Descripción de la Exposición
Las ventajas, pero al mismo tiempo la esclavitud de la conectividad ha llevado a que el hombre se relacione con el tiempo y el espacio de una forma impensable hace unos pocos años atrás. El proyecto curatorial DESTIEMPO nos trae a un grupo de artistas visuales proveniente de España, Brasil, EE.UU, Suiza, Austria y Chile que nos entregarán -por medio del video- una visión crítica de este fenómeno.
Santiago, Marzo, 2016: vivimos en la era de la conectividad, somos una sociedad hiperconectada las 24 horas del día y la imposición de este modo de vida online se ha instalado como norma querámoslo o no. Lo anterior, ha generado -en los últimos años- grandes cambios respecto a cómo los individuos se relacionan con el tiempo y el espacio. Tomando esa reflexión fue que los curadores Yael Rosenblut y Cristián Silva-Avária llegan a Sala Gasco con el proyecto DESTIEMPO. Una muestra compuesta por ocho artistas visuales y colectivos de diferentes latitudes del mundo que estará abierta desde el 17 de marzo al 6 de mayo en Santo Domingo 1061.
El progreso que ha habido en los canales de comunicación tales como internet a toda hora, redes sociales y multiplicación de los terminales digitales, ha originado una serie de efectos colaterales en la experiencia del tiempo con el otro, sometiendo a los individuos que se integran a la sociedad online a estar permanentemente disponibles a las demandas del mercado.
Dionis Escorsa, Reynold Reynolds, You Never Know (Max Moswitzer, Peter Muhr y Martin Ebner), Leon& Cociña, Cristoph Draeger, Gianfranco Foschino, OPAVIVARÁ! y Grupo EmpreZa son los artistas y colectivos que, bajo su propia perspectiva, reflexionan y proponen modos de resistencia a la imposición de este modelo de sociedad híperconectada en donde las nociones de inmediatez, trabajo y productividad se han vuelto absolutos.
La muestra se basa en la articulación de diversas propuestas de estos creadores visuales que han desarrollado posiciones críticas a estas transformaciones de la dimensión temporal y han optado por el uso del video -un medio que incorpora necesariamente la dimensión temporal- como estrategia de trabajo de resistencia a esta radical mutación de las sociedades contemporáneas.
"El eje curatorial está centrado en la trasformación de la experiencia del tiempo en la contemporaneidad por la hiperconectividad que producen los dispositivos digitales móviles provistos de cámaras de alta resolución y acceso a internet. Se trata de trabajos extremadamente heterogéneos, pero cada uno -desde la ficción, la recreación, la animación, las intervenciones urbanas, la performance, etc.- investiga y ofrece una visión crítica a la imposición de un tiempo extremadamente centrado en la productividad", señala Rosenblut.
"Queremos hacer visibles formas de resistencia a la imposición de este modo de vida online, on demand y non stop que se ha instalado como norma. No debemos olvidar que se trata de un modelo de vida bastante reciente y no precisamente liberador. La esclavitud de la conectividad, las políticas de la imagen y la imposición de modelos de vida acelerados es algo sobre lo que debemos reflexionar ya que este fenómeno nos está llevando a niveles insospechados en desordenes de la atención, depresión, insomnio, agotamiento extremo e individualismo. En ese sentido nos interesa mostrar practicas visuales que trabajan a partir de la noción de desaceleración temporal recuperando la experiencia del cuerpo en la ciudad, la contemplación, la recreación, la irrepresentabilidad y la simultaneidad", explica Silva-Avária.
Hay trabajos que se refieren a estos asuntos desde el humor, la ironía o el drama. Son propuestas que invitan a los espectadores a darse el tiempo para entrar en temporalidades paralelas, haciendo visible modos de percepción que escapan a la norma temporal y visual dominante.
"Podemos afirmar que en esta sociedad hiperconectada se ha generado, al mismo tiempo, un deseo y un desprecio por actividades que se podrían catalogar como una "perdida de tiempo". Se habla permanentemente de productivizar los tiempos muertos, imponiéndose un modelo que incita a los sujetos que componen la fuerza de trabajo a rendir sin pausa. El tiempo actual no es el mismo tiempo que hace 20, 30 ó 50 años", reflexionan los curadores.
Tomando lo anterior en cuenta, los curadores decidieron trabajar con expositores de diferentes lugares del mundo enfatizando la actual transformación de la experiencia temporal que experimentamos en las últimas décadas a partir de la misma irrupción de los medios digitales y las demandas cada vez mayores de una sociedad que se enorgullece irracionalmente por mantener un ritmo de trabajo las 24 horas de los 7 días de la semana.
