Descripción de la Exposición
(Madrid, 17 de febrero de 2025). Las obras de Aitor Ortiz (Bilbao, 1971) parecen evocar escenarios próximos a una suerte de distopía melancólica y desnuda, como vestigios de una ciudad ‘inhabitada’ cuya memoria permanece a través de esa mirada en blanco y negro que plasma sobre acero, aluminio, tinta, en oquedades, curvas, superficies y volúmenes traspasados por la luz. Un paisaje protagonizado por un vacío cargado de poesía que se materializará del 28 de febrero al 27 de abril en el Museo Lázaro Galdiano, gracias a un recorrido por más de 60 obras (fotografías, esculturas de pequeño y gran formato, instalaciones) distribuidas en las diferentes salas y jardín de Parque Florido. “Entre arquetipos y artefactos” transportará al espectador, tanto a las operaciones industriales que moldearon el mundo durante el siglo XX y a la estética de los procesos mismos, como a los materiales descartados que esa misma actividad generó en su curso.
Planchas y armazones de más de dos metros, piezas y engranajes, virutas y astillas —extraídas de su contexto y funciones originales— se presentan en esta muestra como objetos que contienen memoria y, a la vez, como un desafío perceptivo con múltiples lecturas. En la depuración formal que caracteriza esta exposición, los objetos adquieren el aura de los arquetipos, la conexión con la materialidad del quehacer industrial y con las marcas del trabajo humano. Las obras transitan del documento a la exploración conceptual; del archivo a la resonancia simbólica, planteando, así, una serie de cuestionamientos que, a lo largo de la historia, han estado relacionados con la consideración de la obra de arte, el coleccionismo, el sentido de la belleza o la exclusividad. De ahí este diálogo entre lo técnico y lo artesanal con la colección del Museo Lázaro Galdiano, que invita a reflexionar sobre la transformación de los objetos a través del tiempo, rescatando las huellas de las prácticas que han dado forma a nuestra cultura material. “Lo que me interesa son esos espacios entre el hecho u objeto representado y la manera en la cual se representa, además de cómo lo percibimos”, asegura. Es decir, no son trabajos que busquen documentar las transformaciones del paisaje —a la manera de Andreas Gursky o Edward Burtinsky—, sino que se sirven de estas transformaciones para evocar escenarios despojados de ornamentos o cualquier otra distracción. “Lo que no miramos con intención, no se ve a simple vista”, explica Ortiz, a quien el hecho de que trabajar en blanco y negro le permite generar una distancia con la realidad para observar las imágenes, según afirma.
Aitor Ortiz trabaja con el espacio, la arquitectura y el objeto como elementos de partida para plantear incógnitas visuales y conceptuales. Sus imágenes suelen formular disyuntivas entre la representación y la percepción, proporcionando crucial importancia al soporte y los montajes. La interpretación, la descontextualización del objeto, el dinamismo y las capacidades empíricas del espectador son claves en el desarrollo previo de sus trabajos, que en la última década han sido valorados de manera creciente por la crítica y el coleccionismo (Premio Ciudad de Palma, 2006; Premio de Fotografía ABC, 2002; Villa de Madrid, 1999; II Concurso Internacional Ciudad de Oviedo, 1996, etc.). Su trabajo actualmente está representado por la galería Max Estrella (Madrid) y se ha mostrado en exposiciones individuales en el Museo de la Universidad de Navarra (Pamplona, 2018), Le Centquatre, París (2015), MACUF (A Coruña, 2014), FOTOGRAFISKA (Estocolmo, 2011), etc., además de estar presente en las colecciones del MNCARS. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Colección de Arte Contemporáneo Fundación "La Caixa", el Museo Guggenheim Bilbao, la Colección Iberdrola o el Museo Patio Herreriano, entre otras. En 2018 fue beneficiario de una beca LEONARDO de Investigación Científica y Creación Cultural, otorgada por la Fundación BBVA, con la que realizó el proyecto LINK, algunas de cuyas obras forman parte de esta exposición que hoy se muestra en el Museo Lázaro Galdiano.
Jugando con la percepción del espacio, el volumen y la textura de los objetos
La obra de Ortiz ha evolucionado de manera orgánica, dejando que los temas propongan sus propios métodos, con técnicas que van desde la manipulación digital de mallas, la reinterpretación escultórica o la metamorfosis de restos industriales, hasta la catalogación arqueológica. Por ello, “el público se encontrará con un artista para quien la mirada es una forma de intervención”, como asegura el profesor e investigador Rubén Ángel Arias. Referencias tan dispares como Chillida, Serra, Richter, Soto, Rivera, Mack, Gursky, ingenieros y arquitectos como Nervi, Dieste, Fisac o Foster, y el hecho de haber vivido en una ciudad portuaria con una fuerte tradición industrial, le han permitido conocer procesos productivos relacionados con la industria siderúrgica: la construcción de un buque, la fabricación de cadenas de gran tonelaje, las fundiciones o las acerías. Toda una cultura que ha interiorizado y que se refleja en su entorno, un paisaje emocional con un lenguaje propio imbuido en una poética del vacío.
No en vano documentó el proceso de construcción del Museo Guggenheim de Bilbao de Frank Gehry, durante el período 1995-1998, así como otras construcciones arquitectónicas, como las terrazas pétreas de la cantera de mármol negro de Markina o, en el sur de Francia, el viaducto de Millau, de Norman Foster. También ha realizado la dirección artística y las fotografías de dos libros para el arquitecto francés Philippe Prost (Premio nacional de arquitectura de Francia, 2022); en 2019 publicó un libro de artista sobre la obra del arquitecto Antoni Gaudí; y en 2012 colaboró con el artista suizo Not Vital en la publicación de su obra, con la editorial Ivorypress. Las fotografías de Aitor Ortiz invitan al espectador a mirar desde otra perspectiva, libre de las limitaciones que imponen un contexto. Son más de 45 las que componen “Entre arquetipos y artefactos”, pertenecientes a sus series Metaflora (2021), Estorninos (2020), Amorfosis (2015) y Net 010 (2012). Impresiones sobre aluminio con un aura de clasicismo, atemporalidad y misterio.
La mayoría de las fotografías han sido realizadas en formato vertical, enfatizando su carácter escultórico. Como lo son sus trabajos en planchas de acero de gran tamaño de las series Nóumenos (2013) o Vicinay (2018). “Ambas series exploran las propias limitaciones de la fotografía como medio de representación y establecen conexiones con otras disciplinas limítrofes”, comenta. Vicinay, por ejemplo, es un proyecto realizado en la antigua fábrica de cadenas Vicinay, con motivo de su desmantelamiento. Las toneladas de cadenas producidas han dejado una huella inscrita a su paso por el suelo de la fábrica, y de ahí estas obras, imágenes grabadas en planchas de acero de 1,25 x 2,50, y de un centímetro de grosor, como sublimaciones de la actividad realizada.
La exposición cuenta, además, con cinco de sus más recientes esculturas, pertenecientes a la serie Lanaval (2025). Piezas inéditas en acero inoxidable patinado que juegan con el volumen, la perspectiva y las formas.
Premio. 01 feb de 2025 - 28 feb de 2025 / Madrid, España
Exposición. 26 feb de 2025 - 01 sep de 2025 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España