Descripción de la Exposición
Artistas destacados en la escena internacional presentan obras de gran formato que desafían la percepción y reflejan la riqueza del arte mexicano desde perspectivas menos conocidas.
Fundación Proa inaugura el próximo sábado 29 de junio “Espejos de México”, una exposición que propone un recorrido por artistas de renombre internacional, nacidos en México, y que presentan obras por primera vez en la fundación. El proyecto, diseñado por Proa, tiene como premisa exhibir, debatir y estudiar la monumentalidad en las obras, así como las experiencias y pensamientos que cada una de ellas concentra. Dada la riqueza de propuestas y metodologías, cada artista se presenta con piezas emblemáticas a lo largo de las cuatro salas, generando múltiples narrativas.
“Espejos de México” aglutina un conjunto de obras de arte que actúa reflejando -como en un espejo-, diferentes aspectos de la cultura, la historia, la diversidad y las perspectivas contemporáneas, revelando múltiples capas de significado. Aunque los artistas comparten raíces comunes por su lugar de origen y formación han tomado caminos diversos. Abraham Cruzvillegas y Damián Ortega residen en México, pero acreditan una larga trayectoria pedagógica y de trabajo en el exterior. Por otro lado, Julieta Aranda y Rafael Lozano-Hemmer emigraron tempranamente al extranjero desarrollando sus prácticas artísticas. Por otro lado, Julieta Aranda y Rafael Lozano-Hemmer emigraron tempranamente al extranj ero desarrollando sus prácticas artísticas.
“Espejos de México” encapsula esta dualidad y diversidad de lecturas, dado que cada obra, creada dentro o fuera de México, contribuye a un mosaico dinámico en el que se puede vislumbrar el origen y la adaptación cultural en un contexto global.
Durante el mes de agosto, en diálogo con esta presentación, en el espacio de PROA21 se inaugura la exhibición del artista belga-mexicano Francis Alÿs, con curaduría de Cuauhtémoc Medina. Sus obras se destacan por una documentación exhaustiva sobre las vidas y costumbres de la sociedad mexicana. Cuando la fe mueve montañas fue una acción realizada en Lima, Perú, en 2002.
La presencia de Francis Alÿs, que elige vivir en México, representa la multiplicidad de propuestas en la comunidad artística global y cómo este grupo de artistas da cuenta de la cultura mexicana y de las prácticas contemporáneas.
Desde la videoinstalación de Julieta Aranda, las obras “construidas” de Abraham Cruzvillegas, el arte expandido de Damian Ortega, el arte multimedial de Lozano- Hemmer, y la presencia de la performance en la obra de Alÿs se construye una exposición única y por primera vez en la Argentina, que da cuenta de la versatilidad artística contemporánea.
LAS OBRAS
Luego de participar en un vuelo de gravedad cero, Julieta Aranda explora en su videoinstalación el impacto del progreso científico imaginando una posible “ruta de escape” para la raza humana en estos tiempos abrumadores; su interés por las herramientas digitales se aproxima a la instalación inmersiva de Rafael Lozano-Hemmer que se activa con la voz de los participantes, generando escenas lumínicas que indagan en las conexiones entre arte y tecnología en el contexto de la luz. En sus comienzos profesionales Abraham Cruzvillegas y Damián Ortega coincidieron en el “Taller de los viernes”, un ámbito de reflexión fundado por Gabriel Orozco que más tarde impulsó sus búsquedas individuales en el campo social. En su práctica Cruzvillegas trabaja el concepto de “autoconstrucción”, una plataforma sobre la que erige esculturas e instalaciones efímeras. Su pasado como caricaturista político asoma en los dibujos y pinturas que acompañan la pieza principal, realizada in situ por el artista en una suerte de ritual performático.
Ortega enfoca sus proyectos en los procesos industriales para desarmar objetos cotidianos y analizarlos expandidos, fragmentados, invitando a reconsiderar su funcionalidad y nuestra relación con el consumo. La acción realizada en 2002 por Francis Alÿs en las afueras de Lima, Perú, da cuenta de la magnitud del esfuerzo colectivo al momento de superar obstáculos tan o más grandes que una montaña.
