Bases
103 PROYECTOS SE HAN PRESENTADO A BABESTU
Descripción del Premio
Elena Aitzkoa, Sahatsa Jauregi, Borja Crespo & Raquel Meyers, Iker Vázquez, Irati Inoriza, Maider Aldasoro, Karlos Martínez, Camila Téllez, Josune Urrutia, Miriam Isasi.
Babestu es la convocatoria extraordinaria impulsada por Azkuna Zentroa para apoyar la creación para que artistas y agentes culturales del contexto local puedan seguir desarrollando procesos e investigaciones que se han podido ver afectadas por la crisis del Covid-19.
En la mayoría de los más de 100 proyectos que se han presentado a esta convocatoria, el proceso tiene una gran importancia, y pone en valor la implicación de la comunidad en los mismos. Se trata de proyectos de artistas y colectivos procedentes del contexto artístico más próximo. Los artistas cuyos proyectos han sido seleccionados son: Elena Aitzkoa, Sahatsa Jauregi, Borja Crespo & Raquel Meyers, Iker Vázquez, Irati Inoriza, Maider Aldasoro, Karlos Martínez, Camila Téllez, Josune Urrutia, y Miriam Isasi.
Además del soporte, asesoramiento y mediación de Azkuna Zentroa, 6.000 euros para desarrollar su proyecto.
PROYECTOS
Sahatsa jauregi Azkarate
Aizkora
Aizkora es una investigación en la que durante años la artista ha recogido imágenes que señalan la manera en la que se ha construido iconográficamente la historia cultural del País Vasco a través de un objeto concreto: el hacha. Este álbum ha considerado tanto aspectos formales, como simbólicos, sociológicos, biográficos, fílmicos incluso animistas del hacha, creando un cuerpo de referencias que esperan ser apuntaladas en la realidad a través de la escultura.
Sahatsa Jauregi Azkarate (Itaparica, Bahía, 1984) se licenció en la Facultad de Bellas Artes (EHU-UPV) en 2007 y actualmente forma parte de la Sociedad Okela. Ha participado en exposiciones individuales y por parejas como Halfhouse (Barcelona, 2019), Carreras Múgica (Bilbao, 2016), Montehermoso (Vitoria-Gasteiz, 2011), Taca (Palma de Mallorca, 2019), Gio Bat (Bilbao, 2015) y Abisal Espazioa (Bilbao, 2009). También en grupos como Reencuentros (Logroño, 2020), Swamp Horses (Espinavessa, 2019), Bi Dos Two (Azkuna Zentroa, Bilbao 2017) y el Programa de Artistas Noveles de Gipuzkoa (Koldo Mitxelena, San Sebastián, 2013). Ha ganado varios premios: Gure Artea (2019), Ertibil-Bizkaia (2017) y Programa de Artistas Noveles de Gipuzkoa (2013). Ha estado como residente en Tabakalera (San Sebastián), Halfhouse (Barcelona), Fundación Bilbaoarte, consonni (Bilbao) y Pacific Film Archiev (Berkeley,CA). También ha trabajado en el diseño expositivo en los proyectos Black is Beltza, Tirabirak y Archiveras del Humo y en 2015 co-dirigió Superbia: 8 películas de Ulrike Ottinger. Ha participado en festivales artísticos y culturales como La Cosa en Casa, Feministaldia, T festa o Iturfest.
Raquel Pérez Madrigal & Borja Crespo
Elige tu propia normalidad
Elige tu propia normalidad nace ante la urgencia de una reflexión crítica sobre las nuevas miradas sobre un futuro que nadie alcanza a descifrar, más allá de la influencia insondable de lo digital. La vida en la red, sin red. El proyecto pretende crear un espacio para el diálogo y la crítica en estos tiempos pandémicos, de cambio que quizás no es tal, de transformación hueca y metas superficiales.
Urge exponer nuevas visiones futuristas que se acercan sobremanera a las distopías del imaginario colectivo, manejando conceptos tan diversos como la resiliencia, la doble pantalla (PiP), el ruido blanco, la fatiga digital, la teoría del cisne negro, lo invisible...