El material elegido fueron piezas de video en diversos códigos y lenguajes, ya que "el video arte, la video instalación y la video performance, más allá de lo llamado simplemente ´audiovisual´, tienen la particularidad de ser un medio extremadamente versátil y crítico que prescinde de grandes presupuestos o grandes talleres para su realización. Estas prácticas se desligan del objeto artístico que generalmente termina convertido en fetiche, pero también de las superproducciones de Hollywood, la publicidad y la industria visual imperante. En este sentido, el video puede ser un espacio de libertad y resistencia", explican Rosenblut y Silva-Avária.
Beneficiados o afectados por la conectividad seremos parte de una exposición visual colectiva que, seguro, no dejará indiferente al visitante o transeúnte de calle Santo Domingo.
ARTISTAS Y COLECTIVOS PARTICIPANTES:
Dionis Escorsa (Barcelona, España, 1970): Comenzó como pintor en los tempranos noventa y gradualmente extendió su campo de trabajo a la fotografía, la instalación y especialmente el video, exponiendo en numerosos centros de arte internacionales. En 1998 empieza a crear videoescenografías para compañías de teatro. Ha colaborado también con el colectivo social-artístico-territorial Rotor. La fundación Caixafòrum-Macba de Barcelona, la Sammlung Würth de Alemania o la Fundación Sunyol de Barcelona poseen piezas suyas. Como cineasta ha dirigido recientemente el largometraje "Y", estrenado en el festival Kino der Kunst de Munich.
Grupo EmpreZa (Goiás, Brasil, 2001) Fundado inicialmente como grupo de estudio e investigación de performance, hoy posee un vasto repertorio de acciones performáticas, happenings, producciones audiovisuales y fotográficas. Varios artistas han sido parte del GE, el que hoy está conformado por Aishá Kanda, Babidu, Helô Sanvoy, João Angelini, Marcela Campos, Paul Setubal, Paulo Veiga Jordão, Rafael Abdala, Rava e Thiago Lemos.
En la constitución de ese cuerpo-colectivo, el Grupo EmpreZa reúne un repertorio absolutamente fuera de lo común de cuerpos que se desmarcan del mundo de las "artes del cuerpo" o de las "artes del movimiento". Los "emprezários" y "emprezárias" enfatizan la diversidad de los cuerpos en cada gesto, cada sonido y cada movimiento y activando así concepciones plurales de la subjetividad y del mundo y revelando un aspecto crucial acerca de la convivencia y las relaciones de codependencia. Conscientes de la imposibilidad de la soledad de los cuerpos, el GE instituye situaciones de "antropofagia" como en la ambigua frase que titula uno de sus manifiestos. "Eu como Você", (yo como tú, yo te como).
OPAVIVARÁ! (Rio de Janeiro, Brasil, 2005) Es un colectivo de arte que desarrolla acciones en locales públicos de la ciudad, galerías e instituciones culturales, proponiendo inversiones en los modos de ocupación del espacio urbano a través de la creación de dispositivos relacionales que proporcionan experiencias colectivas. Desde su creación, el grupo viene participando activamente en el panorama de las artes contemporáneas, destacándose su participación en la Bienal de Taipei de 2014, la doceava Bienal de la Habana de 2015, Art Basel 2015 y en la próxima Bienal de São Paulo del presente año.
Gianfranco Foschino (Santiago, 1983) Estudió Cine en la UNIACC en Santiago y Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires. Completó su formación en una residencia artística con la filmmaker y artista visual Paula Gaitán. Foschino trabaja con una cámara fija capturando los sutiles movimientos que ocurren en frente del lente. Filmadas a la distancia, las escenas aumentan en intensidad cuando los minutos avanzan sin signos de alguna narrativa que surja del video. Muchos trabajos son enmarcados y colgados alineadamente en la pared borrando la línea de separación entre el cine y la fotografía. Ha expuesto en diferentes instituciones y galerías en Chile, Alemania, EE.UU, entre otros. Recientemente, se destacó su participación en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2014 y en la Bienal de Arte de Venecia de 2011.
León & Cociña, (Cristóbal León, Santiago, 1980, y Joaquín Cociña, Concepción 1980). Son artistas y cineastas. Trabajan juntos desde el año 2007 cuando realizaron junto a Niles Atallah el cortometraje animado "Lucía". Desde entonces, sus trabajos han sido mostrados internacionalmente en diversos espacios, tales como el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Whitechapel Gallery y la 55ª Bienal de Venecia. Actualmente están produciendo su primer largometraje animado llamado LA CASA LOBO. Viven en Santiago de Chile y son representados por Upstream Gallery en Amsterdam.
