Descripción de la Exposición
Santiago de Compostela, 10 de junio de 2022. A lo largo de los años, el CGAC ha mantenido una constante y sostenida atención hacia la acción y la performance, de modo que la presentación de un proyecto experimental como El museo como escenario aparece coherentemente dentro de su programación.
La retrospectiva de Ana Mendieta en 1996, el taller que Marina Abramovic dirigió en Antas de Ulla (Lugo) en 2003 y cuyos resultados en forma de ciclo o exposición de performances de nuevos artistas fueron presentados en el CGAC, reflejándose todo el proceso en una publicación, y las exposiciones individuales de Esther Ferrer (2012), La Ribot (2020) o Pilar Albarracín (2021) dan muestra de esa constancia en el plano expositivo.
asimismo El museo ha acogido de manera regular diversos ciclos de performance, el congreso Fugas e interferencias, organizado desde la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra, así como las performances y actuaciones de la programación del festival Plataforma en 2020 y 2021.
La exposición El museo como escenario incide en como la eliminación del escenario acerca al público a la obra, al performer, al actor, al bailarín. Se trata de una discusión que ha atravesado todo el siglo XX hasta hoy, acercando el teatro y la danza a las artes visuales mediante la performance, entendida como acción/actuación sin escenario. Más allá de la performance, otros fenómenos escénicos como la danza han revitalizado, en las últimas décadas, las artes visuales transformando también las salas del museo: ¿Cómo es o cómo debe presentarse una exposición de performance y danza? ¿Qué pasa cuando la representación ha concluido y ya no están los actores? ¿Qué queda de la representación en una sala expositiva que por unos instantes fue un escenario?
La muestra no busca encontrar las respuestas a estas preguntas, sino ofrecer al espectador la posibilidad de experimentar de una manera diferente la visualidad frente a la temporalidad de la acción. Los espacios del museo acogen la inmediatez de la performance, para que una vez concluida, queden las instalaciones, la escenografía.
A partir de las propuestas creadas específicamente por Rosana Antolí, Marta Pazos y Berio Molina, el museo se convierte en un espacio escénico.
La muestra convierte las salas del CGAC en un lugar de producción y experimentación donde las artes vivas entran de un modo natural, visual. Las instalaciones específicas creadas por los artistas para este proyecto funcionan como instalaciones autónomas, con o sin intérpretes, y también pueden ser activadas por el espectador.
Rosana Antolí presenta La charca, una exposición performática experimental que funciona como espacio coreográfico híbrido capaz de integrar a la audiencia como sujeto activo junto con cuerpos físicos y digitales en un continuo loop. En La charca, el público, los bailarines, los performers, las esculturas escenográficas y las pantallas, son elementos de un mismo sistema acuoso futurista que revisa lo ficcional con objetos y cuerpos en un continuo contexto relacional abierto.
Como en la estructura de una ópera clásica, partiremos de un libreto dividido en escenas y encontraremos una historia ficcionada sobre un paraíso perdido y resistente dentro de una charca en medio de la nada; un ecosistema posapocalíptico de cuerpos acuáticos que se relacionan con nosotros; una serie de acciones coreográficas, performativas, videográficas y episodios sonoros, que nos ayudan a sumergirnos en este mundo acuoso.
La muestra construye un escenario, una instalación inmersiva, donde se invita al visitante a habitar este espacio para entender la hibridación entre especies y la relación entre lo humano y lo no humano como una opción posible para estar en el mundo.
En La charca hay ecos de lo ancestral que se conforman mediante esa referencia al agua como elemento a través de las propias esculturas de Rosana Antolí y al espacio escénico; unas bases de música electrónica creadas por Pálida y la referencia a dos universos que coexisten: el contemporáneo y posapocalíptico, y el ancestral. En cada momento, la coreografía es un diálogo que salta de lo virtual y lo digital al mismo espacio escénico, generando una competición entre los cuerpos digitales y los cuerpos tangibles. El sonido se convierte en un mantra.
Durante el momento de activación, el coreógrafo y bailarín Mikel Aristegui dará vida junto a Mariña Ferreiro, Giovanni Peixoto y Nazaré da Vila Pousada a este ecosistema. La banda sonora continua y la audiencia pasarán a ser agentes colaboradores en la experimentación de esta historia de espacios interconectados.
En Dislocación Berio Molina propone un ejercicio de toma de posesión del museo. Durante nueve días, habitará las salas del CGAC junto a Alejandra Pombo y Calís Pato, haciendo funcionar las bocinas instaladas en la terraza del centro. Los performers (bocineros) decidirán cuando tocarlas. Solo podrán hablar entre ellos durante las comidas y tendrán una palabra de seguridad por si en algún momento tienen que salir de la acción. Uno de ellos grabará en vídeo indefinidamente, sin pausa, todo lo que ocurra. Al final del día acabará con unas dieciocho cintas grabadas (una por hora) y tras nueve días de acción se editará una película que funcionará como resumen de todo lo sucedido. Los otros bocineros se detendrán más en llevar a cabo acciones, combinando algunas de carácter cotidiano con otras sonoras-vocales: levantarse, asearse, ventilar las camas, desayunar, tocar la bocina, hacer ejercicio, comer, hablar, recoger, pasear, bailar…
Berio Molina crea un ejercicio de dislocación que se asienta, en muchos casos, en el azar.
Finalmente, la exposición quedará convertida en un rastro, habitada por los restos de esta convivencia y acción, con las imágenes de las acciones grabadas y ensayadas durante la performance.
Marta Pazos en Contemplación nos lleva a un elemento primordial de la creación. Una luz verde lima similar a la de los fuegos fatuos que emanan de los cuerpos como último hálito de vida. Las ballenas son los únicos animales que guardan y custodian los registros akáshicos y ellas serán las que nos los muestren. Con sus cantos y vibraciones hilan y anclan información lumínica más allá del plano sensorial. Las ballenas trabajan activamente en la sanación de los océanos. Con sus cantos y energías, purifican las memorias almacenadas en el agua. Las ballenas azules —se cree que guiadas por su memoria— están llegando a nuestras costas en los últimos años. En Contemplación Marta Pazos plantea una pieza específica para el Doble Espacio que proporcione al visitante una experiencia inmersiva en el museo.
La instalación se convierte en una gran piscina habitada por esta escultura gigante que se ancla a la pared y a la que se adhieren una serie de elementos fluidos. El color juega un papel fundamental en la instalación, lo mismo que el sonido, para proporcionar esa experiencia de habitar en el fondo de un espacio acuático.
La instalación será activada con la colaboración de los actores ciegos Lola Robles y Miguel Escabias. En la acción tomarán como inspiración el I Ching, el libro oracular chino que data del 1200 a.C. Los performers se relacionarán en esta acción con el hexagrama 20 del I Ching: Kuan / La Contemplación (La Vista). Se tratará de contemplar sin ver, de penetrar con la mirada sin ver, introduciéndose en un espacio relacional que permita el encuentro.
Comisariada por Cooperativa Performa (David Barro, Mónica Maneiro, Iñaki Martínez Antelo), El museo como escenario quiere reivindicar el espacio de experimentación que las artes plásticas han sabido ganar para generar su influencia en las propuestas escénicas más interesantes de la contemporaneidad.
Exposición. 14 nov de 2024 - 08 dic de 2024 / Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) / Córdoba, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
