Descripción de la Exposición ------------------------------------------------------- ------------------------------------------------------- La Galería Marlborough presenta a partir del jueves 19 de septiembre, una Colectiva de escultura, con obra de los artistas de la Galería. Roberto Barni (Pistoia, Italia, 1939) trabaja sobre la idea de la condición humana y presenta al hombre de manera anónima y en inquietantes y enigmáticas situaciones. De este modo, en su universo artístico se despliega un ejército de seres realizando difíciles juegos de equilibrio, formando columnas humanas (Impresa, 2012). Generalmente algún objeto acompaña a estos hombres, estableciéndose una relación vital entre ambos que trasciende el tiempo (Vasomuto, 2007). Comienza a exponer sus obras desde los comienzos de los años 70 y desde entonces se han celebrado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Italia y el resto del mundo, destacando su exposición en 2007 en los Jardines de Boboli y en el Museo Arqueológico de Florencia; en el Centre d'Art Ville de Cannes (2010) y en el Museo Cobra de Ámsterdam (2011). Su obra forma parte de importantes colecciones públicas internacionales, entre las que cabe citar: Galleria d'Arte Moderna (Bolonia), Galleria d'Arte Moderna (Roma), Galleria degli Uffizi - Gabinetto dei Disegni (Florencia), Musée des Beaux-Arts (Budapest), Queens Museum (Nueva York), Tate Gallery - Print Collection (Londres). La primera retrospectiva de Fernando Botero (Medellín, Colombia, 1932) tuvo lugar entre 1962 y 1970 con 80 pinturas que fueron expuestas en diversos museos alemanes. A partir de entonces, Botero ha seguido exponiendo continuamente en museos de todo el mundo. Hacia 1964, hace sus primeras incursiones en el campo escultórico con obras como Cabeza de obispo, figura que, hecha en pasta de aserrín y con ojos de vidrio, tenía claras reminiscencias de la imaginería colonial barroca. A partir de 1975, en Pietrasanta (Italia), se dedicó a la escultura con entusiasmo, su universo de contundentes y vigorosas figuras encontraron eco en la tridimensionalidad (Woman on a Horse, 2010), hoy en día ambas disciplinas se alimentan y enriquecen mutuamente. La obra de Botero puede encontrarse en numerosos museos y colecciones internacionales, entre los que cabría mencionar: The Baltimore Museum of Art, Maryland; Israel Museum, Jerusalem; The Metropolitan Museum of Art, Nueva York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Venezuela; Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia; Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile; The Museum of Modern Art, Nueva York; Neue Pinakothek, Múnich, Alemania; Pushkin Museum, Moscú, Rusia; The Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; Wallraf-Richartz Museum, Colonia, Alemania; y el The State Hermitage Museum, San Petersburgo, Rusia. Martín Chirino nació en Las Palmas de Gran Canaria en 1925. En 1948 se traslada a Madrid e ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, al tiempo que sigue sus investigaciones escultóricas en talleres de forja del hierro. En 1958 se incorpora al grupo 'El Paso'. Desde 1959 la espiral (El viento. El alisio VII, 2005) se convierte en el leit motiv de su obra. Desde 1960 viajará constantemente a Estados Unidos e instalará allí un taller, alternando su residencia entre este país y España. Entre 1983 a 1990 desempeña la presidencia y gestión del Círculo de Bellas Artes de Madrid, y a partir 1989 hasta 2002 funda y dirige el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria. Ha sido galardonado, entre otros, con el Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Budapest (1978), el Precio Nacional de Artes Plásticas (1980), el Premio Canarias de Artes Plásticas, la Medalla de Oro a las Bellas Artes (1985), el Premio Nacional de Escultura de la CEOE, la Medalla de Honor del Círculo de Bellas Artes de Madrid (1991) y el Premio Artes Plásticas 2003 de la Comunidad de Madrid. Su obra está presente en muchos de los museos y colecciones más importantes del mundo. Juan Genovés (Valencia, 1930). Formado en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, desde el inicio de su trayectoria profesional fue un pintor inquieto y preocupado tanto por la necesidad de renovar el arte español como por la función del arte y el artista en la sociedad. Ha formado parte colectivos muy significativos en el panorama español de posguerra: Los Siete (1949), Parpallós (1956) y Hondo (1960). En la década de los sesenta comenzó a plantear dos temas: el 'individuo solo', resuelto inicialmente como un 'collage' en relieve, y la 'multitud', tratado con tintas planas y estructuras plásticas de aspecto cinematográfico. Esta última propuesta se concretará con el tiempo en un singular realismo político de fuerte denuncia social, confeccionado a partir de la manipulación de imágenes