Reynold Reynolds (Alaska, EE.UU, 1966) Fue ganador de la beca John Simon Guggenheim Memorial Foundation. Su trabajo ha sido mostrado en numerosas bienales incluyendo la 4ta Bienal de Berlín y la 3ra Bienal de Moscú. Es parte de las colecciones de MoMA, New York y N.B.K. Berlín. Ha mostrado y recibido reconocimiento en numerosos festivales incluyendo una mención honrosa en Drowning Room en The Sundance Film Festival. Dentro de sus exhibiciones se destacan, Inside, Palais de Tokyo, Paris (2014), Reynold Reynolds: The Lost, MUAC Mexico City (2014); EXPO 1: NEW YORK, MoMA PS1, New York (2013); 9 + 1 Ways of Being Political, MoMA New York, NY (2012). Vive y trabaja en Amsterdam, The Netherlands.
Christoph Draeger (Zurich, Suiza, 1965) Vive y trabaja en Viena y New York. Desde 1986 hasta 1990 estudio en el School of Visual Arts en Luzerne, Suiza, y de 1990 a 1991 en la École Nationale Supérieure des Arts Visuels de la Cambre en Bruselas, Bélgica. En 1996, viajó a New York por una beca en P.S.1′s International Studio Program y vivió ahí hasta 2011. Su trabajo ha sido exhibido en el Centre Georges Pompidou en Paris, Kunst-Werke Institute for Contemporary Art en Berlin, Whitney Museum of American Art en New York y en el Massachusetts Museum of Contemporary Art. Ha participado en importantes eventos como la Bienal de Venecia y Art Cologne. Su trabajo es parte de numerosas colecciones publicas y privadas tales como: Centre Georges Pompidou en Paris, Kunsthaus Zürich, Whitney Museum of American Art y el Brooklyn Museum en New York.
Draeger trabaja principalmente con instalaciones, fotografía y video en el que usa tanto material propio como de archivo. La mayoría de sus trabajos se enfocan en catástrofes y la representación mediática de eventos trágicos alrededor de una cultura de saturación de los medios.
You Never Know (Max Moswitzer, Peter Muhr y Martin Ebner). Fundado en 1990 por Martin Ebner, Max Moswitzer y Peter Muhr, comenzaron a colaborar en conjunto en la Faculty of Communications Theory en the University of Applied Arts de Viena a la cabeza del teórico de medios Roy Ascott.
Desarrollada al inicio de la digitalización de los medios de comunicación, la práctica artística de You Never Know, mezcla con humor aspectos de los medios digitales con escultura, instalación, happening, lenguaje e incluso pintura, caracterizándose por su fluidez, luminosidad, inestabilidad y temporalidad. Operando en base a un constante cambio de archivo de imágenes, lenguaje y sonido, You Never Know creó una serie de pequeños y grandes objetos escultóricos, varios films, videos y piezas de audio, publicó un periódico y exhibió regularmente en Austria, Alemania, España y Hungría hasta 1998.
CURADORES:
Cristián Silva-Avária (Santiago, 1975): Artista visual, fotógrafo y videomaker. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Brasil, España, Alemania, China, Malasia, Perú, Ecuador, Argentina, Italia y EE.UU. Ha participado en diversas residencias y bienales como la 3ª Bienal del Mecosul de 2001 y la 55ª Bienal de Venecia de 2013. Durante 4 años vivió en Río de Janeiro donde realizó una tesis sobre imagen y experiencia urbana. En esos años, también colaboró con el cineasta alemán Harun Farocki y la curadora Antje Ehman en el proyecto Labour in a Single Shot investigando relaciones entre imagen, trabajo y ambiente. Silva-Avária es también académico de la Universidad Diego Portales donde realiza cursos, talleres y seminarios sobre medios visuales, políticas de la imagen y dimensión pública.
Yael Rosenblut (Santiago, 1978): Curadora y art dealer. Realiza proyectos contemporáneos de artistas, tanto emergentes como consagrados, produciendo exposiciones principalmente en Santiago de Chile y Nueva York. Rosenblut se especializa además en la gestión de exposiciones de los artistas que representa en importantes museos, ferias e instituciones a lo largo del mundo. Como el Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Artes Visuales, Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Sala Gasco en Santiago de Chile y Artisanal House y Whitebox en Nueva York. Entre las ferias de arte contemporáeo, destaca su participación en Arco Madrid, Zona SanMaco México, Art Southampton y Pinta Nueva York, Art Toronto, Chaco Santiago, Cutlog Paris y Nueva York, entre muchas otras.
Exposición. 19 nov de 2024 - 02 mar de 2025 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
