Descripción de la Exposición
Artistas: Andrea Wood, Bohnchang Koo, Carlos Pérez Siquier, Castro Prieto, Cecilia Paredes, Cristóbal Hara, Eugeni Forcano, Francisco Ontañón, Gabriel Cualladó, Isabel Muñoz, Jaime Compairé, Jerry Uelsmann, José María De Orbe, Juan Carlos Vázquez, Linarejos Moreno, Luis González Palma, Manuel Álvarez Bravo, Ma Casanova, Martín Chambi, Pep Carrió, Ramón Masats, Ricard Terré, Rubén Morales, Soledad Córdoba, Toni Catany, Virxilio Viéitez, Xavier Miserachs.
Ésta es mi casa detenida en el tiempo….
“Y de pronto, un día de marzo, el telediario nos anuncia que hay que ‘guardar casa’. Como en el poema de Mario Benedetti, el tiempo se detiene entre nuestras paredes y nos deja inmóviles (…) cada gesto, cada espacio vacío, cada grito son signos que colisionan hasta convertir la casa en un organismo vivo, cada uno atrapado en el lugar donde le ha tocado quedarse.”
Son palabras extraídas del texto con el que acompañé la exposición virtual que TVE me encargó durante el confinamiento en 2020. ¿Qué hacer en un momento en que las circunstancias me impedían trabajar mano a mano con mi equipo, con mis artistas, en que todo se tenía que hacer en remoto? Decidí centrarme precisamente en el espacio en el que estábamos confinados, esa máquina de habitar que Le Corbusier concebía como un utensilio para la vida humana.
La exposición apareció en el canal 24h, en el Telediario de la 1, en el programa especial “Arte confinado” de Metrópolis, en El País, en el ABC Cultural y en otros medios escritos y visuales.
Durante los cinco años transcurridos desde entonces, me ha obsesionado la idea de poner en pared aquella muestra. Por fin, y haciendo coincidir la fecha de su inauguración, el 15 de marzo de 2025, con el quinto aniversario del inicio de aquel exilio interior, la galería presenta una nueva propuesta de Ésta es mi casa detenida en el tiempo… Y significa mucho más que una simple efeméride. Quiere decir que ya no vivimos bajo la condena de un virus letal. Quiere decir que podemos continuar disfrutando de la experiencia estética y vital en directo. Quiere decir que siempre hay que pensar en el futuro con esperanza.
Ahora, Ésta es mi casa detenida en el tiempo… nos permite asomarnos al paisaje interior que reflejan las miradas de más de veinticinco artistas, algunos ya presentes en la edición virtual y otros incorporados posteriormente. Los hay españoles y también foráneos, jóvenes y no tan jóvenes, emergentes y consagrados. Tanto fotógrafos que reivindican la imagen más pura como autores que hibridan entre disciplinas artísticas, todos ellos partiendo siempre de la mejor fotografía, una seña de identidad que ha acompañado a la galería desde sus comienzos.
Isabel Muñoz, Ramón Masats, Luis González Palma, Bohnchang Koo, Cecilia Paredes, Toni Catany, Manuel Álvarez Bravo, Cristóbal Hara, Castro Prieto, Soledad Córdoba, Jerry Uelsmann… imposible citarlos a todos. Cada uno de ellos, destacados creadores dentro del panorama de la fotografía internacional contemporánea, nos ofrece su particular manera de percibir el lugar en que habitamos. A pesar de haber vivido momentos trágicos en todas nuestras casas detenidas en el tiempo, ahora sí podemos acudir a Benedetti cuando afirma en su poema “todas las puertas dan afuera del mundo.”
SOBRE LOS AUTORES
ANDREA WOOD
Nacida en Nueva York, EE.UU. en 1990, Andrea Sánchez Elía conoció la fotografía gracias a su madre, quien le dio su primera clase. Posteriormente continuó su formación, tomando fotografías de las calles neoyorquinas. Gracias a la curiosidad y el deseo de salirse de su mundo, continuó realizando imágenes.
BOHNCHANG KOO
Koo Bohnchang asistió a la Universidad de Yonsei con especialización en Administración de Empresas y más tarde estudió fotografía en Hamburgo, Alemania. Fue profesor en la Escuela Kaywon de Arte y Diseño, Universidad Chung Ang, Instituto de Artes de Seúl y profesor visitante en la Escuela de Saint Martin de Londres.