proporcionadas por los medios de comunicación de masas. En los últimos años su obra ha dado un giro hacia la investigación del movimiento estático en la pintura convirtiendo la multitud en la referencia para hablar del problema de la pintura y el ritmo visual. Su pintura es abordada tridimensionalmente en sus más recientes trabajos escultóricos (Espéculo, 2013 y Triángulo abierto, 2008), en los que dinámicas existencias anónimas, dominadas por indomables fuerzas opresivas son empujadas a imprevistos desplazamientos de alienación, en estas esculturas la luz adquiere un protagonismo especial. Ha sido galardonado con la Mención de Honor en la XXXIII Biennale de Venecia (1966), la Medalla de Oro en la VI Biennale Internazionale de San Marino (1967), el Premio Marzotto Internazionale (1968), el Premio Nacional de Artes Plásticas (1984), el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana (2002) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura (2005). En 1985, Francisco Leiro (Cambados, Pontevedra, 1957) representa a España en la Bienal de Sao Paulo, Brasil. El artista se instala en Nueva York en 1988 y al año siguiente empieza a trabajar con Marlborough. Desde entonces su trabajo se exhibe regularmente en las diversas sedes de esta galería, especialmente en Madrid y Nueva York. En las esculturas expuestas, Amarelo (2013) y Mensajero (2013), se despliega el particular universo habitado del artista en el que se enmascara el sentimiento trágico con el ingenio cómico, mezcla lo dramático con su peculiar pulsión vitalista, de la misma manera que logra hacer convivir la gravedad con la ligereza. Así mismo su obra está presente en numerosas colecciones públicas de todo el mundo, entre las que se pueden citar: Akron Art Museum (Ohio), Asociación de Amigos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Centro Gallego de Arte Contemporáneo (Santiago de Compostela), Colección-Fundación Caja de Madrid, Colección Fundación Coca-Cola (Madrid), Colección Fundación La Caixa (Barcelona), Grounds for Sculpture (New Yersey), Instituto del Crédito Oficial (ICO, Madrid), Museo de Arte Contemporáneo (Barcelona), Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano (Valladolid), Museo Marugame Hirai (Kagawe, Japón), Stedelijk Museum (Amsterdam), Fundación Caixanova (Vigo), etc. Entre sus numerosas obras públicas cabe destacar: Mis Sofás (Pontevedra, 1988), Sireno (Vigo, 1991), Homenaje a Castelao (Alameda, Santiago de Compostela, 1995), Miarritz (Biarritz, 1997), Astronauta (Valdemoro, 2001), Vértigo (Autovía M50, Madrid, 2004) y Simeón sentado (Torre Espacio, Cuatro Torres, Madrid). Jacques Lipchitz (Druskieniki, Lituania, 1891 - Capri, Italia, 1973) llegó a París en 1909 donde asistió a clases de escultura en piedra y anatomía en la École de Beaux-Arts. Estudió también en la Académie Julian y en la Académie Colarossi. Pero es probable que su interés por la historia del arte, fundamentalmente por el arte del antiguo Egipto, el arte griego arcaico y el gótico, tuviera más peso en su futura evolución que sus estudios académicos. En 1913 conoció a Max Jacob y a Modigliani y un año más tarde viajó con Diego Rivera a Mallorca y Madrid, donde las obras que vio en el Museo del Prado de Tintoretto, Goya, El Bosco y, sobre todo, El Greco tuvieron para él el impacto de una revelación. A través de Diego Rivera conoció a Picasso y a otros artistas del círculo cubista. Su adscripción a los principios de la escultura tradicional fue contrastada con las creaciones que vio en los estudios de las vanguardistas parisinos, especialmente de los cubistas. Lipchitz, uno de los grandes renovadores de la escultura moderna, encontró en el cubismo una vía de transformación de su obra anterior, rompiendo con los convencionalismos de volumen, naturalismo y tema, y convirtiéndola en objeto de arte que experimenta con nuevos motivos y formas. La colaboración con Juan Gris le dio a Lipchitz la pauta para la reducción de sus formas a planos elementales y discontinuos. Entre 1915 y 1925 desarrolla su etapa cubista y más tarde trabaja en lo que denomina 'transparentes', una de sus aportaciones más influyentes en la escultura posterior, en las que juega con los contrastes entre sólido y hueco, luz y sombra, lleno y vacío. Durante los años siguientes reacciona ante los trágicos acontecimientos políticos europeos y comienza a explorar temas mitológicos y bíblicos, sus esculturas se redondean y cobran un mayor dinamismo y expresividad (David and Goliath, 1933 y Rape of Europe I, 1938). En 1941 se exilió a Estados Unidos, huyendo de la II Guerra Mundial, y su producción se decanta hacia el monumento público. El mundo de Antonio López García (Tomelloso, 1936), familiar y cotidiano, es el leitmotiv de sus obras. A través de un minucioso detalle y una profunda adhesión a la observación, el artista crea