Descripción de la Exposición
El Cóndor Pasa es una canción peruana del compositor Daniel Alomía Robles, escrita en 1913 y basada en la música tradicional andina. La canción es conocida internacionalmente por la versión de los años 70 grabada por Simon & Garfunkel, que incluía letra en inglés. Esta reinterpretación, migración y expansión de la canción presenta un paralelo para Mujica, artista chileno que emigró a Nueva York hace 23 años. El cóndor andino es el ave más grande del mundo y ocasionalmente se lo ve volando alrededor y sobre la Cordillera de los Andes, una región con una fuerte y ancestral historia textil.
En 2006, Felipe Mujica comenzó a realizar Cortinas, un conjunto de trabajos textiles que se elaboran con la asistencia de costureras y bordadoras. Inicialmente, los proyectos eran de pequeña o mediana escala y se fabricaban en la casa/estudio del artista o su(s) colaborador(es).
Esta exposición sigue a la residencia de Mujica en OSMOS Station, en Stamford, Nueva York, el invierno pasado, donde produjo obras en colaboración utilizando técnicas y tradiciones del Quilt.
El sábado 11 de noviembre, Mujica estará presente en la galería para un conversatorio con José Luis Falconi y el lanzamiento en Estados Unidos del libro ¿En qué estabas pensado, en el pasado o en el futuro? (2022)
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Mujica nació en 1974 en Santiago de Chile y desde el 2000 reside en Nueva York, Estados Unidos. Estudió Licenciatura en Artes con Mención en Grabado en la Pontificia Universidad Católica de Chile.
Para el 2021, se encuentra preparando su primera exposición individual institucional en Estados Unidos, a realizarse en el Pérez Art Museum Miami (PAMM).
Entre otras de sus exposiciones individuales destacan: “Hay luz en cada ventana (VI)”, Die Ecke Arte Contemporáneo (Barcelona, ES, 2020); “Primeros amaneceres en la Tierra”, SINDICATO (Las Terrenas, DO, 2019); “All Tomorrow’s Parties”, Galerie von Bartha (Basel, CH, 2019); “Estamos más unidos a lo invisible a lo invisible”, Museo de arte Moderno Medellín (Medellín, CO, 2018); “Sombras imaginarias, vienen por el camino imaginario”, Casa Triângulo (São Paulo, BR, 2017); “Arriba como ramas que un mismo viento mueve”, Museo Experimental El Eco (D.F., MX, 2014); “Un puente es un hombre cruzando un puente”, Galerie Christinger De Mayo (Zürich, CH, 2012); y “Ojos de perro azul”, Galeria Nuno Centeno (Oporto, PT, 2012).
De sus exhibiciones colectivas destacan: “Gran sur”, Arte Contemporáneo Chileno en la Colección Engel (Madrid, ES, 2020); “Nunca fuimos contemporáneos”, XIII Bienal Femsa (Zacatecas, ME, 2018); “Shout Fire!”, Röda Sten Konsthall (Gotemburgo, SE, 2018); “Incerteza viva”, 32a Bienal de São Paulo (São Paulo, BR, 2017); “Embodied Absence: Chilean Art of the 1970s Now”, Harvard University (Massachusetts, EUA, 2016), “Nido o átomo, he aquí la estrella”, Die Ecke Arte Contemporáneo (Santiago, CL, 2015); “Ways of Working: The Incidental Object”, Fondazione Merz (Turín, IT, 2013); “Thinking and Speaking”, Galerie Nordenhake (Estocolmo, SE 2013), “Critical Complicity”, Kunsthalle Exnergasse (Viena, AUT, 2010) y “3rd Guangzhou Triennial”, Guangdong Art Museum (Guangdong, CH, 2008).
Ha obtenido el concurso FONDART (CL) en cuatro oportunidades y el concurso DIRAC (CL) en seis ocasiones. En 2020 recibe el primer lugar de la Beca Fundación Actual MAVI (CL),
en 2012 el DIVA (Danish International Visiting Artists Programme) (DIN). Ha participado en residencias en Solentiname (NIC), Capacete (BR) y Or Gallery en Vancouver (CA), Gasworks en Londres (UK) y obtuvo el premio de Pollock Krasner Foundation (EUA) el 2002.