JULIETA ARANDA
Julieta Aranda es invitada a exhibir por primera vez en las salas de Fundación Proa. En 2014 presentó en Buenos Aires una serie de trabajos en la galería Ignacio Liprandi1 sobre el proyecto “Teorema del Mono Infinito”, o Tools for Infinite Monkeys (Open Machine). Sus obras de carácter multidisciplinario se destacan por la forma en que la artista hace uso de los recursos en la instalación, el video, y la escultura conformando un territorio en el que explora temas como el tiempo y la percepción que se mezclan y entrecruzan con sus vivencias personales y sensoriales, dando cuenta de la vida cotidiana contemporánea.
La famosa serie de video instalaciones Robando el propio cadáver (un conjunto alternativo de puntos de apoyo para un ascenso a la oscuridad), conforma una aguda reflexión sobre los acontecimientos sensoriales y conceptuales del sujeto contemporáneo. Es a partir de su propia experiencia que se construye el proyecto, cuando fue invitada junto a otros artistas a experimentar un vuelo con gravedad cero, en ocasión de la Bienal de Berlín en 2014. En Proa se presenta la video instalación correspondiente a la primera parte.
A propósito de su trayectoria, la galería Mor Charpenter escribía: “En su práctica artística, Julieta Aranda observa la relación humano-tierra alterada a través del lente de la tecnología, la inteligencia artificial, los viajes espaciales y las hipótesis científicas. Al trabajar con escultura, instalación, video y medios impresos, Aranda se interesa en la exploración del potencial de la ciencia ficción, las economías alternativas y las ‘poéticas de la circulación’. Sus proyectos desafían los límites entre el sujeto y el objeto a la vez que incorporan los encuentros fortuitos, la autodestrucción y los procesos sociales. En 2006 obtuvo un Máster en la Universidad de Columbia en Nueva York. Anteriormente había realizado su formación en el School of Visual Arts en Manhattan (2001). Como directora de la plataforma en línea e-flux junto con Anton Vidokle, Julieta Aranda ha desarrollado los proyectos Time / Bank, Pawnshop y e-flux Video Rental, todos ellos iniciados en el espacio de e-flux en Nueva York, y que han sido presentados en diferentes escenarios del mundo”.
LA ARTISTA
Julieta Aranda nació en Ciudad de México, en 1975. Estudió cine en la School of Visual Arts de Nueva York y una Maestría en Arte en la Universidad de Columbia. Fue así que en 1999 tuvo su primera exposición, “Medidas de emergencia" en el espacio independiente La Panadería, en la Ciudad de México, desarrollando una extensa carrera internacional como artista. Su interés por el lenguaje la ha llevado a contribuir con numerosos textos y ensayos en diversas publicaciones de arte contemporáneo, muchos de los cuales están disponibles a través de la plataforma e-flux, que co-fundó junto a Anton Vidokle, en 1998. E-flux se ha convertido en un espacio de reflexión y divulgación global ineludible de las artes a lo largo de estos años.
Durante 2020 y 2021, Julieta Aranda dirigió “Summa Technologia” -una serie de seis seminarios en línea que conmemoraban el centenario de Stanislaw Lem. En 2024 tendrá una retrospectiva de mitad de carrera en el MUAC, en Ciudad de México. Como editora de la revista e-flux, y codirectora de la plataforma en línea e-flux junto con Anton Vidokle, Julieta Aranda ha desarrollado los proyectos Global Contemporary Travel, Time/ Bank, Pawnshop, Supercommunity y e-flux video rental, la mayoría de los cuales comenzaron en la tienda de e-flux en Nueva York, y han viajado a muchos lugares alrededor del mundo.
ABRAHAM CRUZVILLEGAS
Presentamos por primera vez en Buenos Aires una exhibición individual de Abraham Cruzvillegas (México, 1968), destacado artista de reconocida trayectoria internacional. Esta muestra surge de la colaboración entre Cruzvillegas y Fundación Proa, que comenzó con una visita a la fábrica de Tenaris en México, más exactamente a Veracruz, para explorar los materiales que utiliza la industria siderúrgica. Desde México y en diálogo con el equipo de Proa, Cruzvillegas brindó algunas intereses especiales sobre los materiales, pero dejó que los asistentes elijan, traigan y provean los objetos que consideraban propicios para su instalación. Esta peculiar y extraordinaria postura frente a la obra la vuelve participativa, porque es el equipo de trabajo y el espectador quienes finalizan de construir la obra. En sus palabras “todo objeto es bueno y necesario para la obra”.