Sus obras han sido expuestas en más de 30 exposiciones individuales como la Galería Samsung Rodin, Seúl (2001), Peabody Essex Museum, Massachusetts (2002), Camera Obscura, París (2004), Galería Kukje, Seúl y Kahitsukan.), El museo de la fotografía de Goeun, Busan (2007), el museo de arte de Philadelphia, Philadelphia (2010) y muchos.
Sus colecciones se encuentran en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, en el Museo de Bellas Artes de Houston, en el Museo de Arte Contemporáneo de Kahitsukan, en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Corea, en Leeum, en el Museo de Arte de Samsung, en Seúl y en las publicaciones “Deep Breath in Silence”, “Personas Reveladas”, “Vessels for the Heart”, “Cómo capturar el momento de tocar” en Corea y “Hysteric Nine”, “Vessel”, “Everyday Treasures” en Japón.
CARLOS PÉREZ SIQUIER
Carlos Pérez Siquier (Almería, 1930 – 2021) es uno de los pioneros de la vanguardia fotográfica en España. En 1956 fundó con José María Artero el grupo Afal (Agrupación Fotográfica Almeriense) que aglutinó a una generación de excelentes fotógrafos. Entre 1956 y 1971 dedicó al barrio almeriense de la Chanca uno de sus trabajos esenciales, en blanco y negro y color, publicado en 2001 por la junta de Andalucía junto al relato de Juan Goytisolo. Como obra personal, en los años 50 realizó su primera serie fotográfica en el humilde barrio almeriense de La Chanca, documento humanista que fue referente como signo de signo de su autoridad en la España de la posguerra. A partir de los 60 empezó a experimentar con la fotografía en color, siendo considerado en Europa como un pionero de esta modalidad creativa. Su serie, La Playa, iniciada en los años 70, es el resultado de una mirada crítica y original que conecta con la estética pop. En ella, la ironía, la fragmentación y el erotismo son los protagonistas de un lenguaje muy moderno y personal, por lo que ha llegado a ser conocido en todo el mundo.
En 2003 recibió el Premio Nacional de Fotografía y la Medalla de Oro de Andalucía; en 2005, el galardón Pablo Ruiz Picasso de Artes Plásticas; y en 2013, el Premio Bartolomé Ros de PHotoEspaña. Tiene obra en la colección permanente del MoMA y del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y numerosas instituciones y colecciones nacionales e internacionales. En 2017 la Fundación de Arte Ibáñez-Cosentino inauguró el Centro Pérez Siquier en Olula del Río, Almería, dedicado enteramente a su obra.
CASTRO PRIETO
Economista de formación, su vinculación con la fotografía comienza en 1977 y, como la mayoría de los autores de su generación, lo hace de forma autodidacta. A comienzos de los años ochenta, ingresa en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid.
En 1990 viajó a Cuzco (Perú) para realizar con Juan Manuel Díaz Burgos los positivos del maestro peruano Martín Chambi a partir de las placas de cristal originales. Este fue el primero de una serie de viajes a distintos lugares y escenarios de Perú. De aquí nació Perú, viaje al sol, gran triunfador en PHotoEspaña (PHE) 2001.
Utiliza la fotografía para evidenciar la realidad oculta tras la aparente lógica de lo cotidiano. En sus imágenes siempre hay misterio, inquietud y belleza. Tras sus fotografías se esconde una sutil simbología que las vincula directamente con cuestiones recurrentes en el imaginario del autor, como son el nacimiento, la muerte, el sexo o la religión.
Ha recibido varios premios, como el César Vallejo (Perú, 2001), el Bartolomé Ros (PHE, 2002) y el de Fotografía de la Comunidad de Madrid (2003) y en 2015, el Premio Nacional de Fotografía.
