Descripción de la Exposición
Pradiauto presenta la exposición colectiva De Oro en su Núcleo. El proyecto parte de la ciudad de Londres y el Royal College of Art como inicio de diversos lazos entre Esther Merinero, Lina Lapelytė, Alejandro Villa Durán y Frederik Nystrup-Larsen. La muestra se activa como una zona de convergencia de ideas e intuiciones artísticas. Un encuentro que ya se había iniciado en el tiempo y que ahora se materializa en el espacio.
Desde el siglo XVI hasta mediados del siglo XX, en algunos países productores de madera, la maderada fue una técnica de transporte fluvial usada para conducir los troncos. Procedentes de las talas de bosques y pinares, estos troncos viajaban por el río hasta lugares como fábricas o zonas industriales donde se utilizarían más tarde. En España, las personas que transportaban estos troncos se denominaban Gancheros. Su labor consistía en ayudar a los troncos a que siguieran el cauce del río y no se pararan. Para ello, se subían sobre ellos y se dejaban llevar por la corriente. Este trabajo era arriesgado; la fuerza de las corrientes a veces ponía en peligro sus vidas. Los Gancheros tenían que comprender al río, ceder el control para entregárselo a la fuerza de la corriente. Su labor era acompañar el fluir de los troncos, atrapados en la fuerza del agua, hasta llegar a su destino final.
Como encargo para la 2ª Bienal Internacional de Riga la artista lituana Lina Lapelytė (Kaunas, Lituania, 1984) recreó, junto al arquitecto Mantas Petraitis, una isla flotante compuesta por 2.000 troncos de pinos —aquellos árboles que habían quedado a la deriva por estar demasiado torcidos o ser muy gruesos para ser usados—. Esta instalación, llamada Instructions for the Woodcutters, 2021 (Instrucciones para los leñadores), sirvió de base para la producción de una obra performativa y otra sonora, que ahora se exponen en Pradiauto. Instructions for The Woodcutters remite a los cánticos de los Gancheros, que se basaban en el ritmo que producía el hacha al golpear el árbol. Esta herramienta les permitía vincularse con esta acción y cantar sobre ella. A través de esta instalación y este canto que le acompaña, el conjunto de obras propone nuevas lecturas sobre estos restos flotantes, pensando en las relaciones pasadas del ser humano con la naturaleza.
La inspiración directa de las pinturas no es la observación de una imagen sino que toman la memoria como fuente de conocimiento— explica Alejandro Villa Durán (Jalisco, México, 1993). Las pinturas del artista mexicano pertenecen a un nuevo grupo de obras desarrolladas en los últimos meses en su estudio de Ciudad de México. La especial atención que el artista presta a su cuerpo —manifestada en acciones como ritos de ayuno, períodos de abstinencia o rituales extremos de cultivación espiritual— es uno de los detonadores de su trabajo. A partir de una entrenada escucha activa a sus órganos y a su cuerpo, Alejandro propone pensar este como un vacío, un organismo lleno de potencia que se va llenando, impregnando de vivencias y adquiriendo memoria. Así, la naturaleza tiene un gran peso en sus procesos. Alejandro ha cultivado un gran interés y preocupación por las culturas del sur antes de la colonización en América. El artista rescata estas culturas, las estudia y acude a ritos que se celebran actualmente en la selva, llegando a vivir en estos contextos estados de experimentación física y mentales muy intensos. Los lienzos presentados en esta exposición recogen, mediante una insistente superposición de capas, recuerdos de estas experiencias casi sobrenaturales e intransferibles con el lenguaje.
Esther Merinero (Madrid, España, 1994) presenta en la exposición una nueva serie de piezas producidas durante el 2021. Su trabajo explora ciertas condiciones propias de la existencia cotidiana actual, un mundo mediado por la tecnología que genera sujetos híper conectados y a la vez solitarios. En su trabajo existe un intento constante por comprender qué significa comunicarse y conectarse a día de hoy. ¿Cómo se hace? ¿cómo se limpian las capas para que podamos tocar(nos) el fondo? ¿qué hay detrás de la pantalla y de la piel?
A través de un ejercicio de ficción y ensoñamiento, Merinero produce piezas que encapsulan exactamente esta opacidad, esta dificultad por conocer lo que posiblemente haya detrás del umbral. Las obras La Palma de mi Mano I y La Palma de mi Mano II son dos esculturas en resina pigmentada que derivan de una serie anterior, Gateways (Portales). Portales hacia algo más profundo, más lejano, que podemos ir descifrando como se adivina el futuro con las líneas de la mano. Las fotografías nos muestran, también, los dos lados de su mano, una herida, otra conteniendo un tesoro incierto.
Frederik Nystrup-Larsen (Copenhague, Dinamarca, 1992) presenta las obras Ambassador Bones y Call me Leopold, de la serie The Private Collection. En palabras del artista “se trata de una instalación de esculturas que se presentan como capítulos de mi propia autobiografía”. Nystrup-Larsen sitúa su trabajo en un debate sobre los objetos, su función y la estética. Su obra parte de una base conceptual, y se presenta siempre “con un amor subyacente por las reglas universales de la belleza, que trasciende toda forma y composición”. Marcada por un enfoque estético ecléctico y transversal, su obra incluye diversos procesos y lenguajes visuales. Esto es evidente tanto en sus esculturas como en sus piezas-texto, que exploran las posibilidades de la traducción en la poesía.
La serie The Private Collection fue mostrada por primera vez en la exposición de final de Máster en el Royal College of Art, Londres, en 2020. Esta serie ha viajado por diferentes espacios y galerías tras su primera exposición. Cada pieza se presenta, visual y verbalmente, con una retórica exagerada que busca una reflexión crítica sobre su propia autenticidad. La exageración y la ironía sirven para proponer la propia práctica artística como un ejercicio de autopromoción. Así, cada escultura tiene entre sus materiales una pieza de texto, que no la narra sino que la compone, enfatizando el carácter puramente narrativo del arte y la agencia de las palabras sobre el material. “Todo es verdad. Todo es mentira".
De Oro en su Núcleo recoge, a través del fluir, lo fluido y la narrativa, una serie de gestos e interacciones con la historia, la naturaleza, lo mágico y el sujeto contemporáneo que se materializan de formas muy diferentes, pero que comparten y se encuentran en una percepción frágil de los ritmos de la sociedad actual. Las obras de la exposición nos sitúan en lugares inciertos e inquietantes —en medio de un torrente, de un portal, de una selva o de un sueño— : lugares donde solo la ficción, la fábula y la magia pueden guiarnos.
Exposición. 13 dic de 2024 - 04 may de 2025 / CAAC - Centro Andaluz de Arte Contemporáneo / Sevilla, España
Formación. 01 oct de 2024 - 04 abr de 2025 / PHotoEspaña / Madrid, España