El site specific central compuesto con materias primas locales están acompañados por cinco telas de gran formato, también realizadas en nuestro país. Las pinturas a manera de una performance son realizadas con una mapa y escoba. El autorretrato ciego es parte de su historia, de sus intereses y momentos vividos, coloreados conformando un retrato del artista invisibilizado al espectador. El resultado es una obra polisémica.
Estas obras evidencian la meticulosa metodología y el profundo enfoque conceptual del artista, y dan cuenta de su trayectoria y proceso creativo. Sus inicios como caricaturista político asoman en los dibujos y pinturas que acompañan la pieza principal, en una suerte de ritual performático. A través de su obra, Cruzvillegas nos invita a reflexionar sobre la capacidad creativa y la capacidad de transformar la realidad a partir de lo que tenemos a nuestro alrededor, una declaración política y social.
En sus propias palabras, Cruzvillegas describe su enfoque como un juego constante de resolución de problemas: "alguien como yo puede hacerlo, sin demagogia ni falsa modestia". Este enfoque se ve claramente en sus piezas, que pertenecen a tres distintos cuerpos de obra presentados en diversos lugares, siempre utilizando materiales locales —los cuales, a su vez, traen consigo diversas capas de experiencia y transformación, apelando a las economías locales, sus sociedades e individuos—. Bajo el concepto de “autoconstrucción” sus proyectos se erigen como monumentos efímeros formados por materiales encontrados y en desuso, un readymade hecho de clavos, tablas, pedazos de plástico y metales devenidos en escenarios donde se representa el drama de lo humano. La autoconstrucción se manifiesta como una forma de resistencia activa frente a la desigualdad económica y la opresión estatal. A través del acceso a la tecnología y la creatividad, su obra subraya la reutilización, mostrando cómo la innovación y el ingenio surgen frente a la escasez y cómo no siempre se necesitan grandes recursos para crear.
EL ARTISTA
Abraham Cruzvillegas nació en Ciudad de México en 1968. Fue profesor, conferencista, asesor, coordinador de seminarios, talleres y realizó proyectos de investigación en el Smithsonian Institute, DIA Art Foundation, Malmö Art Academy, Ruskin College-Oxford, Duke University, New York University, Glasgow School of Art, CalArts, The New Museum, California College for the Arts, Nasher Museum of Art, el Museum of Contemporary Art y The Art Institute de Chicago, Tate Modern, Guggenheim Museum, University of Houston, la Universidad Iberoamericana, la Universidad de Guanajuato, Hunter College, la Americas Society, el Museo Tamayo, el Centro de la Imagen, el Centro Nacional de las Artes, la Universidad de Sonora, la Universidad de Las Américas, San Francisco Art Institute, University of California-Los Angeles, el Getty Institute, University of California-San Diego, la Escuela Nacional de Artes Plásticas-Universidad Nacional Autónoma de México, SOMA, La Esmeralda, en México, la École Nationale Supèrieure des Beaux-Arts de París y Harvard University, entre otras instituciones.
RAFAEL LOZANO-HEMMER
Se presenta en Fundación Proa la obra del destacado artista Rafael Lozano-Hemmer (Ciudad de México, 1967), cuya producción atraviesa invariablemente la condición humana. Utilizando tecnologías como luces robóticas, vigilancia computarizada y redes telemáticas, entre otras herramientas multimedia, sus obras involucran al público de una manera única, desafiándolo a explorar temas sensibles como el control y las relaciones de poder en la sociedad contemporánea. Sus instalaciones y performances a gran escala son verdaderas experiencias artísticas que nunca se limitan a lo visible. Al contrario, proponen una inmersión en lo invisible, una invitación a ser parte de algo más grande y a encontrar sentido en la interacción humana.
Casi desde el comienzo de su prolífica trayectoria Lozano-Hemmer se ha enfocado en crear lo que él describe como "antimonumentos", obras que no se imponen al público sino que les permiten representarse a sí mismos. Matriz de voz, la instalación que exhibe en Proa, se activa cuando el participante habla por un intercomunicador que hace visible su voz a través de los destellos de luz. Luego, un patrón único de parpadeo se almacena como un bucle en la primera luz de la serie, iluminando la pieza completa. Cada nueva grabación empuja todas las anteriores una posición hacia abajo, y gradualmente se puede escuchar el sonido acumulado de las 882 grabaciones anteriores. Los participantes se sorprenden al escucharse en esos dibujos que parpadean, luminosos. En Proa el artista invita a los participantes a citar poesías y frases con sentido para ampliar el significado de la obra.