representaciones fieles de sus motivos humildes. Su estricta dependencia en la veracidad de sus temas se ha convertido en legendaria. Sus esculturas ahora expuestas, Hombre tumbado (2011) y Figura de mujer. Eva (2010), han sido trabajadas a partir del minucioso detalle y una meditada observación. En 1983 se le concede la Medalla de Oro de Bellas Artes, el premio Pablo Iglesias y la Medalla de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Santander. En 1985 es galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 1993 es nombrado miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, ese mismo año es nombrado miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Desde 1998 es Patrono del Museo del Prado. En el año 2004 es nombrado Miembro Honorario del American Academy of Arts and Letters de Nueva York. En 2006 recibe el Premio Velázquez de Artes Plásticas. En 2009 recibe el Premio Penagos de Dibujo (Fundación Mapfre, Madrid), un año después la Medalla de Oro de la Ciudad (Madrid). Ya en 2012 es galardonado con el Premio Príncipe de Viana de la Cultura y la Medalla Internacional de las Artes de la Comunidad de Madrid. Entre su escultura pública destaca El Día y la Noche, Estación de Atocha (Madrid); La Mujer de Coslada, Madrid y Carmen Dormida y Carmen despierta, Museum of Fine Arts Boston, Estados Unidos. Blanca Muñoz (Madrid, 1963) estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y ha sido galardonada con numerosos premios de grabado y de escultura, obteniendo en 1999 el Premio Nacional de Grabado. De sus trabajos monumentales destacamos sus obras públicas: Géminis, Torre de Norman Foster, Madrid (2009); Panta rei, Málaga (2008); Eclíptica, Palacio de Congresos de Badajoz (2006); Perseidas II, Parque de la curva de Elorrieta, Bilbao (2004); Leónidas, Estación de Príncipe Pío, Madrid (2004). Entre sus últimas exposiciones individuales podemos destacar Circunnavegación 1990-2012, Sala Alcalá 31, Madrid (2013); Superficial, Galería Marlborough, Madrid (2012); Cueva de estrellas, Sala La Gallera, Valencia (2010); Joyas de Blanca Muñoz, Joyería Grassy, Madrid (2010) y Blue Dance, Galería Marlborough, Chelsea, Nueva York (2009). Su obra se ha expuesto también en la Biblioteca Nacional de España, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo Nacional del Prado. Para Muñoz su escultura 'está basada en formas etéreas que apenas dan sensación de tener gravedad'. En los últimos años se aprecia un interés más centrado en las formas de la naturaleza y en unas formas más curvilíneas (Candombe, 2009 y Candombe II, 2009). Pelayo Ortega (Mieres, Asturias, 1956) que residió en Madrid entre 1975 y 1990, vive y trabaja en Gijón, que fue también la ciudad de su infancia y adolescencia, y la de su primera individual, celebrada en 1977. Su primera comparecencia madrileña en solitario, Crepuscular, celebrada en 1987 en una galería desaparecida, y en la que de lo que se trataba era de evocar una cierta memoria de Mieres y en términos más generales de Asturias, marca un importante cambio de rumbo en su trayectoria, que hasta aquel entonces había estado puesta bajo el signo del expresionismo, y que a partir de aquel momento se centra en el tema de la provincia, una provincia metafísica, recorrida por su característico paseante solitario con paraguas, y contemplada primero en clave sombría y melancólica, y luego en términos de mayor luminosidad. En sus esculturas Viador (2012) y Pequeña isla de los afortunados (2011), se aprecia un estilo más depurado, una simplificación de líneas que abordan los temas de forma más concreta, directa y concisa. Su obra está presente en numerosos museos e instituciones públicas nacionales e internaciones, entre los que podríamos señalar: AENA (Madrid), Colección BBVA, Colección Biblioteca Nacional (Madrid), Colección Caja de Ahorros de Asturias - CAJASTUR, Colección Caja de Ahorros de Burgos, Colección Calcografía Nacional (Madrid), Colección ENDESA (Madrid), Colección Masaveu (Oviedo), Colección Patrimonio Nacional del Estado Español (Palacio de la Zarzuela, Madrid), Colección Santander, Colección MAPFRE, Fundación Coca-Cola España (Madrid), Fundación Juan March (Madrid), Fundación Prince Pierre de Mónaco (Montecarlo), Fundación Príncipe de Asturias (Oviedo), Fundación Telefónica - FUNDESCO (Madrid), Museo de Arte Abstracto Español - Fundación Juan March, (Cuenca), MNCARS (Madrid), Museo de Navarra (Pamplona), Museo Unión Fenosa de Arte Contemporáneo (La Coruña), ARTIUM (Vitoria), Museo Vaticano (Roma), etc. Las obras de Tom Otterness (Kansas, EEUU, 1952) -artista seducido desde siempre por los dibujos animados-, mezclan la aparente sencillez formal con la crítica social y política (Watch Dog, 2011), conservando y disfrutando siempre de su peculiar mirada infantil (Mouse, 2007). Sus esculturas indagan en el discurso social sobre la