CECILIA PAREDES
Cecilia Paredes (Lima, 1950) vive y trabaja en Philadelphia, EE.UU. Se trata de una artista multimedia para quien la performance constituye un componente básico de sus proyectos. Ella misma es el tema no sólo de sus performances sino también de sus fotografías y objetos – aun cuando las instalaciones escultóricas se presenten como conceptos abstractos, se basan en gran medida en su propia realidad y en cómo percibe el mundo que la rodea, el entorno y los numerosos materiales que se encuentran en él. Su obra es personal; sin embargo, trasciende hacia temas universales, especialmente aquéllos que se relacionan con el poder de la naturaleza y lo femenino. A menudo la artista no es reconocible, disimulada en medio de materiales naturales, inmersa en la complejidad de capas de telas, o simplemente plasmada como algo enteramente diferente, totalmente transformada y documentada en fotografías. Su relación profundamente sentida con la naturaleza, inspirada seguramente por su niñez en su Perú natal – un país particularmente rico en mitología y con variaciones geológicas que van desde el océano al desierto, pasando por cumbres nevadas y verdes valles – es evidente en todas sus obras. En Perú, uno no puede dejar de asombrarse ante la naturaleza y ante la interrelación existente entre toda forma de vida, algo que reverenciaban sus primitivas civilizaciones y que sigue siendo en la actualidad un sentimiento profundo. Paredes combina los mismos temas que se encuentran en la naturaleza – orígenes, interacciones, transformaciones y su femineidad – para adquirir múltiples identidades a través de una combinación de recreaciones escultóricas y fotografía.
CRISTÓBAL HARA
Cristóbal Hara, nacido en Madrid en 1946, estudió derecho y dirección de empresas en Madrid, Hamburgo y Múnich. Comenzó a dedicarse a la fotografía en 1969 en Londres influido por el trabajo de Henri Cartier-Bresson. Su trabajo se exhibió por primera vez en la exposición itinerante ‘Three Photographers’, organizada por el Victoria & Albert Museum en 1974. En esos años colaboró con agencias como John Hillelson (Londres), Viva (París) o Cover (Madrid).
Aunque solo había trabajado en blanco y negro, a partir de 1985 comenzó a utilizar exclusivamente el color, cambio que le permitió ejercer el fotoperiodismo y encontrar su propio lenguaje fotográfico evolucionando hacia una dirección en la que se desdibujaba la frontera entre realidad y ficción.
Si se pregunta a Cristóbal Hara qué distingue su forma de trabajar en color, responderá que quizá sea su falta de control sobre las imágenes. El patrimonio de este fotógrafo de tradición documental, Premio Nacional de Fotografía 2022, se enriquece aprovechando la intervención de la casualidad y el imprevisto. A partir del estudio de las alternativas en la construcción de imágenes logra romper con la corrección de la composición tradicional en beneficio de la carga emocional de las obras.
Sus fotografías han sido publicadas en revistas como Aperture, Camera, Creative Camera, DU, Photovisión y European Photography; así como en las revistas de El País, La Vanguardia y El Semanal.
Su obra está presente, entre otras, en colecciones de instituciones como el Stedelijk Museum de Ámsterdam, el Art Institute of Chicago, el Museo Reina Sofía de Madrid y el Victoria & Albert Museum de Londres. Ha publicado numerosos volúmenes como ‘4 cosas de España’; ‘Vanitas, utrera y Murcia’, ‘PHotoBolsillo’ o ‘Contranatura’.
EUGENI FORCANO
Eugeni Forcano i Andreu nace en Canet de Mar en 1926. En 1959 inició su trabajo fotográfico, que alcanzó un gran reconocimiento en los concursos y salones de la época. En 1960 hizo de la fotografía su oficio, ingresando en el equipo del prestigioso semanario Destino, de la mano de J.M. Vergés y Josep Pla. En colaboración con su hermano creó los Estudios Forcano, dedicados al retrato, la ilustración, la moda y la publicidad. Sus fotografías se han hecho públicas en decenas de semanarios, libros, catálogos y anuarios, como La Gaceta Ilustrada, Afal, Everfoto y Destino. Asimismo, es autor de libros como Guía de Barcelona (1964) y Festa Mayor (1969).
Fotógrafo todo-terreno, su obra tiene varios y muy diversos registros, desde el retrato, al reportaje, la experimentación del color, la moda y la publicidad. Alejado de las élites fotográficas de su ciudad, Forcano ha sido reconocido muy tarde, gracias a sus exposiciones personales y colectivas, y libros como Josep Pla vist per Eugeni Forcano (Ed. Ausa, 1996) y Banyoles en dia de mercat (1999), con un texto de Josep Pla.