“Mis obras plantean una relación de inevitabilidad con la tecnología. Vivimos en una sociedad globalizada donde el lenguaje común es la tecnología. Aun así, no veo una relación de beneficio inherente a la tecnología y me parece muy problemático que la gente piense que el arte tecnológico es el futuro. Detesto cuando alguien dice que la inteligencia artificial nos va a dar infinitas posibilidades. Un lienzo en blanco te da infinitas posibilidades; una página en blanco para escribir un poema lo mismo. Solo nos están vendiendo unos servicios y esto es algo inaceptable. Los artistas que me parecen interesantes en su trabajo con la tecnología tienen una relación crítica o al menos histórica” decía en una entrevista realizada en noviembre de 2023 a propósito de un workshop en Buenos Aires.
Considerado uno de los artistas multimedia más relevantes del arte contemporáneo internacional, Rafael Lozano-Hemmer creció en el seno de una familia relacionada con figuras del ambiente cultural de los años setenta. A los 17 se mudó a Montreal, Canadá, para estudiar la carrera de Físico-química en la Universidad de Concordia.
EL ARTISTA
Rafael Lozano-Hemmer nació en la Ciudad de México en 1967. Vive y trabaja en Montreal. En su práctica artística crea plataformas para la participación pública utilizando tecnologías como luces robóticas, fuentes digitales, vigilancia informatizada, muros multimedia y redes telemáticas. Fue el primer artista en representar a México en la Bienal de Venecia con una exposición en el Palazzo Van Axel, en 2007. También ha exhibido en otras bienales como La Habana, Estambul, Kochi, Liverpool, Melbourne, Mercosur, Nueva Orleans, Shanghái, Singapur, Sidney y Wuzhen. Sus instalaciones de arte participativo a gran escala transforman espacios públicos, creando entornos conectivos para comunidades. En 2019, presentó Border Tuner diseñado para interconectar las ciudades de El Paso, Texas, y Ciudad Juárez, Chihuahua. El proyecto reunió a decenas de miles de personas en ambos lados de la frontera entre Estados Unidos y México. Otras obras fueron encargadas para eventos como las “Celebraciones del Milenio” en la Ciudad de México (1999), la Capital Cultural de Europa en Róterdam (2001), la Cumbre Mundial de la ONU en Lyon (2003), los Juegos Olímpicos de Invierno en Vancouver (2010) y la preapertura del Museo Guggenheim en Abu Dhabi (2015), entre otros.
Sus obras integran las colecciones de instituciones como MoMA, Guggenheim, TATE, Reina Sofía, Hirshhorn, NGV, MUAC y MONA. Entre sus exposiciones individuales recientes destacan "Presencia inestable", una retrospectiva de mitad de carrera coproducida por el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal y SFMOMA; "Bosque sonoro" instalado en más de 120 acres de tierra en el Museo de Arte Americano Crystal Bridges en Bentonville, Arkansas; "Medidas Comunes", su primera exposición individual en la Galería PACE de Nueva York; e "Isla de Traducción", un recorrido de 2 km que incluyó diez obras de arte público, en la Isla Lulu, Abu Dhabi.
DAMIÁN ORTEGA
En los comienzos profesionales de Damián Ortega (Ciudad de México, 1967) está su labor como caricaturista político, lo que claramente influyó en su habilidad para observar a las personas y el clima de época. Esa capacidad analítica, podría decirse quirúrgica, se convertirá en un rasgo distintivo de su producción artística.
Su práctica se sitúa en la intersección de la escultura, la instalación y el cine. En los proyectos de gran formato suele desarmar y reconfigurar objetos de la vida cotidiana para revelar las estructuras invisibles que los construyen y exponer así la complejidad e interdependencia de estos sistemas, utilizando la fragmentación como medio para explorar la totalidad. Ese concepto de obra expandida propone al espectador mirar más allá de la superficie y reconsiderar su relación con los elementos del entorno, desafiando las percepciones tradicionales de utilidad y función. Cada una de sus obras se convierte en un campo de estudio en el que los componentes aislados adquieren nuevos significados y contextos.
LAS OBRAS
Sobre Cosmic Thing
En Cosmic Thing, una de sus instalaciones más reconocidas y que puso a la escena artística de México en la órbita internacional, Ortega disecciona un Volkswagen Beetle modelo 1998 que él mismo compró para suspender sus partes en el espacio, creando una especie de explosión congelada —o como el esqueleto de un dinosaurio en un museo de ciencias— que sugiere tanto la deconstrucción de la pieza como la fragmentación de las ideas que representa.