discriminación racial y las diferencias económicas, con grandes dosis humor, además de mantener una mirada irónica al arte actual norteamericano y al binomio arte-dinero. Cabe destacar sus numerosos encargos de obra pública instalados en EEUU y Europa. Su obra está presente en colecciones de museos en todo el mundo: The Museum of Modern Art, Nueva York; The Whitney Museum of American Art, Nueva York; Israel Museim, Jerusalem; The Miyagi Museum of Art, Sendai; Beelden aan Zee Museum, La Haya; y en el IVAM de Valencia. David Rodríguez Caballero (1970) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (1995) y ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional, así como en ferias como Art Basel Miami, KIAF de Seúl, MACO de México, BALELATINA de Basilea, ARCO de Madrid y Armory Show de Nueva York, recibiendo numerosos premios en todo el mundo. Su obra más reciente muestra el desarrollo que ha experimentado su trabajo escultórico con los metales durante su estancia en Nueva York. Plegados, relieves de planteamiento pictórico, esculturas de pared que alternan plegados y el elemento orgánico de las curvas (06.abril.2011 políptico), esculturas exentas (01.julio.2013) y, dentro de las exentas, los tótems. Referentes figurativos, imaginería africana y los edificios de la ciudad que nunca duerme son sus referencias más destacadas. Su obra está presente en numerosas colecciones internacionales, como Fundación Coca-Cola, Museo Würth (La Rioja), Museo de la Cultura del Vino Dinastía Vivanco, Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa (MACUF), Museo Patio Herreriano, Ayuntamiento de Pamplona, Palacio de los Papas (Viterbo, Italia), Fundación Volksbang (Paderborn, Alemania), Instituto Nacional de Estadística, Repsol y la ISE Cultural Foundation (Nueva York / Tokio). Manolo Valdés (Valencia, 1942). Considerado uno de los más importantes artistas contemporáneos españoles en activo y con una gran reputación internacional. Comienza su formación en 1957 al ingresar en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos en su ciudad natal. Inició su carrera a principios de los años 60, fue miembro fundador de Estampa Popular Valenciana (1964-1967) y, más tarde, creó junto a Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo el Equipo Crónica hasta el fallecimiento de Rafael Solbes en 1981. Desde entonces, Manolo Valdés comenzó una nueva etapa profesional en solitario, como pintor, escultor, grabador y cartelista, participando en numerosas exposiciones individuales y colectivas. Las obras de los grandes creadores le sirven a Valdés de pretexto para sus planteamientos estéticos, en los que la textura, la materia, la representación del cuerpo humano y la expresividad son palpables en su pintura. En sus trabajos escultóricos refleja una profunda reflexión sobre la materia (Galatea, 2012) y el espacio, lo que le ha llevado a la creación de obras monumentales. Es un artista holístico que trabaja la pintura, la escultura y la obra gráfica, y ha obtenido las más altas distinciones. Representó a España en la Bienal de Venecia otorgándole el Ministerio de Cultura el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1983 y la Medalla de Oro al Mérito de Bellas Artes en 1998. Además y entre otros números premios, en 2007 fue condecorado como Officier de L'Ordre National du Mérit (Francia) y en el 2010 recibió la Medalla Internacional de las Artes de la Comunidad de Madrid. Su obra forma parte de las más prestigiosas colecciones públicas del mundo. Moisès Villèlia (Barcelona 1928-1994) ha sido uno de los artistas que ha conseguido crear un mundo propio con materiales que nunca habían sido considerados como merecedores de entrar en la categoría de 'escultóricos'. Empezó realizando tallas en madera y en 1954 rompió con la figuración y fundó el grupo Arte Actual. Posteriormente pasó a formar parte de la órbita del Club 49 de Barcelona y de los artistas apadrinados por Joan Prats y Vidal de Llobatera, y que estos consideraban como las nuevas generaciones después de Joan Miró. De entre todos los materiales con que experimentó, las estructuras de cañas de bambú (Móvil, 1986 y Estático, 1984), así como, las esculturas y los jardines con tubos de fibrocemento son sus mundos más personales. Su obra se encuentra en colecciones públicas como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), Museo Patio Herreriano o Artium, entre otros.
Artistas: Roberto Barni, Fernando Botero, Martín Chirino, Juan Genovés, Francisco Leiro, Jacques Lipchitz, Antonio López-García, Blanca Muñoz, Pelayo Ortega, Tom Otterness, David Rodríguez Caballero, Manolo Valdés y Moisès Villèlia.
Exposición. 14 nov de 2024 - 08 dic de 2024 / Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) / Córdoba, España
Formación. 07 nov de 2024 - 28 nov de 2024 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España