Tras serle concedida en 2005 la Medalla de Oro de Barcelona, se realizó la gran exposición antológica, Eugeni Forcano. Fotografías, 1960-1996 (Lunwerg, 2006).
En 2012 la Generalitat de Catalunya le otorga la Creu de Sant Jordi, por “su significación como uno de los profesionales arte de la fotografía más destacados de la segunda mitad del siglo XX en Cataluña, clásico y vanguardista a un tiempo. Sus imágenes conforman un valioso legado artístico y cultural”. El Ministerio de Cultura le otorga ese mismo año el Premio Nacional de Fotografía en reconocimiento a la extraordinaria calidad de su trabajo, la perdurabilidad de sus imágenes, su larga trayectoria, destacando su capacidad de innovación y experimentación en el lenguaje fotográfico.
FRANCISCO ONTAÑÓN
Francisco Ontañón (Barcelona, 1930 - Madrid, 2008), uno de los grandes exponentes de la fotografía española de la segunda mitad del siglo XX, inició su trayectoria como amateur en Barcelona y enseguida formó parte de los grupos fotográficos más importantes de ese periodo, como Afal y La Palangana. En 1959 se trasladó a Madrid, donde trabajó como reportero para diversos medios de comunicación de referencia, desarrollando un estilo muy personal de reportaje. Se le considera integrado en la llamada Escuela de Madrid, movimiento que supuso un cambio de rumbo ante el pictorialismo predominante y la fotografía de salón.
Ontañón hizo algunos fotolibros importantes: El libro de la caza menor, con Miguel Delibes; Los días iluminados, con Alfonso Grosso, sobre la Semana Santa andaluza, o Vivir en Madrid con Luis Carandell. Asimismo, trabajó con Daniel Gil en la colección ‘El libro de bolsillo’ de Alianza Editorial, y también en Alianza Universidad, dando forma fotográfica a las creaciones del diseñador para las cubiertas de los libros.
Colaboró con Félix Rodríguez de la Fuente en sus coleccionables de animales e hizo también algunas de las campañas turísticas de la Secretaría General de Turismo. Pero hay un ámbito en el que Ontañón destaca por la renovación estilística que aportó y por su capacidad para captar el espíritu de la época: las portadas de discográficas como Hispavox, CBS y RCA.
Su obra su obra ha sido reconocida con el Premio Internacional de Fotografía Ortiz Echagüe o el Premio Nacional Meliá de Periodismo Gráfico.
GABRIEL CUALLADÓ
Gabriel Cualladó Candel (Massanassa, 1925 – Madrid, 2003) se traslada a Madrid en 1941, ingresando en 1956 en la Real Sociedad Fotográfica.
En 1962 es invitado, con otros diez fotógrafos, por el Comisariado de Turismo Francés, a realizar un trabajo fotográfico personal en París. En el mismo año colabora en la revista Arte Fotográfico y recibe la medalla de oro y premio al mejor retrato en el Salón Internacional de Fotografía de Sadnes, Noruega.Participa en 1966 en la exposición “Interpress-Foto” en Moscú.
Entre las numerosas exposiciones que ha llevado a cabo, podemos destacar: en 1981 “El Rastro”, en la Real Sociedad Fotográfica, Madrid. “Contemporary Spanish Photographers” en la Universidad de Ohio, Estados Unidos, en 1983. “Le Photographie Creative”, Pavillon des Arts, París, Francia, en 1984. “Fotógrafos de la Escuela de Madrid. Obra 1950-1975” en el Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid, en 1985. Y en el Instituto Valenciano de Arte Moderno en1989.
Recibe distintos premios, entre los que cabe destacar el Premio Europa de Fotografía otorgado en Londres en 1992. En 1994 recibe el Premio Nacional de Fotografía, concedido por el Ministerio de Cultura español. En 1998 se le otorga la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid.
