Con origen en el campo de la teoría literaria, el término Cronotopos es el que articula esta exposición colectiva en Parra & Romero, centrada específicamente en obras en vídeo de varios artistas de la galería: Lara Almarcegui, Rosa Barba, Robert Barry, Alejandro Cesarco, David Lamelas, Oriol Vilanova e Ian Wallace.
La interrelación entre el tiempo y el espacio es el hilo conductor de todas las obras que componen la muestra: la temporalidad entendida no como una sucesión lineal de acontecimientos sino como una multiplicidad de puntos que se conectan entre sí en múltiples direcciones, dando lugar a una cartografía.
At Work, 1983 documenta una performance que Ian Wallace realizó en el espacio independiente Or Gallery, en Vancouver. Durante el día, las cortinas del escaparate que daba a la calle estaban cerradas y, a partir de medianoche, se abrían para que los espectadores pudieran ver al artista trabajando en el interior. Wallace, sin...embargo, no se presentaba trabajando como un artista visual común, sino conceptual, por lo que permaneció dentro del espacio leyendo durante días Sobre el concepto de ironía, de Kirkegaard, que es un ensayo sobre Sócrates: el filósofo que no escribió nada.
Learning The Language (Present Continuous I), de Alejandro Cesarco, es un video-retrato de la pianista argentina Margarita Fernández, donde el artista toma prestado el vocabulario de ella para formular problemas que atraviesan su propio trabajo: fundamentalmente la memoria, la repetición y el arrepentimiento. En este caso, se centra en las transiciones posibles y reversibles: de música a película, de película a música, y así sucesivamente. El lenguaje, desplegado en el tiempo, se convierte en una cuestión de motivos, estribillos y combinaciones estructuradas como un conjunto musical.
Love Songs, de Robert Barry, es una película de 2012 donde el artista explora temas que son recurrentes en su trabajo, a través de un medio que ha utilizado tan sólo en unas pocas ocasiones durante su carrera. Sin cortes, la película muestra a un hombre y una mujer tocando y cantando canciones en el piano, mientras que el texto no narrativo característico de Barry se superpone a la imagen. Aquí, el tiempo fílmico y el tiempo real son equivalentes, y tanto el texto como la imagen contribuyen mutuamente a que el otro se entienda.
Estrenada en el Museo Reina Sofía en 2017, Time as Activity (Madrid) de David Lamelas es la última de una serie de películas filmadas con una cámara fija en varias ciudades diferentes. Al hacerlo, Lamelas relaciona el concepto de tiempo, como invención humana, con las estructuras arquitectónicas y urbanas. A primera vista, la obra parece documentar simplemente el ritmo diario de la ciudad desde tres lugares diferentes. Pero, antes de cada toma, Lamelas informa de su duración exacta; Con este gesto, plantea el tiempo como tema y como medio. El artista ha descrito la obra como un “proyector de tiempo” que superpone otro momento al “tiempo real” del momento presente de los espectadores; de esta manera, Time As Activity señala la imposibilidad de una representación inmediata del mundo “tal como es”.
Disseminate & Hold, de Rosa Barba (2016), nos presenta el Minhocão, una carretera elevada que atraviesa el corazón de São Paulo. Construida en la década de los 70 con el objetivo de duplicar la capacidad de tráfico en el centro de la ciudad, la autopista siempre ha sido sinónimo de tiempos políticos difíciles. La película considera al mismo tiempo la historia del Minhocão y su existencia actual, examinando las complejas relaciones entre la carretera, los edificios circundantes, la gente de São Paulo y la situación política de entonces y de ahora en Brasil. Barba reflexiona sobre las huellas que la historia deja en el paisaje y el entorno urbano, sugiriendo que estos cambios a menudo sólo se manifiestan en el subconsciente de una sociedad.
La vie est dans la rue, de Oriol Vilanova, es una historia basada en un personaje real que se encuentra en las Ramblas de Barcelona, con una actitud diaria de inactividad. Simplemente observa la calle como si fuese un teatro; como un Bartleby metropolitano. La obra es un diaporama compuesto por 81 imágenes que, a medida que se muestran, van construyendo el personaje principal.
