Descripción de la Exposición ------------------------------------------------------- ------------------------------------------------------- En enero de 2010, FUNDACIÓN MAPFRE dedicó una importante muestra al nacimiento del movimiento impresionista. La exposición muestra lo que ocurrió después de esa gran revolución, cuando las aportaciones plásticas del impresionismo se asimilan y se desarrollan a través de diferentes lenguajes pictóricos, llamados postimpresionistas, que abrirán el camino hacia las vanguardias del siglo XX. La exposición se inicia con las primeras series de Monet (desde Almiares al final del verano y Efecto de viento, serie de los álamos, a Las catedrales de Rouen, Londres, el Parlamento. Boquete de sol en la niebla y Estanque de nenúfares, armonía verde), y termina con los trabajos decorativos de Vuillard en los Jardines públicos. Entre ambos hitos se presentan los trabajos de Renoir, el desarrollo del neoimpresionismo, -con obras de Seurat, Signac o Pisarro -, el constructivismo de Cézanne, el retrato de los bajos fondos, por parte de Toulouse-Lautrec, la huída de Gauguin y sus amigos a Bretaña, la creación del grupo de los Nabis, con Serusier, Maurice Denis, Bonnard o Vallotton y la locura de Van Gogh en Arles. La exposición está organizada por FUNDACIÓN MAPFRE con la colaboración científica y los préstamos excepcionales del Musée d´Orsay. La exposición presenta 78 obras maestras, entre las que destacan un número muy significativo de pinturas imprescindibles para la comprensión del arte universal de este periodo. RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN En 1886, se celebra la octava y última exposición del grupo impresionista en la sala de exposiciones del marchante Durand-Ruel. A lo largo de las ocho míticas exposiciones que había presentado el grupo, la concepción tradicional de la pintura había saltado por los aires. Los críticos y el público empezaban a asimilar las novedades estilísticas, y los impresionistas comenzaban a tener cierto renombre. De forma paralela, se empezaban a multiplicar las exposiciones al margen del Salón académico. Surgía el Salón de los Independientes en París o el Salón de Los XX en Bruselas, por lo que la actitud combativa que les había unido frente a los estamentos académicos dejaba de tener sentido. Las desavenencias estratégicas, estilísticas y políticas entre los impresionistas se multiplicaban y, de hecho, en esta última exposición del grupo ninguno de sus actores principales, salgo Degas, Pisarro y Morisot estuvo presente y, sin embargo, participaron artistas como Gauguin, Seurat, Signac o Redon, que iniciaban el camino hacia un arte nuevo. Así, entre 1886 y 1900, asistimos al desarrollo de una modernidad más profunda y radical. El Impresionismo evoluciona hacia diferentes actitudes pictóricas, tradicionalmente definidas como postimpresionistas que amplifican el talante provocador del impresionismo definiendo los caminos estilísticos que abrirán los lenguajes de las vanguardias. 1. LA CRISIS DEL IMPRESIONISMO En general, los impresionistas comienzan a mostrar un agotamiento respecto a los mismos temas de la ciudad moderna y sus alrededores. Más preocupados por la propia pintura como lenguaje, limitarán sus asuntos y se concentrarán en temas donde expresar mejor sus verdaderas preocupaciones plásticas. A partir de 1886, Claude Monet empieza a reflexionar en torno a la idea de representar el mismo motivo, fluctuando en función de las estaciones, del tiempo o de la luz de los diferentes momentos del día. Las formas y los motivos se disuelven cada vez más, en una pintura que se repliega sobre sí misma. A partir de 1890, surgen las primeras series: Los almiares (1890), Los álamos (1891) y las Catedrales de Rouen (1892-1893), todas ellas representadas en la exposición. En la Catedral de Rouen, del que mostramos dos lienzos (La portada vista de frente y La portada y la torre Saint-Romain a pleno sol), Monet encuentra uno de los más bellos motivos de toda su carrera de pintor: cuenta la leyenda que llegaba a pintar hasta 14 lienzos a la vez, corriendo de uno a otro según la luz y el tiempo, recorriendo todas las sutilezas tonales que cambiaban a cada minuto en la atmósfera de Normandía. De forma paralela, Monet, instalado ya en Giverny, comienza a pintar su estanque de nenúfares, donde anula cualquier resto de perspectiva tradicional para llegar a un grado de refinamiento pictórico que alcanza sus más altas cotas de excelencia. En la exposición, este asunto aparece representado a través del famoso Estanque de nenúfares, armonía verde (1899). Todos los motivos se disuelven en una atmósfera cada vez más abstracta y lírica, como muestra también sus vistas del Londres, el Parlamento. Boquete de sol en la niebla (1904). Al contrario que Monet, Renoir, otra de las grandes figuras dominantes del grupo impresionista, vuelve a participar en el Salón académico a partir de 1880, donde obtiene un gran éxito gracias a sus retratos, de los que se presenta un importante conjunto. A la vez, sus viajes a Argelia y a Italia pondrán de manifiesto la necesidad que siente de renovar su pintura. El último Renoir encuentra en los desnudos al aire libre el asunto en el que mostrar sus ambiciones estéticas: Las bañistas eran, para él, una continuidad de la pintura del siglo XVIII. Definidas como 'un Tiziano pintado por Rubens', sus cuerpos desbordados muestran una atmósfera de fecundidad y eterna primavera, que se traslada a toda la superficie pictórica. 