ISABEL MUÑOZ
Durante más de cuarenta años, Isabel Muñoz ha recorrido el mundo con su cámara retratando los sentimientos del ser humano en su estado más puro. Su mirada ha llegado a captar infinidad de temas: la dignidad de las tribus primitivas y la violencia en las cárceles; la sensualidad de la danza y la denuncia de la opresión; el éxtasis que acompaña al sufrimiento extremo y el dolor que es imposible de superar. La artista catalana ha fotografiado prácticamente todos los sentimientos y emociones que alberga la especie humana, incluidos los de nuestros antepasados, los primates, cuyos gestos forman parte de nuestros genes desde hace millones de años. Su último trabajo se centra en el descubrimiento en Turquía de una nueva civilización que cambia todas las ideas preconcebidas sobre nuestro origen, Tas Tepeler.
En 2016 fue reconocida con el Premio Nacional de Fotografía en España, habiendo obtenido anteriormente prestigiosos premios como el World Press Photo 1999 y 2004, el Premio Bartolomé Ross, el Premio Unicef, la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en 2009, el Premio de la Comunidad de Madrid, entre otros. En 2018 fue una de las invitadas por la Fundación Amigos del Prado a reflexionar sobre la riqueza artística e histórica del museo, creando dos piezas exclusivas para su colección. Recientemente ha sido elegida miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en la Sección Nuevas Artes de la Imagen.
Sus obras de arte están incluidas en las colecciones públicas y privadas más importantes del mundo, incluyendo el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Foto Colectania de Barcelona, la Maison Européene de Photographie de París y el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York.
JAIME COMPAIRÉ
Pintor, escritor, compositor, publicista, hombre de radio y televisión, Jaime Compairé (Huesca, España) ganó muchos premios cuando era joven y ahora que hace muchos años que no lo es tanto, incómodo con la especialización que impone el mercado, ha regresado al siglo en el que mezclar pigmentos, inventar máquinas de guerra o diseccionar lagartijas para comprobar que tienen alma eran la misma cosa. Paradójicamente, convencido de que lo más divertido está por llegar, sigue empeñado en encontrar atajos entre las sales de plata (una pasión heredada de su abuelo, el extraordinario fotógrafo Ricardo Compairé) las herramientas digitales y las formas más expresionistas de la pintura.
JERRY UELSMANN
Jerry Uelsmann ha dedicado gran parte de su vida a la transformación del lenguaje fotográfico, restándole énfasis a su función como documento y convirtiéndolo en un medio capaz de reinventar la realidad. Uelsmann mantiene un estricto apego a las técnicas puramente analógicas del cuarto oscuro y es reconocido como uno de los pioneros de la manipulación de la imagen. Este gran maestro del fotomontaje crea sus fotografías mediante la integración de múltiples negativos y procesos de revelado, fusionando lo subjetivo y lo objetivo en una única imagen. Su influencia se ha dejado notar en un gran número de artistas y fotógrafos
JOSÉ MARÍA DE ORBE
José María de Orbe (San Sebastián, 1958) se gradúa en 1985 en dirección cinematográfica en el American Institute de Los Ángeles, USA. Desde entonces se dedica a la realización tanto de cine como de publicidad, por lo que ha sido varias veces galardonado, lo que combina con la producción de fotografías e instalaciones que expone en galerías de Madrid y Barcelona.
JUAN CARLOS VÁZQUEZ
Juan Carlos Vázquez (Valladolid, 1957) es de formación autodidacta y comenzó su andadura fotográfica a finales de los 70, durante su etapa universitaria. A finales de los 2000 se incorpora a la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, donde es elegido miembro de la Junta Directiva. Permanece en la RSF hasta 2013. Junto con Rubén Morales y Jesús Limárquez forma el grupo “La Escuadrilla de la Plata”, al que se incorporan posteriormente otros cuatro miembros. También se hace socio y participa en las actividades del Club Auth ´Spirit, dirigido por Juan Manuel Castro Prieto y Chema Conesa. En la actualidad su obra se presenta en numerosas galerías de toda España.
LINAREJOS MORENO
El trabajo de Linarejos Moreno explora la subjetividad como modo de resistencia a la cosificación, centrándose en los usos no productivos de los espacios industriales y la representación científica como herramienta para interrogar a la modernidad. Sus intereses de investigación incluyen la sociología de la ciencia y la tecnología y la relación entre el capital y las formas contemporáneas de romanticismo.