En 2004, Lara Almarcegui trabajó junto con un equipo de operarios para levantar el asfalto del suelo del recinto ferial de Amsterdam, documentó el proceso y luego lo reparó rápidamente antes de la apertura de KunstRAI. Durante la exposición, no quedaron rastros del proceso: solo el material gráfico que muestra lo que había sucedido allí unos días antes. El objetivo era hacer que los visitantes volviesen su atención hacia las condiciones físicas del lugar donde se encontraban, tomando conciencia de un proceso que ya ha finalizado y que, sin embargo, permanece presente.
Originated in the field of literary theory, the term Chronotopes articulates this group show at Parra & Romero, specifically focused on video works by various artists of the gallery: Lara Almarcegui, Rosa Barba, Robert Barry, Alejandro Cesarco, David Lamelas, Oriol Vilanova and Ian Wallace.
The correlation between time and space is the guiding thread of all the works that make up the exhibition: temporality understood not as a linear succession of events but as a multiplicity of points that connect with each other in multiple directions, giving rise to a cartography.
Ian Wallace’s At Work, 1983 documents a performance that he did in an independent space named Or Gallery, in Vancouver. During daytime, the curtains of the window facing the street were closed and, after midnight, they were open so bystanders could see the artist working inside all night long. Wallace, though, was not presenting himself working as a common visual artist, but as a Conceptual one, so he stayed there just reading Kierkegaard’s The Concept Of Irony : a book about Socrates, the philosopher who wrote nothing.
Learning The Language (Present Continuous I), by Alejandro Cesarco, is a video portrait of the Argentinan pianist Margarita Fernández, in which the artist borrows her vocabulary to formulate problems that run through his own work: mainly memory, repetition and regrets. Here he focuses on back and forth and possible translations – from music to film, from film to music, and so on. Language has become a matter of motifs, refrains and combinations, structured like a musical ensemble.
Love Songs, by Robert Barry, is a film from 2012 where the artist explores subjects that are recurrent in his work, through a medium that he has used in a few occasions only during his career. Without any cuts, the film shows a man and a woman playing and singing songs on the piano, while Barry’s characteristic non-narrative text is overlapped. Here, filmic time and real time are equivalent, and text and image help to understand each other.
First presented at the Museo Reina Sofía in 2017, Time as Activity (Madrid) by David Lamelas is the latest of a series of films shot using a stationary camera in several different cities. By doing so, Lamelas relates the concept of time, as a human invention, to architectural and urban structures. Upon first glance, the work appears to merely document the daily rhythm of the city from three different locations. But before each shot, Lamelas informs us of its exact duration; with this gesture, he posits time as both subject and medium. The artist has described the work as a “time projector” that superimposes another time onto the “real time” of the viewers present moment; in this way, Time As Activity points to the impossibility of an unmediated representation of the world “as it is.”
Rosa Barba’s Disseminate and Hold (2016) introduces us to the Minhocão —an elevated highway that runs through the heart of São Paulo. Built in the 1970s with the intention of doubling traffic capacity into the centre of the city, the highway has always been synonymous with darker political undertones. The film considers not just the history of the Minhocão, but also its current existence, examining the complex relationships between the road, the surrounding buildings and people of São Paulo. Barba reflects on the traces that history leaves on the landscape and urban environment, and suggests that these changes often only manifest themselves in a society’s subconscious.
Oriol Vilanova’s La vie est dans la rue is a story based on a real character found in the Rambles of Barcelona, with a daily attitude of inactivity. He just observes the street: the theatre; like a metropolitan Bartleby. The work is a slide show composed by 81 images that build the main character.
In 2004, Lara Almarcegui worked on removing the asphalt from the flooring of Amsterdam’s trade fair, documented the process and then quickly repaired it before the opening of KunstRAI. During the exhibition, no traces of the process were left: only the graphic material showing what had happened there few days before. The aim was to let visitors turn their attention on the physical conditions of the place where they are, becoming conscious of a process that has come to a conclusion and nonetheless remains present.
Entrada actualizada el el 04 dic de 2019
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