2. EL NEOIMPRESIONISMO Camille Pisarro había insistido en que sus amigos Seurat y Signac participaran en la octava y última exposición impresionista, lo que generaría una fuerte controversia. En ese mismo momento, el crítico Felix Féneon inventa el término 'neoimpresionismo' para definir este nuevo tipo de pintura, en el que los colores puros se yuxtaponen a través de pequeños puntos, que favorecen la mezcla óptica de los colores en el ojo, y no en la paleta. El neoimpresionismo marca una dialéctica de ruptura y continuidad respecto del impresionismo, con una fuerte conciencia de 'progreso'. La importancia de la ciencia es muy evidente, y esconde asimismo un ataque al efecto improvisatorio del impresionismo. Seurat perfeccionará su método de la mezcla óptica. Su prematura muerte en 1891 podría haber supuesto el final del puntillismo, pero Signac se convierte en un líder muy eficaz y en un gran teórico de este movimiento, muy cercano, en sus primeros tiempos, de los principios sociales del anarquismo. Su descubrimiento del Mediterráneo le permite simbolizar, a través de la luz y del aire puro, su confianza en un mundo mejor, como muestra la obra maestra La entrada del puerto de Marsella (1911). Henri Cross se convertirá en el mejor heredero de estos sueños arcádicos, a través de obras tan fundamentales como El aire de la tarde (c. 1893) o La cabellera (c. 1892). 3. CÉZANNE Y SU INFLUENCIA La exposición dedica un lugar especial a la importancia de Cézanne como nexo de unión entre el impresionismo y el postimpresionismo. Cézanne había sentido siempre la necesidad de romper con las reglas y de sobrepasar los límites que imponía la técnica impresionista. Siempre se había interesado mucho más por el sentido constructivo que imponía la propia naturaleza, y por la necesaria construcción de esa mirada sobre los objetos que se propusiera pintar. En 1886, su padre fallece, por lo que recibirá una buena herencia, que le permitirá vivir lejos de las presiones comerciales y dedicarse a hacer el arte que le interesa. En la exposición se presentan La señora Cézanne, dos importantes bodegones -Bodegón con cebollas y Manzanas y naranjas- así como varios paisajes provenzales en torno al Château Noir. En ellos, Cézanne insiste en el papel desempeñado por los diferentes aspectos de la composición, abriendo él camino que conduciría al cubismo, y convirtiéndose en el padre de las primeras vanguardias. 4. TOULOUSE-LAUTREC Y MONTMARTRE La trayectoria de Toulouse-Lautrec, desde su castillo familiar en Albi, al Montmartre más canalla, continúa siendo una historia cautivadora. Dos fracturas de fémur durante su infancia le habían impedido crecer más allá de los 150 centímetros pero, a pesar de ello y de su consciente fealdad física, Toulouse-Lautrec tuvo el tesón de convertirse en uno de los nombres más populares y de los artistas más célebres de su generación. En 1886, conoce en el taller de Cormon a Van Gogh, Bernard y Anquetin, y los cuatro amigos empiezan a exponer bajo el nombre de 'impresionistas del petit boulevard'. Toulouse-Lautrec experimentará con perspectivas muy forzadas, tomadas de los grabados japoneses, con un dibujo nítido y con temas de los bajos fondos. Pero a diferencia de Steinlen, Toulouse-Lautrec nunca fue un acusador de los vicios de la ciudad: su pintura y sus dibujos retratan las flores del mal de Montmartre con una mirada tierna y solidaria, sin cinismo y sin arrogancia. A través del retrato de las grandes divas del Moulin Rouge, inaugurará una nueva manera de pintar, de una gran simplificación y austeridad de recursos en oposición a su enorme capacidad expresiva, nacida bajo la sombra de Montmartre. 5. VAN GOGH En 1886, Van Gogh llega a París desde Nuenen y, junto a sus amigos Toulouse-Lautrec, Anquetin y Bernard, pinta los barrios de París, con un uso muy expresivo e intenso del color, como muestra El merendero de Montmartre y, más adelante, El restaurante de la Sirène en Asnières. En febrero de 1888, Vincent Van Gogh viaja a Arles siguiendo su sueño de crear una comunidad de artistas en el Sur. Sin embargo, esa comunidad de artistas ya se estaba creando en ese momento pero lejos, en Pont-Aven, presidida por Gauguin. Vincent envidiaba esa camaradería, que contrastaba con la soledad en la que él estaba sumido en Arles. En esos momentos trabajaba en el poder de sugestión de los colores, y en el significado simbólico que estos proporcionaban. Él mismo decía a su hermano que 'en lugar de reproducir exactamente lo que tengo ante mis ojos, empleo el color de