Descripción de la Exposición
CaixaForum Barcelona cuestiona la posición del espectador ante la obra de arte en la muestra Dónde estamos. Dónde podríamos estar.
La muestra Dónde estamos. Dónde podríamos estar, comisariada por Diana Guijarro, es la segunda propuesta de la actual Convocatoria de Comisariado del Programa de Apoyo a la Creación Artística de ”la Caixa”.
Incluye 14 obras de 10 artistas: Cindy Sherman, Joan Brossa, Mike Kelley, Pedro G. Romero, Andrea Fraser, Alex Reynolds, Txomin Badiola, Cildo Meireles, Mona Hatoum y Martin Kippenberger, en su mayor parte procedentes de las colecciones de ”la Caixa” y del MACBA.
Se trata de una reflexión sobre el propio hecho expositivo y sobre la forma en que se sitúa el público que invita a repensar la relación del espectador con el arte contemporáneo. Propone al espectador ser participante activo de la obra de arte a través de piezas de fotografía, vídeo, instalación, escultura y obra gráfica.
El programa ofrece a jóvenes profesionales la oportunidad de realizar un comisariado a partir de las colecciones de ”la Caixa” y del MACBA, con la ayuda de profesionales de la entidad y tutores externos, y pretende ser un impulso para comisarios emergentes.
CaixaForum Barcelona inaugura hoy la exposición Dónde estamos. Dónde podríamos estar, de Diana Guijarro, en el marco de la segunda de un ciclo de tres muestras surgidas del programa Convocatoria de Comisariado de la Colección ”la Caixa”.
Durante toda la temporada 2019-2020, la Sala 2 de CaixaForum Barcelona está consagrada a la exhibición de las tres propuestas seleccionadas en este programa a cargo de comisarios emergentes, que llega ahora a su cuarta edición. El programa ofrece a jóvenes profesionales la oportunidad de llevar a cabo un comisariado a partir de las colecciones de ”la Caixa” y del MACBA, con la ayuda de profesionales de la entidad y tutores externos. Es también una oportunidad para que distintos comisarios emergentes ofrezcan lecturas innovadoras sobre estos fondos de arte. La próxima exposición de este programa será la del equipo formado por Beatriz Escudero y Francesco Giaveri, So lazy. Elogio del derroche, que se exhibirá en julio de 2020.
Además, recientemente, la entidad ha reforzado esta iniciativa ampliando su apoyo a la creación contemporánea, y ha desdoblado la convocatoria con otra línea de apoyo a la producción de obras de arte. Esta nueva convocatoria, de carácter bienal, está dirigida a todos los artistas interesados en producir una obra de arte. La ayuda se centrará en facilitar los recursos necesarios para que la obra pueda hacerse realidad, con una atención especial por los artistas menores de 30 años.
Con esta doble convocatoria, ”la Caixa” da continuidad a su larga trayectoria de compromiso con nuevos talentos en el ámbito de la cultura en general, y de las artes visuales en particular.
Conectar historias, arte que interacciona
Dónde estamos. Dónde podríamos estar es un proyecto expositivo que plantea una revisión de la forma en que nos conectamos con nuestro entorno, con nuestro contexto y nuestro lugar, entendidos estos conceptos como espacios portadores de una larga cadena de recuerdos personales y culturales. Estos lugares necesitan un sujeto observador que les pueda dar sentido y conectar historias interrelacionadas, historias que hablan de cuestiones de género, de relaciones de poder, de una geografía y de una economía transfiguradas, o de una ecología entendida como un hogar anhelado. Las obras de la exposición hablan de estos conceptos y pretenden que el espectador se plantee la posibilidad de un arte que interactúa y en proceso.
La muestra propone una reflexión sobre el propio hecho expositivo, sobre la forma en que nos acercamos y enfrentamos a él, y sobre las propias prácticas artísticas contemporáneas. También se analizan conceptos como el ritual, la participación o la construcción de la historia. El recorrido investiga las relaciones que se suelen mostrar tras los gestos, ocultas bajo una conciencia ritualizada y que, siguiendo una repetición sistemática, nos interpelan para «resignificar» la idea de ética colectiva. En definitiva, la exposición cuestiona la posición del espectador ante la obra de arte y le insta a participar de forma activa, ya sea con nuevas interpretaciones o, incluso, con su actitud corporal.
Para ilustrar esta reflexión, Diana Guijarro ha seleccionado 14 obras, entre instalación, fotografía, escultura, vídeo y obra gráfica, todas ellas procedentes de la Colección ”la Caixa” y del MACBA, a excepción del vídeo de Alex Reynolds, cedido por la propia artista. Los diez artistas participantes son Joan Brossa, Mike Kelley, Pedro G. Romero, Cindy Sherman, Andrea Fraser, Alex Reynolds, Txomin Badiola, Cildo Meireles, Mona Hatoum y Martin Kippenberger.
De forma muy intencionada, la obra que recibe a los espectadores en la exposición es una propuesta provocadora e irónica: la gran instalación La trayectoria de la luz en la caverna de Platón (desde la caverna de Platón, la capilla de Rothko, el perfil de Lincoln) (1985-1996), del artista norteamericano Mike Kelley, que invita al espectador a entrar físicamente en otro espacio y abandonar su comodidad como visitante. Y es que, para poder ver totalmente la obra de Kelley, que nunca deja indiferente, hay que arrastrarse y cambiar de postura corporal. En el título de la obra, Kelley cita a un filósofo, un artista y un político, referentes de los ideales occidentales, y los utiliza para desmontar y desmitificar un sistema que aún recibe el apoyo de un pensamiento, de una cultura y de un orden social determinados que no aportan otras posibilidades de acción y perpetúan valores obsoletos.