Incluyendo una base teórica que parte de la colección de libros «Choose your Own Adventure» (Elige tu propia aventura, en castellano) publicados por Bantam Books a finales de los años 70. Obras de hiperficción explorativa que introdujeron a toda una generación en lo que más tarde se conocería como hipertexto en la era de internet. También inspiran la apuesta creativa las reflexiones sobre la tecnocracia y los algoritmos realizadas por James Bridle en su libro «New dark age: technology, knowledge and the end of the future» (New Left Books, 2018), o las del filósofo italiano “Bifo” Berardi en su libro «Futurabilidad: la era de la impotencia y el horizonte de la posibilidad» (Caja Negra, 2019). Sin perder el imaginario de ‘El caminante’, el manga de Jiro Taniguchi para crear nuestro mapa de posibilidades, o el reciente libro “Pandemia” del filósofo viral Slavloj Zizek (Anagrama, 2020).
Raquel Meyers (aka Raquel Pérez Madrigal): Artista multidisciplinar afincada en Bilbao que define su práctica como mecanografía expandida (KYBDslöjd) cuyo significado podría definirse grosso modo como «destreza manual con un teclado», que materializa los caracteres de texto y las pulsaciones de teclado más allá de la pantalla y cuestiona nuestra relación parásita con la tecnología. Desde 2004 su trabajo ha sido mostrado en centros de arte, galerías y festivales como Ars Electronica, Transmediale, Supernova Digital Animation Festival , Xpo Gallery, Shibuya Pixel Art, La Casa encendida, Eufònic Urbà, Liste Art Fair Basel, The Wrong, ETOPIA, La Gaîté lyrique, Tokyo Blip Festival, Square Sounds Melbourne, BilbaoArte, LABoral, iMAL, VISION’R, VECTOR, LEV, MFRU, BEK, …
Borja Crespo: Bilbao, 1971. Es director, productor cinematográfico, escritor, ilustrador e historietista. Comenzó su vida y milagros en fanzines como "2000 Maniacos", "Subterfuge" o "Quatermass", una gran escuela que siempre defiende. Desde mediados de los años 90 colabora semanalmente en las páginas de El Correo y otras cabeceras de Grupo Vocento como periodista especializado y ha firmado columnas y reportajes en múltiples publicaciones. Ha dirigido videoclips, spots publicitarios, cortometrajes y programas de televisión. También ha realizado labores de asesor y coordinador de eventos en torno al cine y cómic como gestor cultural (actualmente GRAF, Tracking Bilbao, Salón del Cómic de Getxo...). En el campo de la historieta ha publicado varias referencias, así como libros de teoría cinematográfica. Imparte clases de cine y cómic en cursos universitarios y eventos. Es miembro fundador de la productora Arsénico P.C. y Sayaka Producciones junto a Nacho Vigalondo, Koldo Serra, Borja Cobeaga y Nahikari Ipiña. En 2014 dirige, produce y co-escribe la película Neuroworld, basada en el imaginario de M. A. Martín, que participó en numerosos festivales. Actualmente también conduce el programa radiofónico La Hora Caníbal para Bi FM, entre otras labores.
Camila Téllez
Transición primaveral
Desde la autobiografía como referencia de conocimiento situado 1 (Haraway), esta es una investigación que se basa en la memoria del cuerpo y su continua reconstrucción de identidad y transformación de la subjetividad, tomando como referente las controvertidas figuras vampíricas desde la literatura al cine de nuestra fecha, figuras que continúan mutando y dando reflejo a la contemporaneidad.
La necesidad de revisar la historia de la representación vampírica desde las perspectivas queer, trans y feministas, es una manera de descolonizar una figura de violencia que el vampiro impone, de repensar los roles de dominación/sumisión o agresor/víctima de tal manera, que nos permita asumir esa dualidad en nuestro propio cuerpo. Además, de reivindicar la figura que desde sus comienzos representó el deseo desde otras sexualidades, de revisar la noción de contagio, de morder a otrx, de comerse a otrx, y esa noción de límite, frontera o piel que la acompaña. Así, reivindicar la figura de este monstruo es asumir tanto su poder como su vulnerabilidad.