LUIS GONZÁLEZ PALMA
En mi proceso artístico he intentado crear imágenes que invitan a ser examinadas a través de lo que llamo “contemplación emocional”, dándole a través de la belleza de las mismas el sentido de su forma.
A través de los años he construido escenarios y modificado ciertos rostros para crear imágenes que permitan otras percepciones del mundo, otras formas de comprenderlo, y de modificarlo internamente.
MANUEL ÁLVAREZ BRAVO
Manuel Álvarez Bravo, uno de los fundadores de la fotografía moderna mundial, es considerado el mayor representante de la fotografía latinoamericana del siglo XX. Su obra se extiende de finales de la década de 1920 a la de los noventa.
Es una figura emblemática del periodo posterior a la Revolución mexicana conocido como renacimiento mexicano. Fue aquel un periodo cuya riqueza se debe a la feliz, aunque no siempre serena, coexistencia de un afán de modernización y de la búsqueda de una identidad con raíces propias en que la arqueología, la historia y la etnología desempeñaron un papel relevante, de modo paralelo a las artes. Álvarez Bravo encarna ambas tendencias en el terreno de las artes plásticas. De 1943 a 1959 trabajó en el cine realizando fotografías fijas, lo que lo lleva a producir algunos experimentos personales.
MA CASANOVA
Las fotografías de Ma Casanova nos muestran el placer y la belleza de lo cotidiano, de todo aquello que nos define como seres humanos. En ocasiones, la sorpresa viene dada por la particularidad de un gesto o un hecho que se ha revelado estéticamente hermoso: una mariposa que se posa en su vestido, el movimiento del cabello de una mujer… Otras veces la mirada va más allá y en sus proximidades encuentra instantes llenos de belleza simplemente porque nos son propios: la expresión espontánea del amor, la tranquilidad y concentración que experimentamos al leer un libro, el disfrute al contemplar un paisaje, la naturalidad con la que vivimos nuestros momentos en familia… Equilibradas, evocadoras y sobre todo sinceras, las imágenes de Casanova nos convierten en cómplices de historias anónimas, que aunque no son reflejo de la felicidad soñada, nos pertenecen, y cada uno aprendemos a quererlas a nuestra manera.
MARTÍN CHAMBI
Martín Chambi (1891 – 1973) fue un fotógrafo peruano considerado actualmente como pionero de la fotografía de retrato. Reconocido por sus fotos de testimonio biológico y étnico, ha retratado profundamente a la población peruana y su patrimonio.
En su condición de indígena, la pobreza y la muerte del cabeza de familia hace emigrar al joven Martín Chambi, con solo catorce años, a buscar trabajo en las multinacionales que explotan las minas de oro en Perú. La fortuna hace que sea allí donde traba su primer contacto con la fotografía, aprendiendo sus rudimentos de los fotógrafos ingleses que trabajan para la Santo Domingo Mining Co. Ese encuentro fortuito con la nueva técnica prende en él la chispa que le decide a buscarse el sustento como fotógrafo. Para ello emigra en 1908 a la ciudad de Arequipa, donde la fotografía está muy desarrollada y donde descuellan figuras de fotógrafos notables que venían tiempo marcando un estilo propio y manejando una técnica impecable. Chambi se convierte entonces en uno de los protagonistas de la denominada Escuela de Fotografía Cusqueña. Expuso en vida por lo menos diez veces, tanto en el Perú como fuera de él.
Muchos críticos aseguran que dividió su trabajo en dos grupos: el de índole comercial, que incluía los retratos por encargo, en estudio y exteriores, así como los grandes retratos grupales y el otro de carácter personal, que incluía su registro antropológico, básicamente retratos de la etnia andina y registro de tradicionales locales, también estarían sus numerosas vistas urbanas del Cuzco y sus vistas de restos arqueológicos. Si bien esta parte de la obra es cuantitativamente menor, se distingue por haber sido realizada con notable persistencia y continuidad.
PEP CARRIÓ
Palma de Mallorca, 1963, es diseñador gráfico, no es solo eso: Pep Carrió dibuja infinitos diarios; ilustra libros propios y ajenos; edita libros que no estaban ahí; construye memoria encerrada en objetos soñados; comparte su conocimiento y sus interrogantes en cursos, talleres, blogs. En ese entrelazar de verdades se define una forma de hacer, de comprender el mundo, de comunicarse con sus semejantes.