El espacio expositivo intenta crear conexiones nuevas con los cuatro poemas visuales y un poema objeto de Joan Brossa, que constituyen una especie de cómic que narra historias diferenciadas en función de quien las explique y que nos empujan a encontrar nuevos significados. En palabras del propio poeta, la poesía visual es «la búsqueda de un nuevo terreno entre lo visual y lo semántico». La muestra también explora nuevas formas más transversales y horizontales para la construcción de la historia y la cultura popular. En la pieza audiovisual Los trabajadores, de Pedro G. Romero, los movimientos del bailarín de flamenco Israel Galván se extienden a cada una de las partes del cuerpo —codo, dedo, pie, brazo, palma de la mano, pierna, ojo, boca, etc.—, entendidas como espacio de trabajo y experimentación.
Mona Hatoum, en la instalación Hogar móvil, habla del exilio y el desplazamiento en una obra que coloca objetos de la vida cotidiana en otro orden y movimiento, en una metáfora sobre cómo el lugar que ocupamos ya no es un contenedor vacío, sino que se mueve constantemente. La reflexión que propone la exposición también trata de las narrativas espaciales y patriarcales que podemos encontrar en las instituciones culturales, especialmente en los museos.
La performance de la artista norteamericana Andrea Fraser, El pequeño Frank y su carpa, grabada sin permiso en el Museo Guggenheim de Bilbao, critica el lenguaje con el que las instituciones artísticas suelen dirigirse al público. La acción, grabada mediante cinco cámaras ocultas, resigue los movimientos de la artista desde distintos ángulos y muestra los cambios de actitud y las emociones que le genera la voz masculina de la audioguía.
La escultura de madera Inmensa, del brasileño Cildo Meireles, en cambio, habla de lugares y obras que se extienden más allá de los edificios museísticos. La pieza, que representa una mesa y unas sillas con las proporciones distorsionadas, tiene una versión gemela en otro espacio a miles de kilómetros de aquí: un parque público de Brumadinho, en la región brasileña de Belo Horizonte. La relación entre ambas piezas y los cambios de proporción de la obra, en la que los elementos más pequeños soportan los más grandes, aluden a la idea de que las nociones de jerarquía y equilibrio en el orden político, económico y social pueden cambiar.
Ante la obra Quiéreme y abandóname y déjame estar solo, el alemán Martin Kippenberger invita al espectador a esforzarse para deshacerse de sus códigos de interpretación artística, heredados de una larga tradición histórica y social, y dar con claves nuevas. Se trata de una pieza híbrida entre pintura y escultura, con muchos elementos diversos, algunos apropiados de otros artistas, como el papel pintado de Robert Gober, que traslada al espectador toda la responsabilidad de la lectura de la obra.
La fotógrafa Cindy Sherman tampoco da claves claras sobre la interpretación de muchos de sus autorretratos, que se han convertido en una marca de fábrica propia. Aunque el significado de lo que narra es siempre incierto y misterioso, Sherman actúa siempre como una mujer disfrazada de mujer, y no esconde la escenificación ni la construcción de la identidad. Descubre de este modo los patrones no neutrales de nuestra sociedad, como en el autorretrato de 1981 que se presenta en esta exposición.
La instalación Quién, cuándo o cómo (desconocidos), del vasco Txomin Badiola, genera también relatos confusos en la forma en que se relacionan los distintos elementos que la componen a modo de escenografía. De nuevo, el espectador debe dar sentido a la obra.
Por otra parte, el cortometraje Spinario, de la artista bilbaína Alex Reynolds, hace partícipe involuntario al espectador en una parábola sobre la condición del actor, en este caso de la actriz protagonista, que no tenía toda la información sobre lo que debía hacer en el rodaje, y el papel del azar y la improvisación en la obra artística.
DIANA GUIJARRO
Alicante, 1980
Diana Guijarro es comisaria independiente y crítica de arte. Su actividad investigadora se ha centrado en el estudio de los espacios expositivos, en los que ha analizado la conceptualización de los discursos y de los distintos elementos museográficos, entendidos como un campo lleno de recursos. Durante la temporada 2018-2019 realizó el comisariado del ciclo Totalidad e infinito. Economías de la transferencia en otro(s) tiempo(s) para el arte, y coordinó el programa de actividades Ritmos, cuerpos, ciclos y gestos en el Centro del Carme Cultura Contemporánea (Valencia), dentro de la convocatoria 365 días VLC del Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana (CMCV). En 2017-2018 desarrolló el programa de mediación cultural Here Together Now, perteneciente a la convocatoria Tangent del CMCV, que planteaba distintas actividades educativas para generar conocimiento divergente en torno a la colección del Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA). Entre sus últimos proyectos, se encuentran las exposiciones Whatever o lo que sea, en el Almudín de Valencia; Un sujeto construido en el punto de intersección de la multiplicidad de posiciones de sujeto, en el Casal Solleric de Palma; Narrativas de andar por casa, en el C Arte C de la Universidad Complutense de Madrid; y Display-me, en Las Cigarreras Centro Cultural de Alicante. También ha realizado varios workshops relacionados con la narrativa transmedia y la museografía experimental en el ámbito universitario. En la actualidad, prepara el proyecto expositivo La inconsistencia de lo visible, para Las Cigarreras Centro Cultural de Alicante.
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