Camila Téllez (Santiago, CL, 1982). Artista transdiciplinar. Vive y trabaja en Bilbao. Actualmente realiza la mediación de Cuerpos extraños cerca, encuentro interdisciplinar en Markina-Xemein dentro del programa Harriak, Eremuak. Este 2020 inició el proyecto en cuestión, Transición primaveral en residencia dentro del Programa P.I.C.A.(2018-2020) en Azala Espazioa (Álaba). Recientemente, presentó News & letters (de Planta 2 o 3), una serie de vídeo-noticias con forma de canal online dentro de Hiperconectadxs en la web de Tabakalera, que forma parte del proyecto a largo plazo Edificio. Metodologías para una arquitectura naciente, realizado en Bulegoa z/b (2018), con la Ayuda Ikertu (2017) y Planta 0 en Histeria Kolektiboa (2016). Presentó la performance 8 habitaciones en la exposición Bi, Dos, Two, Eremuak (2018). Participó en Prototipoak. Encuentro internacional de nuevas formas artísticas 2018 en Azkuna Zentroa – Alhondiga Bilbao, con el proyecto de intervención espacial MIRADOR. Centro de investigación.
Fue artista residente en Bilbaoarte, 2016; en Kalostra Eskola, 2015 (San Sebastián-Donosti). Cursó el MPECV, Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, versión 2013-14, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y Universidad Castilla-La Mancha, Madrid. Durante el año 2012 reside en Berlín, donde participa de PAStudies #27|Performance Art Studio. Se tituló en Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Finis Terrae en Chile, donde se desempeñó como docente de taller de dibujo experimental y teoría del arte, desde el 2004 al 2013.
En su trabajo artístico reciente, investiga desde la performance, autobiografía, escritura, voz e imagen, distintas expresiones de identidad en los espacios que habita, así como las relaciones invisibles con la audiencia y lo público en diferentes propuestas de mediación de los lugares. A participado en diversos proyectos colectivos, colaboraciones y publicaciones con artistas de distintas disciplinas escénicas performativas, audiovisuales, sonoras, experimentales y plásticas.
Josune Urrutia
Onko
Onko es un espacio de pensamiento, reflexión y creación transversal sobre cuestiones en torno al arte y la salud. Involucra a personas que viven experiencias de enfermedad, usuarias y profesionales del ámbito sanitario, de la cultura y/o interesadas en estas cuestiones.
Es un proyecto que invita a mirar y resignificar algunos modelos que determinan social y culturalmente nuestra relación con la enfermedad. Desde la práctica artística se plantea atravesar límites y lugares comunes que tienen que ver con las políticas de los
cuerpos, los tratamientos médicos y farmacológicos, la patologización, el acceso a la información y divulgación de lenguajes científicos, muchas veces incomprensibles socialmente, o el valor de las redes de apoyo.
Onko conecta con proyectos de investigación recientes del panorama local e internacional. Proyectos muy diferentes que apuntan en una misma dirección, atienden a una suerte de urgencia del momento histórico cultural que vivimos y miran a la posibilidad que el arte ofrece para pensar esa experiencia llamada enfermedad.
Josune Urrutia: Licenciada en Bellas Artes (2000) por la UPV-EHU y Técnico Superior de Ilustración por la Escuela de Artes y Oficios Número 10 de Madrid (2013), Josune Urrutia se ha formado paralelamente en ilustración, álbum ilustrado y cómic con autores como: Paco Roca, Frederik Peeters, MAX (Francesc Capdevila), Toni Guiral, Pepe Gálvez, Katsumi Komagata, Martin Salisbury, Sophie Blackall, Pablo Auladell, Isol, Elena Odriozola, Raúl Arias y Javier Sáez Castán entre otros.
Como artista, ilustradora y dibujante, está especialmente interesada en procesos y herramientas que requieren del dibujo como medio esencial de comunicación y socialización como son el Graphic recording, la Medicina gráfica en el mundo sanitario o procesos de dibujo colectivo.