una manera más arbitraria, a fin de expresarme con vigor'. Van Gogh consiguió convencer a Gauguin para que trabajara con él en Arles, viviendo con él en la famosa casa amarilla. Estuvieron juntos nueve intensas semanas, donde pintaron en los Alyscamps, la necrópolis romana de Arles. En contacto con Gauguin, Van Gogh acentuó su familiaridad con el sincretismo radical, con planos lisos, destacados mediante cerquillos marcados y oscuros, en una explícita referencia a Gauguin, tal como muestra El salón de baile en Arlés (1888). Después del famoso incidente, en el que Van Gogh se cortó una oreja y se la dio a una prostituta, Gauguin regresó a París, y Van Gogh se internó voluntariamente en Saint Remy. Sus autorretratos no permiten dudar de su sufrimiento, ni de que sigue creyendo en el poder terapéutico de la pintura. 6. GAUGUIN Y PONT-AVEN Gauguin se instala en la localidad de Pont Aven en 1886. 'Me gusta Bretaña - escribiría dos años después- encuentro allí lo salvaje, lo primitivo'. Bretaña se había mantenido aislada durante mucho tiempo, y conservaba una vida fuera de su tiempo marcado por lo industrial y lo moderno. Desde 1860, este lugar acogía una colonia cosmopolita de artistas, que conseguían vivir con casi nada. El carácter austero, el fervor místico y la naturaleza violenta de la región constituyeron una revelación para Gauguin y sus amigos. En ese ambiente, Gauguin conoce a Emile Bernard, junto con quien elabora una nueva manera de pintar, sintética y esencial, que eliminaba los detalles para contonear las formas por un trazo negro que recuerda al plomo de las vidrieras. Al rechazar el pintoresquismo del lugar, rechazaban, a la vez, la expresión natural del paisaje: 'No copie a la naturaleza, decía Gauguin, el arte es una abstracción. Extráigala de la naturaleza soñando ante ella'. La exposición presenta importantes pinturas de Gauguin de este periodo, como Marina con vaca (1888), Los almiares amarillos (1889) o la famosa Campesinas bretonas (1894). 7. NABIS En octubre de 1888, Paul Sérusier enseñó a sus colegas de la Académie Jullian -Maurice Denis, Ibels, Paul Ranson y Pierre Bonnard- una pequeña tabla que acababa de pintar en Pont Aven bajo el dictado de Paul Gauguin. Este había animado a su joven discípulo a traducir la naturaleza con colores puros, de manera que, por primera vez, era presentada una pintura, como diría Maurice Denis en sus Diarios, 'cómo una superficie plana recubierta de colores reunidos en un determinado orden'. Esta pequeña tablita llamada El talismán, y que hoy presentamos en esta exposición, es una de las obras icónicas de la historia del arte, ya que por primera vez plantea abiertamente lo que será la pintura para el siglo XX: 'Una superficie plana con formas y colores', abriendo la puerta a la abstracción y la Concepción objetual del cuadro. Alrededor de la emoción que suscitó El talismán, este grupo de artistas se autodenominó 'Nabis', una palabra misteriosa que, tanto en hebreo como en árabe significa 'profeta', 'elegido'. Así, decidieron concebir la pintura 'como un grupo de acordes, alejados definitivamente de la idea naturalista'. A este estilo, se sumaba su interés por la materialidad de la pintura, para la que los ejemplos de Van Gogh y Cézanne resultaron esenciales. Las posibilidades estilísticas que ofrecía esta nueva manera de pintar fueron desarrolladas por artistas de personalidades muy diferentes: mientras Bonnard y Vuillard exploraban notas intimistas y sensibles, Roussel se concentraba en temas bucólicos y Dénis, Sérusier y Ranson se sintieron atraídos por una mística de corte católico. En todos los casos, cualquier asunto banal trascendía hacia la representación de una vida silenciosa llena de enigmas. Sus personajes aparecen aislados, incomunicados, haciendo gala de una vida interior que se desarrollaba en los lugares más inescrutables del alma humana. Pero de una manera paralela los Nabis, dentro de una corriente general en la que se inscribe el Art Nouveau, fueron haciendo un arte en el que, independientemente de los personajes y las historias, lo decorativo (en el ritmo de la pincelada, ven la repetición armónica de los motivos) fue adquiriendo una importancia cada vez mayor que los llevó a trabajar directamente en grandes decoraciones. Por primera vez presentamos los cinco grandes paneles de los Jardines públicos, la decoración que Vuillard realizó para Alexandre Natanson, hermano del fundador de La Revue Blanche para su hotel particular. Obra maestra y emblemática de este periodo, los Jardines públicos muestra cómo los mejores elementos del arte de los Nabis - desde la inquietud y el mundo interior que transmiten los personajes, hasta la planitud en la superposición de las tintas vibrantes - se traspasan a la pintura decorativa.
La exposición presenta por primera vez en España, una selección de 78 obras maestras del Musée d´Orsay, que trazan la historia del nacimiento del arte moderno.
Grandes Eventos, 29 ene de 2013
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