formal aunque éste fuera abstracto, porque en esa expansión veía vestigios de un mundo que la vanguardia soviética buscó abolir. Enseguida vino el desencanto y una fisura inevitable entre el poder político y los intelectuales y artistas que buscaban incorporarse al nuevo proyecto.

Mientras tales transformaciones estéticas sucedían en Europa y, desde los años treinta, en Estados Unidos, España sufría un atraso demoledor al compás de la dictadura franquista que concluyó en 1975. Sin embargo, a partir de los años cincuenta aparece en Barcelona el informalismo catalán, cuyo representante más célebre fue Antoni Tapies seguido muy de cerca por Manolo Millares, Rafols Casamada, Guinovart y otros artistas no menos importantes. Estos y otros autores, como los norteamericanos Moderwell, Clifford Still y el francés Pierre Soulages, conforman el sustrato referencial de María José de Simón.

Volvamos atrás, al momento en el que Picasso en su fase analítica embosca con sus representaciones geométricas toda verosimilitud. Para el observador de la época, esta acción pictórica derivaba en una pérdida de asidero con lo real, salvando sólo la tenue semejanza del rostro. Después, con las obras íntegramente abstractas de otros pintores, el desasimiento fue total. No ocurre eso en la actualidad: el informalismo y otras corrientes han entrado a la esfera de lo tradicional, y la pintura dividida en áreas, como la que realiza María José de Simón, también se acerca a los bordes del clasicismo.

Es entonces cuando emergen las distinciones sutiles entre lo legitimable y su contrario. Con sus grandes y pequeñas áreas, sus poéticos esgrafiados, su modo de combinar de manera muy libre y sin temor el color negro con el verde turquesa y con encendidos rosas, y la modulación exacta de la gran forma negra que ocupa uno de los cuadros en gran formato, hablan de una obra sólida y singular. Además, la pintura en los últimos tiempos va, lentamente, ganando nuevos espacios en el controvertido territorio de la creación, después de décadas de predominio de los formatos no tradicionales.

Vayamos, para concluir, al interior de algunos cuadros y aquí me permito cambiar el estilo de lo que estoy escribiendo: un seductor espacio de color lila se deja circundar por las líneas que componen el esgrafiado. La grafía: una marca, una señal que viene de parajes remotos cuya huella se deposita sobre una gran mancha azul con acordes bajos, como si susurraran una lengua desconocida. Otro: una contundente mancha negra, con contornos bien delimitados, recuerda levemente a Chillida; y en formato menor, otra vez la gran mancha negra, uniforme, que no deja hablar al espacio porque recoge sobre si todos los murmullos del agua. Esto y más, permite esbozar la obra de María José de Simón.