Recientemente ha resultado ganadora de una Beca a la creación gráfica: cómics y novelas gráficas (2020) de Gobierno Vasco, fue Mención de honor a Residencia de novela gráfica, Maison des Auteurs Angoulême Francia de Acción Cultural Español (AC/E) y la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image (2018) y becada como residente en Maison des auteurs de Angoulême (2019) por el proyecto Hoy no es el día. Historias políticas de arte y cáncer.
Elena Aitzkoa
Lendia Song
«Construir un cuerpo poético de voz. De imagen viva. Que atraviese el espacio.
Lendia es un lago que nace de una cueva.
Que se llena y se vacía con respiración de ballena.
Cantar al agua. Yo.
Cantar con otras. Nosotras.
Cantando un Lago. Silencio. Expansión.
Mi madre Mercedes canta. Yo le acompaño cantando. Ella me acompaña tocando el piano.
Sus canciones me las sé de nacimiento, tal como el llanto. La risa.
Juntas cantamos, el paisaje nos envuelve. Abrimos campo de cámara. Mireia graba. Leire baila.
-Una película nana. Lendia Song. Cancionero audiovisual. Lago nómada-
Solita al atardecer soy una bacteria acuática. Zoom de pestaña a hoja aspira en remolino el agua. Marrón, tan marrón que brilla. Negra, vacía y preñada. Son de nada. Céfiro, Piedra,
... y con mi madre, a la mañana, una reina.
CABALGAN CANTAN NADANDO DE FUENTE A LAGO ESTAS TIERRAS…»
Elena Aitzkoa, Apodaka 1984. Su práctica incluye la escultura, el dibujo, la poesía, la performance y la realización de películas. Sus creaciones son un ecosistema heterogéneo que se nutre de elementos físicos y emocionales del entorno más o menos próximo y la experiencia vital. Poniendo el foco y la energía creativa en la configuración poética de la materia y a la belleza como elemento vincular entre los seres.
Entre sus últimos proyectos destacan la exposición Zarza Corazón (2019), en el Museo Patio Herreriano de Valladolid; el vinilo de poemas y silbidos Paraíso Terrenal (2019); la película Nuestro amor nació en la Edad Media (2018) y el ciclo de performances Headscarfs close to the Ground en el marco de OsloPilot (2016).
Colectivamente y en el ámbito de la performance ha mostrado su trabajo internacionalmente en países como: Inglaterra, Italia, Japón, China, EEUU, Portugal, Noruega o Suecia.
Maider Aldasoro
Eterno Noeterno
«Hacer desde el cuerpo. Desde yo. Desde la mentira. Hacer desde el deseo, pero no es
mi deseo.
Un cuerpo que nace solo, nace errado. Únelo.
En el hacer está la fuerza. Si no lo performo no existe, si no se comparte no tiene
sentido.
Mi trabajo es performativo, siempre es con otras y en presencia de otras. Siempre lo
grabo. Los instantes, las sorpresas quedan recogidas eternamente. En mi memoria y
en la de otras. Lo que ocurre entre dos ahora ocurre entre cientos, puede que hasta
miles. El comentario queda grabado. Las redes ayudan. Lo intimo, lo que ocurre entre
tu y yo, la vecina y su marido, el alcalde y su mujer, ahora es de todas.
Lo eterno perdura».
Maider Aldasoro: Graduada en Bellas Artes por la UPV-EHU. Máster en Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid. Desde 2019 formo parte de un colectivo dedicado al arte, mediación y proyectos colaborativos junto con Ane Rodriguez Zaitegui. Hemos trabajado para CA2M Madrid, el museo San Telmo de Donostia, Luzatu Gau Irekia de Sarean (Bilbao) y el ayuntamiento de Donostia. En mi práctica individual trabajo dentro de lo performativo, del diseño experimental y el vídeo, e investigo modelos de relación y conducta entre sujetos y las dinámicas asociadas a ellas. También me dedico a la ilustración, diseño y animación.