El vehículo de origen alemán producido en la fábrica de Volkswagen en Puebla, se convirtió en 1971 en el taxi oficial del entonces Distrito Federal (ahora Ciudad de México). Millones de “vochos”, como le llaman los habitantes del DF, circularon por las calles de la extensa capital, devenidos en verdaderos fetiches urbanos.
En este trabajo el artista reflexiona sobre la globalización, la industria y la movilidad. Entre otras lecturas puede interpretarse como una crítica a las compañías transnacionales y a sus plantas de ensamblaje en México (con mano de obra barata) y también como una respuesta directa a los efectos del Tratado de Libre Comercio que entró en vigor en la década de 1990, como indica en la memoria descriptiva de la obra la galería kurimanzutto.
Cosmic Thing fue quizá el preludio de la desaparición de este modelo tan popular fabricado en la Alemania nazi. Un año después de presentada la obra, Volkswagen dejó de producirlo y en su lugar las calles del DF se llenaron de Tsurus, ahora fabricado por Nissan, hoy taxi oficial de la Ciudad de México.
Se exhiben junto con la instalación principal los bocetos preparatorios de la obra y dos videos que registran acciones performáticas en torno a la impresionante instalación que ocupa la sala 2 de Proa.
Sobre Escarabajo por Damián Ortega
“En 2002, decidí hacer una simulación de un VW enterrado de tal forma que el único elemento visible más allá del nivel del suelo fuera una pequeña superficie de los neumáticos. Debía parecer como si fuera un escarabajo que ha muerto con las patas al revés. El entierro tuvo lugar en el patio trasero de una casa. Enterré los neumáticos en la posición exacta en la que deberían aparecer si un coche se hundiera realmente en el suelo. La imagen evocaba factiblemente una escena en la que un niño hubiera enterrado a su mascota muerta en el jardín. El lugar se convertía en una tumba para el Escarabajo, y los espectadores podían recrear la situación." Otra importante cuestión formal abordada en esta pieza (Beetle '83, 2002) es la inversión de la posición del vehículo en relación con el suelo: el coche se sitúa sobre la circunferencia de la Tierra por su lado interno.
En 2005, celebré el entierro de mi Volkswagen Sedan 1983 en los alrededores de la planta de VW donde se ensambló originalmente, en Puebla, México. Este proceso se convirtió en la película de 16 mm bajo el título de Escarabajo. Los fotogramas de la película eran muy similares a la fotografía ficticia. Si me pidieran que identificara cuál de ambas imágenes retrataba un coche enterrado, quizá no sería capaz de identificarlo correctamente. La realidad suele ser menos creíble que la ficción, porque la realidad no se preocupa tan escrupulosamente de hacer evidente su ‘veracidad’ como la ficción”.
Sobre Moby Dick (Los Angeles), 2005
En el tercer nivel del estacionamiento de un supermercado en Ciudad de México Damián Ortega intentó domar su viejo “vocho” con una serie de cuerdas y poleas, imaginando que era la ballena de Herman Melville. El coche, un Volkswagen blanco modelo Beetle, se deslizaba por el suelo con las gomas cubiertas de grasa mientras una banda tocaba en vivo Moby Dick de Led Zeppelin. La lucha hace referencia a las mitologías del hombre contra la naturaleza, del hijo pródigo y narrativas similares de lo heroico. Damián Ortega parece encontrar un continuo histórico entre su particular visión de la mitología contemporánea y la búsqueda de una identidad cósmica para convertirla en una manifestación cultural humana.
EL ARTISTA
Damián Ortega nació en la Ciudad de México en 1967. Comenzó su carrera como caricaturista político. Entre 1987 y 1992 formó parte del “Taller de los viernes” con Gabriel Orozco. En 2005, fue nominado para el Hugo Boss Prize y en 2007 fue nominado al Preis der Nationalgalerie für junge Kunst. De igual manera, en 2014 recibió la Smithsonian Artist Research Fellowship por parte de Smithsonian Institution y en 2006, realizó una residencia artística en Deutscher Akademischer Austauschdienst (DAAD) en Berlín. Dentro de su trabajo cabe destacar Alias Editorial, un proyecto nacido en el año 2006 que busca la publicación de textos esenciales y fundamentales dentro del arte contemporáneo.
Exposición. 19 nov de 2024 - 02 mar de 2025 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