RAMÓN MASATS
Ramón Masats, nacido en Barcelona en 1931, ha ejercido gran influencia entre los fotógrafos de su generación, convirtiéndose en uno de los protagonistas de la renovación del reportaje documental de los años 60 del pasado siglo. Desde sus primeras imágenes mostró un poderoso instinto fotográfico y una excepcional intuición para captar el espectáculo de la vida, evitando siempre invadir la realidad y, menos aún, maquillarla o manipularla.
Participó, junto con Miserachs, Terré y Maspons, en la renovación de la fotografía, que pasaría de su mano a integrarse en el contexto cultural de un país todavía sumido en la dictadura.
El ensayo fotográfico "Los Sanfermines", iniciado en 1955, es una obra básica en su carrera, que se aleja del lenguaje tradicional, rompiendo convencionalismos al uso y mostrando una gran capacidad creadora.Sus inquietudes profesionales también acercaron a Masats al cine y la televisión, donde ha dejado trabajos como las películas “El que enseña” o “Topical Spanish”.
En 1981 volvió a dedicarse plenamente a la fotografía, utilizando casi exclusivamente a partir de entonces el color. Sus fotografías, con una nueva y depurada mirada, han quedado reflejadas en libros como “Desde el cielo. España” (Lunwerg, 1988), “Toro” (1998) o "La memoria construida" (2002).
En el año 1999 realizó una gran antológica de su obra en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Desde entonces ha editado diversos catálogos y ha participado en libros y exposiciones colectivas, como "Fotografíes catalanes dels anys cinquanta" (1985), "Fotógrafos de la Escuela de Madrid" (1988),"Fotografía y Sociedad en la España de Franco" (1996) y "España. Diez Miradas" (2005). Desde 1999 ha expuesto sus fotografías en las principales salas de todo el mundo.
Ha sido galardonado con el premio Bartolomé Ros (2001) a su trayectoria fotográfica, el Premio de fotografía de la Consejería de las Artes de la Comunidad de Madrid en 2002. y el Premio Nacional de Fotografía (2004) del Ministerio de Cultura "por la vigencia de su lenguaje documental y por una forma de ver e interpretar el mundo que ha resistido el paso del tiempo".
RICARD TERRÉ
Ricard Terré (1928 – 2009) se inicia en el mundo del arte como pintor y caricaturista y no empieza a practicar la fotografía hasta el año 1955, cuando entra en contacto con miembros de la Agrupación Fotográfica de Cataluña.
En 1958 se integra en el grupo AFAL (Agrupación Fotográfica de Almería). Más tarde pasó a formar parte de su comité directivo y participó en sus actividades.
Está considerado como uno de los fotógrafos más destacados de su generación, con un trabajo que mantiene una gran coherencia temática y formal.
El año 2008 recibió el Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria fotográfica, otorgado por el festival de fotografía PhotoEspaña.
RUBÉN MORALES
Un pedazo de mí En cada fotografía hay mucho de mí y de mi forma de sentir; mis alegrías, mis penas, mi sudor y mis ojos… todo va incluido, porque cada disparo es un pequeño capítulo de mi vida; cada copia un pedazo de mí. Hace ya unos años decidí cambiar los pixeles por los haluros, el photoshop por la ampliadora y la impresora por las cubetas llenas de químicos, en los cuales me sumerjo para rescatar de mi cabeza aquel capítulo latente y plasmarlo para siempre en un papel baritado…
SOLEDAD CÓRDOBA
Soledad Córdoba (Avilés, 1977), artista y doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su formación e investigación artística ha sido apoyada a través de becas como Beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales 2017 de la Fundación BBVA y estancias con residencia en París (Cité Internationale Universitaire de París), Londres (TATE Britain, The Hyman Kreitman Research Centre), Madrid (Casa de Velázquez) y Barcelona (Hangar, Centre de produció d’arts visuals i multimédia). Su trayectoria artística está avalada por diversos premios de Fotografía y Artes Plásticas cabe resaltar entre otros, el primer premio de Fotografía El Cultural del diario El Mundo, el primer premio de Artes Plásticas de la Fundación Universidad Complutense, el Certamen de Artes Plásticas de la UNED y el Certamen Jóvenes Creadores del Ayuntamiento de Madrid
Utiliza la fotografía como medio para representar nuevas realidades y como herramienta para arrojar interrogantes sobre la existencia del ser humano. Su obra se centra en la idea de transcender la realidad a través de la poética de la imagen con fotografías despojadas de su particularidad, lugares, escenarios y personajes (autorretratos) sustraídos de toda definición objetiva pero sí convertidos en signos, nodos y enlaces por un universo que se desprende de la realidad y que se fusiona con lo imaginario, lo poético y lo evocador.