Irati Inoriza
Nadie se baña dos veces en el mismo río, sino en el pantano mismo
Nadie se baña dos veces en el mismo río, sino en el pantano mismo se presenta como instalación audiovisual, articulándose a partir de varias performances y archivo antropológico que sustenta nuestras identidades, a través de la plástica corporeidad, con su realidad, signo y metáfora. Evidenciando cómo los síntomas y problemáticas de nuestra contemporaneidad han llegado hasta lo más sensible y sensitivo de nuestro cuerpo social. Articula tal devenir mediante las acciones generadas desde un interés concreto, un reencuentro. Durante la cuarentena volví al espacio donde habitaba en mi infancia, donde cuatro árboles y un flujo constante de agua en movimiento y en su estado de espejo, se convertían en todos mis paisajes posibles. Retomará ese reencuentro creando una escena que evoque al Jardín de las Delicias, el tiempo suspendido de Tartovsky, la Ofelia prerrafaelita o la oscura fantasía contemporánea de Billie Eilish, reunidxs todxs dentro de la prosa de María Salgado.
Irati Inoriza (Balmaseda, 1992) Doctoranda en Investigación en Arte Contemporáneo por la Universidad del País Vasco, especializó sus estudios en el Atelier de Performance de la Universidad de Brno (R. Checa, 2014). Seleccionada por Injuve 18/19, el programa expositivo de Montehermoso (Vitoria, 2019) y Gobierno Vasco en Producción Artística 2019, sus piezas han sido expuestas en la Sala Amadis (Madrid, 2020), Sala Rekalde (Bilbao, 2020), ZSenne Art Lab (Bruselas, 2019), Pablo’s Birthday Gallery (NY, 2019) y A-DASH Space (Atenas, 2018). Ganadora del premio Exposición de Artista Casal Solleric 2017, ha realizado diferentes residencias artísticas en Huarte (Navarra, 2019), L’Estruch (Barcelona, 2017), Bilbao Arte Fundazioa (Bilbao, 2016) y Farm Cultural Park (Sicilia, 2014).
Iker Vázquez
Az Reality Lab
El proyecto Az Reality Lab pretende ser un espacio efímero de trabajo sobre la representación de la mujer. Se trata de un proceso participativo abierto a mujeres creadoras, con el fin último de proponer nuevas representaciones que articulen alternativas a la cosificación simbólica actual. El proceso de trabajo quiere ser el marco de discusión temporal donde las participantes aborden la naturaleza del concepto de musa y su uso como modelo y referencia, repensando la visión de la mujer como inspiradora para ayudar al cambio de paradigma de mujer como creadora. Se pretenden desarrollar nuevas iconocidades utilizando material digital 3D. Para conseguirlo se desarrollará durante seis meses un espacio de experimentación técnica y de creación artística donde se investigarán las posibilidades creativas y expositivas de las tecnologías de Realidad Aumentada (RA), todo ello con la intención de posibilitar nuevas creaciones mediante un viaje hacia lo inexplorado, generando nuevas fusiones e interconexiones.
Iker Vázquez: Artista, investigador, diseñador, programador y knowmad, es sobretodo un creador que trabaja en proyectos que conectan el pasado y el presente mediante la búsqueda y la recopilación, desarrollando procesos y dispositivos que combinan lo analógico y lo digital y hablando de lo global desde lo local. Sus obras y proyectos surgen desde la concepción del arte como herramienta para el cuestionamiento y la experimentación. En un mapa imaginario de disciplinas sus procesos le sitúan sobre las líneas simbólicas que suponen el límite entre ellas, diluyendo y expandiendo sus fronteras para tratar los temas y conceptos que vertebran sus obras, sobretodo el tiempo y el espacio que vivimos. Los últimos años se ha centrado en instalaciones efímeras en el espacio público usando diferentes técnicas y metodologías experimentales: usando pintura fotoluminiscente, creando juegos urbanos, cambiando los usos habituales de los elementos publicitarios y buscando conexiones con agentes locales para desarrollar proyectos participativos.