Sus obras forman parte de colecciones institucionales como el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes del Gobierno de Chile (Santiago, CL), MAC (Santiago, CL), MAVI (Santiago, CL), Fundación Engel (Santiago, CL), Phoenix Art Museum (Arizona, EUA), The Space Collection (California, EUA), Aspen Art Collection (Zürich, CH), Coleção Iguatemi (São Paulo, BR) y privadas como Christian Nagel (Köln-Berlín, DE), Von Bartha Collection (Basel, CH), Barbara Kapusta (Viena, AT), Klaus Nelund (Copenhagen, DK), Katherine E. Bash (London, UK), Alejandro Zaya (Nueva York, EUA), Ricardo Alcaide (São Paulo, BR), Paola Santoscoy (DF, MX), Livia Benavides (Lima, PE), Samy Benmayor (Santiago, CL), entre otras.
Mi obra ha crecido de códigos visuales relacionados con la abstracción geométrica, donde los mecanismos económicos de producción de imágenes son simultáneamente un conjunto de referencias históricas y un conjunto de herramientas de creación.
Igualmente importante en mi formación ha sido la práctica de colaboración ya que constantemente entrelazo mi obra con la de otros por medio de la organización de exposiciones, proyectos de grupo, publicaciones, etcétera. Un ejemplo de ello podrían ser las instalaciones que he producido con paneles de tela, con el propósito de ser dibujos que ocupan el espacio y también cortinas que funcionan como organizadores de espacio, como muros temporales que canalizan la circulación del público y percepción del espacio, así como la percepción de otras obras en el espacio. En este sentido, estas instalaciones son de igual forma un objeto de contemplación y un objeto funcional; se vuelven parte de la museografía y arquitectura flexible temporal. Pueden ser usadas por otros artistas y curadores. Estos paneles de tela también son referencia directa a movimientos de vanguardia como el constructivismo ruso y la escuela Bauhaus, puesto que intentan recobrar y reinterpretar el ideal modernista de democratización del objeto de arte. En situaciones ideales pueden cambiar su posición en el espacio ya que son colgados de un cable de acero inoxidable que cruza la sala de exposición; entonces funcionan como “cortina” que puede ser movida de un lado a otro.
Otro cuerpo de trabajo consiste en la producción de dibujos y grabados de referencias de los años cincuenta hasta mediados de los setenta, como afiches políticos de Latinoamérica, imágenes psicodélicas, diseño gráfico japonés y portadas de publicaciones de ciencia ficción o matemáticas. Lo que une estas imágenes es que todas comparten el contexto histórico de 1969. También comparten un lenguaje gráfico universal. La apropiación de estas imágenes preexistentes tiene como objetivo la investigación de su estatus social y simbólico y las referencias culturales que posiblemente comparten. Este cuerpo de trabajo independiente funciona como una contraparte histórica, contextual y formal de la obra espacial y geométrica, confrontando de alguna manera la vanguardia con neo-vanguardia.
También produzco esculturas, o mejor dicho, acciones escultóricas, ya que son construcciones temporales y frágiles que no perduran después de la exposición (o que son hechas sólo para ser fotografiadas). Este proyecto nació como homenaje y crítica a la historia del modernismo en Latinoamérica. Igualmente independiente del modernismo europeo y radical en su relación con movimientos sociales, el modernismo latinoamericano está lejos de consolidarse. Mis esculturas intentan reflejar los ideales modernistas y simultáneamente evidenciar la fragilidad de estos ideales. Este proyecto también es productivamente abierto puesto que las esculturas pueden ser realizadas por mí o comisionadas a curadores, personal del museo u otros artistas, lo que añade otra capa de participación y autoría compartida del proyecto. Cuando las esculturas son producidas por otra gente les pido que las registren. También he usado este proyecto en talleres para niños, abriendo posibilidades en el campo pedagógico. Un ejemplo temprano de esta práctica multifacética podría ser la creación del espacio Galería Chilena, que fue operado sin espacio físico en Santiago (1997-2000) como un esfuerzo nómada y comercial. La “galería” se puso a sí misma el reto de crear un mercado de arte crítico para la escena artística de la post-dictadura en Chile.
Al llamar “cortinas” a sus piezas de tela, Mujica llama la atención sobre la domesticidad de su producción; cortadas, dobladas, cosidas y a veces bordadas a mano, el artista se basa en técnicas que están más cerca del hogar que la academia de arte. Sin ser abiertamente políticas, Mujica describe las obras como «humildes actos de resistencia», relacionados con su interés por la abstracción geométrica y por sus enunciados tanto formales como socio-políticos.
Exposición. 17 nov de 2024 - 18 ene de 2025 / The Ryder - Madrid / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