TONI CATANY
Toni Catany Jaume (1942-2013), nacido en Llucmajor (Mallorca), llega a Barcelona en 1960 para estudiar Quimica, sin llegar a concluir sus estudios. Es fotógrafo autodidacta.
Vive y trabaja en Barcelona desde 1960.En 1968 publica sus primeros reportajes, acompañando a B. Porcel, sobre Israel y Egipto en la revista Destino y sobre Baleares en La Vanguardia.
A partir de 1979 se da a conocer internacionalmente con un trabajo fotográfico en el que utiliza la antigua técnica del calotipo.Es autor de una monografía sobre el fotógrafo Tomás Monserrat (1873-1944), En 1987 Lunwerg Editores publica una selección de sus naturalezas muertas en color,”Natures Mortes”,premiada como el mejor libro fotográfico en la edición de la Primavera Fotográfica de 1988. En los Rencontres Internationales de la Photographie de Arles ganó el premio del Libro con “La meva Mediterrània”,editado por Lunwerg y premiado por la Generalitat de Catalunya como el mejor libro ilustrado del año.
En julio de 1991 el ministerio de Cultura de Francia le otorga el título de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres. En 1994 Lunwerg Ed. publica “Somniar deus” y” Obscura memoria”. En 1997 su monografia “Toni Catany.-Fotografies” es premiada por los Editores Europeos publicádose simultaneamente en Alemania,Francia,Inglaterra,Italia y España y obtiene asimismo el premio al mejor libro ilustrado del año que otorga la Generalitat de Catalunya.
En setiembre del 2000, el Museo Nacional de Arte de Catalunya (MNAC) expone una antología de su obra “Toni Catany.El artista en su paraíso”. En el 2001 la Generalitat de Catalunya le concede el Premio Nacional d’Arts Plástiques y el Ministerio de Ed.y Cultura el premio Nacional de Fotografía.
VIRXILIO VIEITEZ
Virxilio Viéitez (1930-2008) es la figura más influyente de la fotografía gallega del siglo XX. Su manera de mostrar la realidad de la década de 1950 recuerda al concepto cinematográfico y nos muestra una imagen sociológica de mediados del siglo pasado, principalmente a través de retratos llenos de expresividad y naturalidad en momentos cotidianos.
XAVIER MISERACHS
Nace en Barcelona en 1937 y entra en contacto con la fotografía a una edad muy temprana. En 1952 se hace miembro de la Agrupación Fotográfica de Cataluña y recibe su primer premio a los 17 años. En 1961 instala su estudio profesional y alterna los encargos profesionales con la realización de las fotografías que posteriormente dan lugar al libro Barcelona Blanco y Negro y Costa Brava Show. A partir del año 1966 viaja infatigablemente trabajando como corresponsal para Actualidad Española, Gaceta Ilustrada, La Vanguardia, Interviú y Triunfo, con la que firma un contrato anual de disponibilidad y exclusiva en 1968. Fue cofundador y primer profesor de fotografía en la escuela EINA. Escribió el ensayo Criterio Fotográfico, así como sus memorias en el libro Fulls de Contacte. Falleció en 1998, a los 61 años.
Xavier Miserachs (1937 – 1998) trascendió el universo de lo aparente para ofrecer una visión analítica de la realidad, llena de sensibilidad y sabiduría. No obstante, siempre se mantuvo dentro de los ámbitos de un documentalismo respetuoso con lo real, haciendo verdad aquella afirmación suya de que en las fotografías no sólo debe expresarse el fotógrafo, sino también la propia realidad.
Premio. 01 feb de 2025 - 28 feb de 2025 / Madrid, España
Exposición. 18 feb de 2025 - 15 jun de 2025 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España