Miriam Isasi
Resina, brea y glicerina
Investigación vinculada a la identidad del paisaje que toma como punto de origen el uso de las plantas medicinales y sus sistemas inmunológicos. La búsqueda dará comienzo en los bosques de coníferas, tomando la resina en roca como hilo conductor a lo largo del desarrollo del proyecto. Destilados, tinturas y ungüentos que derivan en un formato escultórico a través de materiales como: glicerina, trementina, resinas o brea. Nomenclaturas y aglutinantes como método de búsqueda y formalización. Durante el proceso de desarrollo se investigarán los vínculos entre plantas y curanderismo, cultura popular y tradición entorno a los recursos naturales, uso y empleo de las diferentes plantas así como su análisis más técnico desde la botánica. Con el objetivo de acercarnos desde un lenguaje plástico a la etnobotánica como concepto natural de comprensión de nuestro contexto.
Miriam Isasi es Doctora en Bellas Artes por la EHU/UPV, realizando su estancia internacional en la UNAM de México. Ha participado en programas de residencia en la Academia de España en Roma (Italia), Artista x Artista (Cuba), Fundación Bilbaoarte, Kunsthaus en Bregenz (Austria), EAS-EZE Bitamine Faktoria (Irún-Buenos Aires), MA Studio en Pekín y en la Universidad Nacional Autónoma de México. Desde un posicionamiento contemporáneo, genera un discurso que se construye a partir de guiños a la antropología, la historia, el activismo, el paisaje y la memoria. Ha participado en diferentes exposiciones en ARTIUM, Centro Cultural Montehermoso Azkuna Zentroa Alhóndiga, Fundación BilbaoArte, Academia de España en Roma, Academia San Fernando, Museo Guggenheim de Bilbao, MUSAC , HUARTE, CAB o Museo San Telmo entre otros. En estos momentos trabaja con Talka Galería en la producción y visualización de algunos de sus últimos proyectos.
Karlos Martinez B.
Plan K. Gut
PLAN aspira a ser un espacio discontinuo dedicado a la presentación de proyectos de arte, el cual pretenderá insertarse en otros lugares diferentes a las habituales salas de exposiciones y auditorios, estableciendo diálogos transversales entre diferentes agentes e instituciones, forjando redes que generen formas de colaboración.
Un espacio en línea desde el que mostrar y analizar obras audiovisuales dirigidas por artistas cuya producción se encuentra en los márgenes de la creación contemporánea. La plataforma PLAN trabajará preparando un programa híbrido, que tendrá en cuenta sobre todo la calidad artística, la relevancia de su contenido y la innovación o investigación que el trabajo aporta. La pieza de vídeo seleccionada será introducida por una conversación con la artista invitada a través de unas jornadas realizadas por un grupo de investigación creado mediante una convocatoria abierta (comunidades de públicos de Azkuna Zentroa) y por invitación (agentes culturales) en la que realizar una serie de ejercicios prácticos que sirvan para enunciar la imagen con la que la artista trabaja.
Karlos Martinez B. Artista y gestor cultural. Su trabajo se centra en cuestiones ontológicas para centrarse en problemáticas relacionadas al acceso. Ha estado implicado en tareas de diversos proyectos culturales a través de procesos de gestión, promoción, producción, mediación y pedagogía artística recibiendo varios premios y becas artísticas desarrollando proyectos en Bilbao, Donostia, Vitoria, Madrid, Barcelona, Mánchester, Londres, Leipzig, Lisboa, Córdoba (Argentina), Montevideo o Argel en organismos como UPV, Museo Oteiza, Museo Guggenheim Bilbao, Bulegoa Z/B, Sala Rekalde, Praline ArtistRunSpace, CAN Felipa, D21 Kunstraum, C.C Montehermoso, Galería Fabra i Coats, Espacio Abisal, La Casa Encendida, Fundación BlueProject, Espai dÁrt Contemporani de Girona, Tabakalera San Sebastian, Museo Artium de Vitoria, Espacio Azala, Synagogue de Delme, Okela, La Enkartada, Ayuntamiento de Durango, Ayuntamiento de Zarauz.
Premio. 15 jun de 2020 - 31 jul de 2020 / Bilbao, Vizcaya, España
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Formación. 23 nov de 2024 - 29 nov de 2024 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
